sábado, abril 09, 2016

Guía de clásicos indies: Slacker, de Richard Linklater




x Cynthia Sabat

Su nombre es hoy sinónimo de independencia dentro del cine indie americano. Nacido en Houston, Texas, el joven Linklater dejó una marca imborrable en la escena independiente con su film Slacker (1991). Es que su propuesta supo capturar el espíritu, la inconformidad y la rebeldía de toda una generación, a la vez que fue consecuente con su independencia en todos los aspectos: estético, económico, y político.

En Slacker Linklater experimentó con una narrativa fragmentada, armando una especie de collage conformado por viñetas. Son momentos fugaces, conversaciones que se escuchan a medias, gestos mínimos captados al pasar. El film tiene infinidad de protagonistas: todos tienen sus cinco minutos de fama y desparecen sin que nunca sepamos sus nombres. Ni de dónde venían, ni a dónde iban. Si embargo, en esos instantes algo de la compleja experiencia humana queda plasmada en la pantalla.

En la primera (memorable) secuencia el propio Linklater interpreta a un joven que baja de un micro. Toma un taxi, y le cuenta al taxista una serie de extraños sueños mientras el hombre maneja ajeno al relato. El joven se baja en un barrio, camina un poco y se encuentra con una situación bizarra: una mujer ha sido atropellada y nadie se detiene a socorrerla. Un largo travelling nos revela que la mujer ha sido atropellada por su propio hijo, y que la policía llama a su puerta para detenerlo.

A partir de allí la cámara comenzará una interminable “fuga”. Seguirá a un personaje que se encuentra con unos amigos; luego seguirá a otro fuera de un bar, y lo acompañará en su encuentro con un extraño que relata una alucinante teoría conspiratoria sobre la desaparición de niños.

Lo sorprendente de Slacker es la perfecta ejecución de su propuesta formal. A Linklater no sólo se le ocurrió una buena idea (totalmente alejada a la estética del cine clásico y comercial), sino que supo llevarla a cabo con total eficacia. Slacker se realizó con un presupuesto minúsculo (un microbudget) de 23.000 dólares, y en 16mm. La frescura de sus diálogos y actuaciones parecen improvisadas pero es evidente que el film es un reloj que funciona a la perfección.

Este gran film indie no sólo inspiró a una nueva generación de directores (Kevin Smith asegura que lo decidió a dirigir), sino que fue una verdadera declaración de independencia y una crítica feroz a la sociedad americana desde un rincón llamado Austin, en Texas. Por si esto fuera poco, prefiguró el reinado de Youtube (en la escena de los televisores) y la lógica de las redes sociales. Slacker además está llena de humor en situaciones y personajes antológicos, como aquella chica rara que asegura tener en un frasco vello público de Madonna que intenta vender.  




Esta nota fue originalmente publicada en Amoelcine.com


Guía de clásicos indies: Un maldito policía, de Abel Ferrara





x Cynthia Sabat

Pocos films dejaron una impronta tan fuerte en el cine de su época como Un maldito policía (Bad Lieutenant). Abel Ferrara ya había demostrado su pulso para filmar historias urbanas cruzadas por la violencia, la mafia y la droga en King of New York (1990), protagonizada por un jovencísimo Christopher Walken. Dos años más tarde, el director nacido y criado en el Bronx se consagró como uno de los más rebeldes, incorrectos y excesivos directores del cine independiente americano con su retrato de un policía fuera de la ley.

El policía en cuestión es un hombre alienado por su trabajo y obsesionado por apostar fuerte al equipo de béisbol de sus amores, los Mets de Nueva York. A diferencia de los buenos policías, él se roba la droga que cae en sus manos como evidencia para venderla a los traficantes. Tiene una familia, pero está ausente o abstraído en un infierno que lo lleva a drogarse con una hermosa mujer.

En medio de los numerosos asesinatos que ocurren en una ciudad como Nueva York, un hecho lo conmueve: es el caso de una joven monja violada en una iglesia. El policía se involucra en el caso, y llega a dar con los delincuentes. Lo que lo impresiona y lo perturba es la capacidad de la mujer para perdonar a quienes la agredieron. Pero este policía ya es presa de un espiral de violencia y corrupción que no tardará en ahogarlo.

La entrega absoluta a su papel de un gran actor como Harvey Keitel es parte del secreto de Un maldito policía, un film que queda grabado en la memoria y que retrata la adicción con una crudeza única. El clima seco de policial negro se mezcla con el vértigo urbano de las calles y los antros de Nueva York, y un misticismo kitsh y desgarrado en el que Jesús puede corporizarse frente al protagonista.

En 2009 Werner Herzog dirigió The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans, una remake del clásico de Ferrara al que dio un tono completamente nuevo. Protagonizado por Nicolas Cage y Eva Mendes, la cinta toma al personaje original pero Herzog la carga de un patetismo casi satírico con toques de humor negro, convirtiéndola en una caricatura más que en un homenaje al film original.

Un maldito policía sigue siendo hoy un clásico indie, capaz de helar la sangre a cualquiera. 



Esta nota fue originalmente publicada en Amoelcine.com



Guía de clásicos indies: The virgin suicides, de Sofia Coppola




x Cynthia Sabat

The virgin suicides (1999) es hoy un clásico indie, y una de las cintas más bellas y melancólicas que ha dado el cine. Pero lo más importante es que fue la opera prima de Sofia Coppola, una chica introvertida e inquieta que reveló en su debut un talento arrollador.

Sofia creció, respiró y se alimentó del cine que la rodeó toda la vida. La hija mimada de Francis Ford Coppola no necesitó copiar el estilo de su famoso padre, sino que dio muestras de ser una artista sensible, personal y multifacética, que crearía todo un estilo y dejaría una profunda marca en el cine indie americano.

The virgen suicides cuenta la trágica historia de las hermanas Lisbon, unas chicas de cabellos rubios como el oro, plenas de belleza pero no de felicidad. La vida de la familia Lisbon se desarrolla en un suburbio de Michigan, en uno de esos barrios con jardines y grandes y veredas donde brilla el sol, pero nada es lo que parece.

Basada en la novela homónima de Jeffrey Eugenides, las bellas hermanas encarnan a una juventud incomprendida en sus más profundos conflictos. El dolor de crecer, la imposibilidad de relacionarse con los demás y cumplir con las expectativas que la sociedad les imponen amenazan con colapsar las frágiles almas de esas chicas.

Sofia Coppola eligió un cast memorable en el que se destacan Kirsten Dunst (la gran revelación del film); James Woods, Kathleen Turner y Josh Hartnett. También eligió a Edward Lachman como director de fotografía, un nombre ilustre en el cine indie, responsable de la fotografía de los films de Steven Soderbergh (sus cintas más indies); Todd Haynes, Todd Solondz y Larry Clark, entre otros.

Un capítulo aparte merece la banda de sonido, producida por el dúo francés Air. La exquisita selección de temas pop de los 70s (The Bee Gees, 10CC, Electric Light Orchestra), y los temas originales lo transformaron en uno de los soundtracks más adorables del cine.


 Esta nota fue originalmente publicada en Amoelcine.com


lunes, diciembre 22, 2014

Los 10 mejores álbumes de 2014





x Cynthia Sabat

1. Damon Albarn – Everyday Robots
El tema del nuevo album del compositor y cantante inglés, ex lider de Blur y creador de Gorillaz, es la deshumanización. Albarn le pone las notas, las palabras y los climas justos a cada una de las canciones, en una especie de elegía de la humanidad que quita la respiración. Albarn es un músico inquieto y sensible en su madurez, y eso se nota. El mejor. "Everyday Robots" y "Hostiles" los tracks preferidos.
Lanzamiento: 29 de abril de 2014
Web: http://www.damonalbarnmusic.com/



2. How To Dress Well – What Is This Heart?
Delicatessen! El tercer album del Chicago Boy y singer-songwriter Tom Krell AKA How to dress well, es un viaje de emociones inesperadas de la mano de una voz versátil como pocas. Los críticos lo llaman Alternative R&B, o PBR&B o Hipster R&B (que son eufemismos de "R&B cool o para blancos"). Su voz es el instrumento principal de su arte, pero la instrumentación vuelve sublime a las canciones. Los tracks indispensables son "A Power" y "Face Again".
Lanzamiento: 23 de junio de 2014
Web: http://whatisthisheart.com/



3. Metronomy – Love Letters
El cuarto álbum de la banda inglesa es una delicia. Sus canciones son pegadizas y encantadoras, y su sonido vintage que remite al pop-rock de los 60s 70s, tocadas con teclados e instrumentos electrónicos y efectos de aquella época, nos invitan a un viaje en el tiempo. Metronomy mezcla estilos de forma ecléctica: es una banda de inditrónica pero que fusiona hip hop, jazz, experimental, New Wave y todo lo que venga.
En 2011 nos deslumbró su album "The English Riviera", y ahora "Love Letters" vuelve a pegar fuerte, comenzando por el tema que da nombre al album, cuyo video fue dirigido por el gran Michel Gondry. Joseph Mount (compositor, cantante, teclados y guitarra) es el líder de esta banda impecable de pop sofisticado. Los temas indispendables son "Love Letters", "Month of Sundays", "I´m Aquarius", "The Most Immaculate Haircut" .
Lanzamiento: 10 de marzo de 2014
Web: www.metronomy.co.uk/



4. Lily Allen – Sheezus
¡Ahora la cosa se pone divertida! El tercer album de esta inglesita es un coctel de ritmos que se mezclan en la mismísima quintaesencia del pop. Lleno de frescura, ironía, descaro, sarcasmo y humor inglés, pero también de ultrasensibilidad femenina, "Sheezus" es capaz de hacerte bailar y cantar en el karaoke más desenfrenado. En el tema que da nombre al disco Lily se mete con las DIVAS: Beyonce (Queen BB), Rihanna, Katy Perry, Lady Gaga, y hasta Lorde son desafiadas a un par de rounds por el "trono del pop" ("Give me that crown, bitch, I wanna be Sheezus", canta). Imposible no amarla. Los temas imprescindibles son: "Sheezus", "Miserable without your love", "Hard out here", "As Long as I Got You" y "Insincerely Yours".
Lanzamiento: 2 de mayo de 2014.
Web: www.lilyallenmusic.com/




5. Lana Del Rey – Ultraviolence
El nuevo disco de Lana se merece estar en este Top 10 simplemente porque dio un salto tremendo desde Born to Die (2012) a este Ultraviolence. Ella es experta en saltos al vacío: Lana Del Rey, es el stage name de Elizabeth Grant, norteamericana de familia galesa, y fue una niña internada por sus padres a los 14 años por sus problemas con el alcohol. Más tarde su tío le regaló una guitarra, y ella estudió metafísica. Tocó en bares de NYC y subió un video a Youtube que fue viral y se llamó "Videotapes". Filmado y editado por ella misma, la convirtió en otra estrella pop self-made en las redes sociales.
Musicalmente, esos tiempos están lejos de este álbum, atravesado por una atmósfera melancólica, somnolienta, vagamente suicida. Lana lo definió como un viaje desde la Costa oeste a Brooklyn, y eso puede notarse en sus canciones. Las letras son autorreferenciales y muy cinematográficas (muy lyncheanas), y tienen que ver con una subjetividad confundida por el amor a un hombre frío y distante que la consume, y una competencia desigual con las drogas, que parecen ser las mejores amigas del hombre y las chicas perdidas, en el mundo de Lana. Vale la pena subirse al viaje que propone esta chica bella como pocas, con una voz maravillosa, que parece entrar en trance cada vez que canta en vivo. Dato importante: la producción del album estuvo a cargo de Dan Auerbach, cantante de The Black Keys, que dio en la tecla con el clima, sin dudas. Los temas imprescindibles: "Shades of cool", "West Coast", "Sad Girl", "Pretty when you cry", "Ultraviolence", "Fucked my way up to the top". Pop místico, con Aleluyas, corazones solitarios y muchas ganas de morir y vivir al mismo tiempo. Oh yeah. Larga vida a Lana Del Rey.
Lanzamiento: 13 de junio de 2014.
Web: lanadelrey.com/



6. Antony And The Johnsons – Turning
Antony Hegarty es el hacedor inquieto por excelencia. Performer ya desde fines de los 90s, lanzó un par de albumes de estudio pero el mundo lo descubrió con su "I´m a bird now" en 2005. Artista del trangénero, de la identidad sexual, de la fragilidad y la soledad, este ser con apariencia andrógina y voz celestial tiene un registro lírico subyugante. Compone y toca el piano como los dioses, además de haberse dado el lujo de grabar duetos con Bjork y colaborar con artistas enormes. En 2012 lanzó un album en vivo ("Cut the world") y este año el sello Secretly Canadian editó un CD-DVD de una gira europea donde montó un espectáculo junto al artista Charles Atlas. Fue un espectáculo multimedia con Antony al piano y performance en vivo que interpretaban el espíritu de sus temas. Ocho años después de ser grabado, Turning es lanzado en formato de canciones + videos, para disfrutarlo completo.
Podría haber sido un album de estudio también: si uno se abstrae de los aplausos del final de cada tema, la perfección de la ejecución y el sonido son como de estudio. Y la voz de este alma que se quiebra en cada nota es una de las experiencias más emocionantes y sofisticadas que un oído humano pueda percibir.
Los temas fundamentales son "One dove", "Hope there´s someone", "You are my sister", "Twillight", "Where is my power?".
Lanzamiento: 11 de noviembre.
Web:http://www.antonyandthejohnsons.com/




7. Lidwine – Before Our Lips Are Cold
Después de varios EPs, esta bella y exquisita parisina lanzó su album debut. Es multintrumentista pero principalmente es arpista, y compone sus canciones. Su voz recuerda a la de Bjork, y sus temas son sofisticados, bellos, con matices sutiles. Lidwine es una artista a descubrir. La belleza del album se resume en dos temas que ya tienen maravillosos videos: "Before our lips are cold" y "Protective". Una nueva artista con el talento, la belleza y la sensibilidad para llegar lejos. El tono de su voz oscila entre la sutileza de una Bjork y la mejor expresividad de la reina máxima, Kate Bush.
Lanzamiento: 20 de octubre de 2014
Web: www.lidwine.com/



8. Marissa Nadler – July
Llegó el turno del indie folk en este ranking. Y del mejor. Marissa Nadler, bostoniana, bella, con una voz prodigiosa y una sensibilidad particular, lanzó su sexto album de estudio por el exquisito sello Bella Union. El album se llama "July", y es una joya para oídos cultivados.
Marissa ya nos había cautivado con su album de 2012 "The Sister". Pero en este "July" se supera, entregando canciones en estado de gracia. No hay mucho más para decir: Marissa Nadler es una de las artistas más refinadas de la escena del indie folk; una singer-songwriter un poco dark y misteriosa, que fusiona folk y dream pop de una manera soñada. Los temas imprescindibles son "Dead City Emily", "Drive", "Was It a Dream", "We Are Coming Back" y "Desire". Disfrutenla.
Lanzamiento: 10 de febrero de 2014.
Web: http://www.marissanadler.com/



9. Erlend Øye – Legao
¡Escucharlo es amarlo! El segundo album solista del nerd noruego más bello del mundo (Erlend Oye, de Kings of Convenience) es una joyita: Fue grabado en Reykjavík junto a Hjálmar, una banda ¡de reggae de Islandia! La mezcla de ritmos, influencias, culturas y hasta idiomas resulta en un disco leve con un poco de reggae, indie pop, bossa nova y la maravillosa voz de Erlend (multiintrumentista, singer-songwriter y dandy cosmopolita), capaz de derretir la capa de ozono. El primer corte fue "Garota", un hit instantáneo e irresistible cuyo video fue filmado en Seul. El único ser en este planeta que puede hacer el milagro de que escuche reggae es él. Hay que dejarse llevar por su levedad burbujeante (Bubbles Records es, justamente, el sello del propio Erlend que sacó su álbum). Los temas imprescindibles son "Garota" y "Rainman" y "Fence me in" y ... escúchenlo.

Lanzamiento: 3 de octubre de 2014.
Web: https://myspace.com/erlendoyeplease




10. Hospitality – Trouble
Este TOP 10 se termina con el segundo album de la banda de Brooklyn, que en 2014 se lanzó al ruedo con un adorable debut. El trio conformado por Amber Papini (voz, guitarra), Brian Betancourt (bajo) y Nathan Michel (percusiones) dio un paso desde un sonido juvenil y urbano hacia un fresco pero elaborado juego de guitarras, percusión y voz que le valieron el pase a la adultez poprockera. Sus temas fluyen sin apuro, están llenos de matices, bellos riffs y estribillos, sin abandonar nunca la onda de las bandas indies neoyorquinas. En este "Trouble", Hospitality se da tiempo para jugar con texturas, con tiempos, en los que construye su identidad algo psicodélica. "Last words" es, por ejemplo, un tema instrumental de 6 minutos, y quizás lo mejor del álbum. La voz de Amber le da a las canciones el corazón femenino que se merecen. Los temas irresistibles son "I miss your bones" y "Going out" (ambos con bellos videos), además de "Sunship", "Rockets and Jets" y "Call me after". Editado por Merge Records, merece más de una escucha.

Lanzamiento: 28 de enero de 2014.

domingo, diciembre 15, 2013

28º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata: un balance de la última edición de una era






La Jaula de Oro, la gran ganadora

x Cynthia Sabat

La reciente edición del festival argentino más importante, que se desarrolló del 16 al 24 de noviembre, cerró con balance positivo. A dos años de sus 30, este evento clásico que logró sortear innumerables crisis económicas y políticas (y que recuperó un rumbo que había perdido por años), se desarrolló con un buen nivel artístico, guiado por el criterio aplicado por su director, José Martínez Suárez, pero con altibajos a nivel producción, en un contexto de innegable tensión institucional que marcó el pulso de esta edición-bisagra.

Esta 28º edición fue la última con Liliana Mazure como presidente del INCAA (quien asumió su banca de diputada por la CABA pocos días después del cierre del festival), hecho que no sólo no fue disimulado, sino que se remarcó con la entrega de una placa de agradecimiento por parte de la ciudad de Mar del Plata, y es más: fue el eje del discurso de Mazure. El debe y haber de su gestión, en sus propias palabras.

Quienes asistimos a la apertura y al cierre de esta edición pudimos notar más de un cortocircuito entre Mazure y Jorge Telerman, titular del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, suavizados por sonrisas y miradas cómplices, entre chicanas y reproches indisimulables. Y es que “el único festival clase A de América”, viene sufriendo desde hace años una guerra silenciosa por su financiamiento, que el INCAA intentó zanjar creando el llamado “ente tripartito”, que terminó fracasando. El INCAA buscó durante años repartir el costo del evento comprometiendo a la provincia y a la ciudad en la producción. Se firmaron actas, se estrecharon manos y se pronunciaron frases grandilocuentes: los hechos demuestran que el festival viene sufriendo un tremendo desfinanciamiento, fruto de la falta de compromiso concreto de la provincia y la ciudad, y con la ayuda inestimable de la devaluación del peso. Año a año, los rumores de colapso del evento preceden al tranquilizador anuncio de la conferencia de prensa de lanzamiento de la nueva edición.

La gestión de José Martínez Suárez es, hasta hoy, la más duradera de un director al frente del festival. Pero la realidad es que las posibilidades de que quien le dio una impronta única, con su rigurosidad y su encanto desbordante, y más allá de algunas críticas, son cada vez menores. El INCAA, a cargo interinamente de Lucrecia Cardoso, su vicepresidente (designación que logró consenso en la industria), mantendría la línea política impuesta por Mazure. De todos modos no caben dudas de que la edición 29 del festival será la primera de una próxima / nueva era, y los desafíos que tendrán que sortear sus responsables no serán pocos.

Esta edición tuvo además un nuevo productor general: el realizador Fernando Spiner. El debut de su equipo fue algo caótico, con problemas en diferentes áreas, algunos de ellos justificados en parte por la cada vez menor cantidad de recursos asignados al festival. Lograr mantener el nivel de invitados, eventos y prensa de un año al otro con fuertes recortes no es tarea fácil. El debut de otro equipo, en este caso el de la sala de prensa, confirma la máxima: los festivales deben conservar sus equipos de trabajo edición tras edición, para capitalizar la experiencia. El trato a la prensa y los servicios de la sala dejaron mucho que desear, y marcaron un retroceso respecto de años anteriores.

La producción artística es, sin dudas, sólida, y se traduce en una programación de alto nivel, y de actividades e invitados de interés para los cinéfilos. Las competencias gozaron del consenso entre los periodistas, que coincidieron en cuanto a que, más allá de algún altibajo, el nivel fue parejo y alto. Las secciones no competitivas fueron tan o más tentadoras, y con films para todos los gustos. Las 450 películas, entre cortos y largos, ofrecieron una enorme gama de experiencias cinéfilas. Estas incluyeron la proyección de revisiones valiosísimas de algunos films de Roberto Rossellini en copias nuevas; una retrospectiva del húngaro Miklós Jancsó; los films de Jorge Cedrón recientemente recuperados y unas estimulantes sesiones de cine en Super 8 que combinaron vanguardia y nostalgia analógica. Entre las visitas las de John Landis, Pierre Etaix y Bong Joon-ho fueron un acierto, al igual que la gran selección de las secciones Autores y Portugal Alterado, entre otras.

El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata merece no sólo seguir formando parte de la grilla de festivales; no sólo mantener su status de Clase A, sino crecer, ofrecer más y mejor, convirtiéndose en faro de la región, atrayendo a más prensa extranjera, produciendo mayores eventos significativos a nivel internacional. No debe pensarse a Mar del Plata como un evento social relajado, como una “previa” del verdadero plato fuerte que es Ventana Sur, nuestro mercado de cine. Mar del Plata tiene todo el potencial para ser la plataforma de lanzamiento internacional de nuevos realizadores latinoamericanos. Hoy cuenta con una gran calidad de proyección en DCP, con un estilo amigable hacia el público que todos los años llena las salas, manteniendo una interesante oferta cinematográfica (una verdadera escuela de cine en pocos días) a un precio razonable en su entrada. No es poca cosa.

Mis preferidas del 28º Mar del Plata FF

1. A touch of sin, de Jia Zhangke
2. La jalousie, de Philippe Garrel
3. Les salauds, de Claire Denis
4. E o amor, de Joao Canijo
5. Tom á la ferme, de Xavier Dolan
6. Imprescriptible, de Alejandro Ester
7. El habilitado, de Jorge Cedrón
8. La Bataille de Solferino, de Justine Triet
9. Los dueños, de Agustín Toscano y Ezequiel Radusky
10. Gerontophilia, de Bruce LaBruce  

Aquí todos los ganadores: http://www.mardelplatafilmfest.com/28/2013/11/23/todos-los-premios/


Muchas Gracias a quienes colaboraron con entusiasmo para que mi estadía en el festival fuera una gran experiencia.

martes, octubre 29, 2013

TLSM, Taller Latinoamericano de Stop Motion:la nueva apuesta del FESAALP

x Cynthia Sabat

El FESAALP (Festival Latinoamericano de Artes Audiovisuales de La Plata), es un festival en pleno crecimiento, con un fuerte perfil independiente y regional. En sus ocho ediciones, ha logrado ganarse a fuerza de trabajo y un perfil claro, el lugar que merece en el calendario de festivales latinoamericanos. Sus competencias y sus eventos suelen sorprender por su solidez, originalidad y su diversidad. En su edición 2013, el Festival recibió en la etapa de preselección más de 800 películas de 15 países del continente. Finalmente, el equipo de programación seleccionó más de 130 películas, entre cortometrajes y largometrajes para las secciones de Competencia Oficial y las secciones paralelas.

Pero la vedette de esta octava edición fue, sin dudas, el flamante Taller Latinoamericano de Stop Motion (TLSM), un taller innovador en la región, que inauguró un espacio valiosísimo para el género en la industria latina. El taller contó con la asistencia de 30 participantes becados por el festival junto al estudio de animación Celeste, que se encargó de la coordinación de las actividades. El FESAALP recibió animadores de Argentina, México, Panamá, Venezuela, Uruguay y Colombia. La mayoría eran profesionales del medio, pero también hubo estudiantes que estaban haciendo sus primeros pasos en el terreno de la animación.

Un muñeco del film Coraline
Pero además, una de las experiencia novedosas, fue incorporar nuevas tecnologías a los Talleres de formación del festival, con la posibilidad concreta de ampliar el número de asistentes a las charlas. Para sus organizadores era una prueba fundamental el poder constatar que hay gente en otros países que están interesados en la programación y  las propuestas que ofrece el festival. La implementación de las charlas a distancia, que permitió que asistentes remotos participaran via skype, fue un verdadero éxito.

Una de las principales actividades desarrolladas en el TLSM fue un taller de pixilation a cargo de Igor Gopkalo Streiff, que básicamente se basó en una Introducción a las diferentes herramientas y presentación de Conceptos: Pixilation y Object Motion. Se plantearon ideas creativas para el desarrollo de un corto comunitario, que hicieron los asistentes y que fue exhibido en la Noche de Clausura del Festival (y que se puede ver debajo de esta nota).

Modelos realizados para los rostros
Otra experiencia enriquecedora para los becados fue visitar tres estudios de animación platenses: Taller el Mate, Simple Origami y Celeste, donde observaron el proceso de trabajo, desde el armado de los esqueletos de los muñecos hasta el proceso final. Una gran vivencia, también, para los integrantes de los estudios platenses, que intercambiaron las diversas experiencias de los colegas argentinos y latinoamericanos. Para allí pasó la esencia del Taller y del festival: que la gente se relacione, que de sus experiencias surjan nuevos proyectos y nuevas ideas.

Mark Shapiro brindó una divertida clase magistral
El TLSM también contó con visitas internacionales. Mark Shapiro, creador del estudio Laika (creadores de films como Coraline y ParaNorman), brindó una charla magistral donde develó los secretos detrás de la animación en stop motion a gran escala. Los responsables de Celeste, un gran estudio de animación platense, se acercaron al festival con la propuesta de llamarlo y que visitara la ciudad para asistir como invitado de lujo. Los primeros contactos fueron por correo electrónico, pero Mark se entusiasmó rápidamente con formar parte del TLSM. Desde un principio se mostró interesado y el hecho de que trajera consigo sus muñecos, su experiencia y su presencia fue un verdadero lujo. Otra gran figura que pasó por tierra platense fue el gran Juan Pablo Zaramella, que junto al actor Gustavo Cornillon brindó una clase apasionante sobre la realización de su multipremiado corto Luminaris.

Juan Pablo Zaramella firma autógrafos a sus fans
Para la organización del FESAALP, el balance de este primer TLSM fue muy positivo. El espacio fue creado como un lugar de creatividad, formación, intercambio y capacitación de uno de los géneros en franco desarrollo en la región. Quizás no sea casual que el premio máximo lo haya ganado un corto de animación chileno, llamado Chile Imaginario. El espacio fue creado: en el futuro, el desafío es continuarlo, profundizarlo y hacerlo crecer para todos los realizadores latinoamericanos.

Gracias Federico Ambrosis y todo el Fesaalp.
www.fesaalp.com


TLSM Octubre en La Plata - Pixilation from Julian on Vimeo.

Sobre Ver y escuchar: una conversación con José Luis Torres Leiva


José Luis López Leiva

José Luis Torres Leiva es uno de los nombres fundamentales del cine chileno contemporáneo. Su filmografía destila una frescura y un afán de búsqueda constante, que lo lleva a encarar films que cuestionan los límites entre ficción y documental, con singular belleza. Quizás haya sido Verano (2011), uno de los secretos mejor guardados del Bafici, la película que hizo resonar su nombre en Buenos Aires. Con Ver y escuchar (2013) compitió en el FIDBA; su otro film reciente es Qué historia es ésta y cuál es su final (2013), un mediometraje que homenajea al director Ignacio Aguero. Aquí una conversación con este realizador dueño de una particular sensibilidad, sobre una obra peculiar: Ver y escuchar.

Más allá de la particularidad de haber planteado un film protagonizado por personas ciegas y sordas, me parece interesante el desafío que planteas al espectador en Ver y escuchar, en cuanto al límite borroso entre documental y ficción. ¿Cómo trabajaste estos dos registros?

JLTL: Fue el primer impulso para realizar el documental. Quería trabajar esta temática pero bajo un punto de vista que se acercara más a la “puesta en escena”. Por lo mismo fue muy importante todo el proceso de
acercamiento y conocimiento hacia los protagonistas del documental. Fueron cuatro años de búsqueda. Para mí era importante poder conocerlos bien, ser parte de sus procesos y provocar instancias en las que se
sintieran cómodos con la realización del documental. Llegado ese momento, pude pedirles muchos detalles y matices para cada una de las situaciones planteadas en el documental.

Hay una tensión lograda entre la inmovilidad, el plano fijo con personas casi inmóviles, y la frescura y el dinamismo de los diálogos y de las “actuaciones”. ¿Cómo llegaste a esa propuesta a nivel estético y dramático?

Para mí este es un documental sobre la comunicación y el intercambio de experiencias a través del lenguaje (ya sea hablado, re interpretado o escuchado). Desde un comienzo quería que éste fuera el movimiento de
la película, que tuviera que ver con los elementos primarios del cine como el lenguaje: la imagen, el sonido, la palabra, los gestos, las miradas, etc.


Me da la sensación de que los espacios, las ciudades que contienen a los personajes, no son aleatorios, no son un detalle más. Al mismo tiempo noto que no hay marcas que denoten claramente cuáles son esas ciudades, esos lugares.

Me interesaba descentralizar cada una de las historias y descubrir otras perspectivas con respecto al tema. Cuando comenzó el proyecto estaba muy ligado a una búsqueda muy específica por ciertos fenómenos
naturales como el viento o la lluvia, y los espacios en donde se desarrollaban las historias correspondían a esas necesidades de la naturaleza que me interesaban. Pero poco a poco el espacio se transformó en un escenario que estaba en función de sus protagonistas y sus respectivas historias. Cuando comenzó a suceder esto, preferí acomodar la historia bajo ese punto de vista donde el lugar representará una atmósfera complementaria de cada capítulo.

El manejo de las emociones es un punto destacable en tu película. Las personas cuentan historias trágicas, vivencias que los marcaron, de una manera que no se convierten en un golpe bajo o una emoción robada al espectador. ¿Fue siempre esta tu intención?

Desde un comienzo tenía muy claro que no sería un documental donde se victimizaría a sus protagonistas, y por lo mismo mi opción fue siempre la de una cámara que guardara cierta distancia con respecto a lo que
mostraba, y se transformara en un espectador invisible de un momento único, casi irrepetible sobre estos distintos encuentros.

Una de las cosas que me impactaron de Ver y escuchar fueron las transiciones. Me despertaron la idea de una tremenda necesidad de renovar la percepción, de percibir de una forma más deformada, más intensa y extrañada, el mundo que nos rodea. ¿Por qué las filmaste de
ese modo?

Precisamente tiene que ver con la percepción y de cómo poder transmitir al espectador del documental otro tipo de percepción. Escuchando todas las experiencias que recogí al buscar los protagonistas del documental pude conformar este otro “lenguaje”, quizás un poco más experimental, que me permitía unir esos mundos hablados por sus protagonistas por esos otros mundos de la percepción, y seguir haciendo partícipe al espectador de la misma sensación.


Por último, ¿fue el blanco y negro una forma de provocar una grieta con cualquier intención naturalista?

 El blanco y negro apareció al final. En el proceso de edición. Lo probé en un comienzo sólo como una opción técnica, ya que habían pasado tantos años entre grabaciones que la calidad de las imágenes resultaba
un poco dispar para mí, y necesitaba una unidad que era fundamental para la película. Ahí surgió la posibilidad del blanco y negro. De inmediato me dí cuenta de que la lectura de esa decisión iba más allá de
un principio estético. Aparte de la unidad que me otorgaba, se producía un “lenguaje” para entender el documental y que tiene mucho que ver con las transiciones que mencionaba anteriormente.


Muchas gracias José Luis Torres Leiva, Fidba, Walter Tiepelmann.

domingo, septiembre 29, 2013

Sobre Viola: Una conversación con Matías Piñeiro

Viola, de Matías Piñeiro



x Cynthia Sabat

Sobre Viola y Shakespeare

El origen de Viola (2012) está un poco en Rosalinda (2011), un mediometraje que hice por encargo del Jeonju Film Festival. Ellos lo financiaron. Mientras filmaba Todos mienten (2009), me puse a leer a Shakespeare, y encontré una obra que se llama Como les guste (As you like it). En principio me encantó el nombre, es muy ambiguo, no sabés muy bien de qué va a tratar. En ella, encontré un personaje: Rosalinda. Y me dije “A María Villar le viene perfecto este papel, esto puede ser muy divertido”. Hicimos Rosalinda, y seguí leyendo mucho sus comedias, que me interesan bastante, porque había unos personajes femeninos espectaculares a los que no se les había dado tanta importancia. Uno dice Shakespeare y pensás “Dinamarca-sangre-cabezas-reyes” (risas). Pero hay otro costado, igualmente interesante, que es como un torbellino y tiene la misma vitalidad que Hamlet o Falstaff. Estos textos que no conocía tanto, me resultaron iluminadores. Sus diálogos siguen hablando hoy, contienen ideas que hoy me siguen interpelando. Y hay un grupo de actrices con las que me llevo muy bien, con quienes es un placer trabajar y que se pueden divertir mucho con este material. Entonces dije “armemos estas shakespereadas” (así les llamo), con los nombres de las protagonistas, con estas mezclas de ficción con las obras y cómo se entrecruzan ellas con los roles que desarrollan. A todo esto, me convocan del Centro Cultural Ricardo Rojas, del Ciclo Operas Primas. Me llama Matías Umpierrez. En el ciclo convocan a artistas de otros campos artísticos a hacer su primera obra de teatro. Acepto, y me pongo a armar una especie de pastiche shakespeareano donde uno cinco comedias, tomando un acto de cada una. Como Shakespeare tiene esa estructura tan fuerte, en la que en el acto uno los personajes se presentan, en el segundo acto aparece el mensajero, y en el tercero ta ta ta ta ...entonces la idea funciona. Y terminé armando una obra nueva, original, breve e intensa. 
Esta experiencia en el teatro me había gustado mucho; incluso encontré diferencias con el cine que me parecían muy a favor del teatro, como la idea de que hacemos algo hoy pero podemos trabajarlo para que mañana salga mejor. Es una experiencia abierta. En el cine, en el momento en que filmaste, cerraste algo, aunque puedas editarlo después. Sin embargo, no pude con mi genio y enseguida pensé cómo capturar esa vibración, ese vapor. El cine es la cuestión. 

Sobre el método de trabajo

Yo trabajo de una manera que no tiene con ver con la idea de empezar y terminar un guión, y después vemos dónde encontramos la plata para hacerla. En mi caso, la escritura del guión va paralela al camino de encontrar la financiación, y también a los ensayos. Hay algo que es seguro: hay una fecha de rodaje. Eso es lo que me pone en acción. Vivir o estudiar en otro país te pone en contacto con otras formas de hacer cine. Me estaba por ir a vivir a Nueva York, así que a Viola la rodamos justo antes de viajar. La primera intención de hacer Viola fue hacer un mediometraje, para proyectarla junto a Rosalinda. Después filmé, me gustó y la película superó aquellos 40 minutos de la idea inicial. Viajé a Cambridge después del rodaje, la película quedó en stand-by, y el montajista Alejo Moguillansky fue padre y estaba filmando su película … todas esas cosas dilataron el proceso, pero después me di cuenta de que estaba bien que fuera así. La presenté a un par de work in progress y le fue muy bien. Me sorprendió un poco el recibimiento que tuvo, porque es una película muy chica, muy personal, la filmé cuando estaba por irme de la Argentina, y la hice acá porque siempre pensé que era un director de cine porque vivía acá, en mi país. Porque está María Villar, porque está Fernando Lockett…En principio, no me interesa filmar en otro país. Es algo muy íntimo, debería generar vínculos con otra gente y generar un proyecto. Buscar otros actores. En mis películas los actores fueron tan fundamentales como el equipo técnico. Una película es el encuentro de todas las personas que las hacen. Hay una idea del autor, que hay que empezar a desterrar. Las películas las hacen mucha gente. Y yo trato de escucharlos todo lo que puedo. Uno ya lleva sus ideas, sus deseos, sus intenciones, entonces el diálogo está bueno, hay que tomarlo. Yo confío en el equipo, y nos potenciamos mutuamente. Ese trabajo es muy grato, los rodajes de por sí son muy tensos, así que hay que hacer que la cosa fluya.                 








FIDBA: Tijuana, Charly un balance

martes, septiembre 24, 2013

PITCHINGDOCSDF en FIDBA





Las áreas formativa y de desarrollo de proyectos fueron dos aspectos clave del FIDBA. Gracias al Fidba Campus y al Fidba Forum, los documentalistas pudieron acceder a seminarios, laboratorios y charlas de productores, programadores y directores de gran importancia en el contexto internacional. Aquí una crónica del pitching que permitió a un proyecto argentino viajar al DOCSDF.

x Cynthia Sabat

En el cine documental todos pitchearon, aunque sea una vez, para aspirar a la financiación de su proyecto. En el marco del FIDBA se realizó un pitching de proyectos, con el objetivo de lograr una beca para viajar al DOCSDF, el festival de documentales de México y uno de los más importantes en la región. Con el objetivo de estimular la producción y el desarrollo de proyectos documentales en Iberoamérica, DocsDF, con el apoyo del programa de formación del fondo Ibermedia, desarrollaron este año un programa de apoyo para la participación de proyectos en la 6ª edición del DocsForum, mercado de coproducción de proyectos y documentales en proceso de primer corte del festival DocsDF.

El premio al Mejor Proyecto Documental Argentino 2013 que representará al país en México, consiste en transporte de Buenos Aires a México DF (ida y vuelta); acreditación + Pitch en el Festival Internacional de Cine Documental de la ciudad de México, y tres noches de alojamiento. La participación del proyecto seleccionado tendrá lugar durante las fechas de realización del 6º DocsForum (28 de octubre al 1º de noviembre). El Pitching Forum se llevará a cabo los días 30 y 31 de octubre. El comité formado por Gabriela Torres, Kristina Konrad y Francisco Mena evaluó los cuatro proyectos presentados, y al final dió su veredicto. Fue interesante escuchar a los participantes contando su propuesta y mostrando las primeras imágenes de su film, lo que demostró una gran variedad de propuestas narrativas y estéticas. 

Leandro Listorti y Paula Zyngierman, presentaron su proyecto Sombras en el cuadro.
Se trata de un film que reunirá una selección de proyectos cinematográficos que quedaron truncos, por alguna razón. Serán proyectos míticos, como la famosa Los Velazquez (la película perdida de Pablo Szir) o una película sin título de Armando Bo y Coca Sarli, filmada en Nueva York. 


-Nadina Marquisio y Laura Martínez Duque presentaron su proyecto Juntas
Norma y Cachita, dos mujeres en sus 70 años, se hicieron “famosas” al ser la primera pareja de lesbianas en contraer matrimonio cuando la Ley de Matrimonio Igualitario entró en vigencia en Argentina. Las directoras acompañaron a la pareja a Colombia, a Barranquilla, lugar donde vivieron su juventud, justo en el momento en el que se debate la misma ley.



Proyecto Juntas



Marcos Martinez, presentó su proyecto Sordo.
 
Se trata de un film sobre un grupo de teatro cuyos miembros son sordos. Mientras trabajan en la puesta de una obra, los problemas de su vida privada se mezclan con los de las particularidades de crear una obra que sea tanto para sordos como para gente que escucha. 

Manuel Abramovich, presentó su proyecto Soley (que previamente se llamó “Los recuerdos futuros”).
Sondea la vida de Flavio Capobianco y su familia, una historia que se hizo mediática en los años 90s, cuando él saltó a la fama por ser un chico superdotado. A través de material de archivo se ilustra el pasado mediático, y a través de videos que graban Flavio y su hermano, se registra su vida actual. El film da un giro importante cuando el “protagonista” se revela y desafía al director a intercambiar roles. 


Proyecto Soley



Finalmente el jurado decidió entregar la beca al proyecto Juntas. ¡Felicitaciones!


Agradecimiento a FIDBA, Walter Tiepelmann. 



Equipo verde : elegía de la juventud en dictadura



Equipo verde es el segundo documental dirigido por la montajista y realizadora Alejandra Almirón, que fue estrenado en el FIDBA. La directora reconstruye sus años en el secundario, en plena dictadura militar, y recuerda el miedo como denominador común en su vida, pero también en la de sus amigas, Elvira y Cristina. El film indaga en las heridas que dejó esa experiencia. 

x Cynthia Sabat

Equipo verde es un film muy personal. Entre varios aspectos originales se destaca el hecho de que transmita un punto de vista nuevo, fresco, sobre la dictadura. ¿Fue este el punto de partida, o el resultado del relato?

El lenguaje fue surgiendo en el accidentado proceso del montaje, el eterno ensayo y error. Yo sabía que no quería bajar línea o información dura, sino que presentía que en lo mínimo de nuestras historias existía algo que se podía narrar.

¿Cuán fuerte fue en vos la necesidad de plasmar tu propia historia personal en esta película, el hablar en primera persona?
También fue parte de un proceso. En la primera fase con una intención coral-generacional, entrevistando a muchas personas de mi edad. Luego sentí que se armaba algo pretencioso y globalizado. Me di cuenta de que lo único que podía contar eran mis vivencias y las de mis amigas de toda la vida.

¿Cómo fue la relación con Elvira y Cristina durante el rodaje y durante el montaje? ¿Hubo objeciones y discusiones sobre cómo las retrata la película?
El rodaje fue muy diferente con cada una de ellas. Cristina vive en Buenos Aires y compartimos mucho tiempo juntas. La cámara para ella siempre fue invisible, no le molestaba. Además al ser actriz creo que nunca se sintió intimidada por la potencial exposición. A Elvira sólo la veía en los viajes de ella a Buenos Aires y uno que realicé a España en 2007. La cámara siempre estaba en el medio, muchas veces generando cierta tensión. Y su universo, el científico, está muy lejos del que podemos frecuentar Cris o yo.
El montaje no produjo conflicto con ellas, imagino que por confianza.
Esta etapa fue muy solitaria y con muchos momentos de crisis, debido a cuestiones de producción o a bloqueos personales, cosas que suelen suceder en el cine. El tiempo va pasando, otros proyectos se interponen en el camino y de golpe te das cuenta de que estuviste muchos años en algo parecido a un limbo.


¿Qué decisiones fueron las más difíciles a la hora de llegar al montaje final? 
Despojarme de ideas que creía que eran buenas. Tardé en darme cuenta de que en el pequeño espacio del colegio y su subtema: el miedo, estaba todo el universo del que debía hacerme cargo.

¿Pensaste alguna vez en un público para Equipo verde?
No en términos de "audiencias" como suele hacerlo un productor, pero sí me genera mucha curiosidad saber si produce algún eco en las personas de mi edad. Si mi tesis silvestre acerca de una supuesta generación tiene algo de cierto o si sólo se trata de mi trauma escolar.

La película puede definirse como un retrato poético-apocalíptico de una generación que nunca se definió como tal en un film, ¿estás de acuerdo con esta definición?
Te agradezco mucho lo de poético, me lo tomo como un elogio.
Lo de apocalíptico: sí, es parte de mis sentimientos, de mis miedos. Algo muy fuerte que comparto mucho con Cristina. Elvira es alguien con más fe en la vida que nosotras, ella quizás zafó un poco de estos estigmas.

¿Cuál es para vos la secuencia que resume el tema?
La primera. Anoche soñé que volvía al colegio. Esa edad maldita, la pubertad, que siempre acecha recordándonos cosas, sueños, miedos.


¿Cómo es tu relación con las películas sobre la dictadura? ¿Pensás que hay un tipo de relato sobre el tema que está agotada o caduco?
No me gustan en general los relatos solemnes, me despegan de cualquier emoción posible. Prefiero lo particular, lo imperfecto. No quiero hablar de pelis que no me gustaron. Prefiero nombrar algunas que me impactaron: Juan, como si nada hubiera sucedido (Carlos Echeverría), Montoneros, una historia (Andrés Di Tella), Papá Iván (María Inés Roqué), Garage Olimpo (Marcos Bechis). Hace un año vi la de Benjamin Avila, Infancia Clandestina, me conmovió.

Equipo verde es un film que parece haber servido como catarsis, ¿cómo cambió tu visión de aquellos años de escuela secundaria al final del proceso de realización?
Sigo obsesionada con la niñez y las instituciones, la escuela que odia la creatividad de los niños y que prefiere formatearlos para el trabajo esclavo.Suena a The Wall, puede parecer un pensamiento simple pero yo me lo creo.

¿Hay algo que querías plasmar en la pantalla y te quedó en el tintero?
En este momento no soy capaz de responder esto. Necesito un tiempo para asimilar la experiencia.



Trailer Equipo verde http://vimeo.com/73645979
Blog de Equipo verde http://elequipoverde.blogspot.com.ar/
Web Alejandra Almirón www.alejandraalmiron.com


viernes, septiembre 20, 2013

Mis elecciones, una experiencia de teatro documental

Teatro documental



x Cynthia Sabat

Cuando el público entra a la Sala Enrique Muiño, los candidatos ya están ahí, en el escenario. Son cuatro. Lo primero que uno nota es que uno de ellos está en silla de ruedas. Cada uno está sentado en una silla, con una mesa al lado. No son actores, o por lo menos eso parece. Nada en el escenario nos predispone para sumergirnos en un mundo, perder noción del tiempo y el espacio y visitar por un rato otra realidad. Una luz plena llena de claridad, e ilumina cada rincón del escenario. El artificio se expone. El asistente de dirección declama un texto con marcada pomposidad. Habla de un Shakespeare para el pueblo y por el pueblo. Entrega unos papeles a los candidatos y, a uno de ellos, un micrófono. Así comienza este experimento sobre las biografías de cuatro candidatos (tres por la ciudad de Buenos Aires, uno por Rosario). Cuatro políticos que aceptan el desafío de jugar, de mostrar su historia personal, con sus brillos y sus tragedias.

A poco de comenzado el experimento, la dinámica se intuye: cada candidato hablará, a veces guiado por preguntas del director, hasta que se le quite el micrófono, en un juego que tiene algo gracioso pero también cierto autoritarismo. Un candidato en campaña tiene el micrófono, virtualmente, hasta que pierde y se lo quitan.

Las consignas que el director Lisandro Rodriguez les da, a través de Paco, el asistente de dirección, son disparadores para hablar de la muerte de un padre, de la adopción de una hija, de un primer trabajo, o de una tragedia que despierta una vocación política. Los candidatos se dirigen al público, y muchas veces usan el humor y la ironía para escabullirse de los incómodos silencios que detienen la obra.

El Teatro Documental que propone Lisandro Rodriguez es una forma de biodrama: personas ponen en escena sus vivencias, su intimidad, más allá de la fachada que todo político elabora cuando está en plena campaña electoral. El aspecto efímero de la obra, lo volátil y experimental que hay en ella, vuelve a este un espectáculo enrarecido, que por oposición nos lleva a reflexionar sobre la forma en que los medios masivos retratan a los candidatos y a las campañas electorales.


El público reacciona acompañando el relato de los candidatos, con sonrisas o con pesar. Al final del juego, los candidatos tienen tres minutos para dar sus nombres, presentarse y de alguna manera “definirse”.  Y ya no son figuras planas en un afiche político pegado en la pared, no son un nombre vacío que nos invita a acompañarlo con el voto:  son uno más entre nosotros.  

Los candidatos:

- Itaí Hagman (Marea Popular)
- Jorge Triaca (PRO)
-  Pedro Salinas, (Frente para la Ciudad Futura – Rosario)
- Carla Carrizo (Sumá +)


MIS ELECCIONES - TEATRO DOCUMENTAL
en el marco de FIDBA
Idea original: Walter Tiepelmann
Actor: Paco Gorriz
Producción: Dolores Martinez
Colaboración: Natalia Fernandez Aqcuier, Marcelo Allasino, Enrique Biondini
Julieta Gibelli
Asistencia general: Gisele Amantegui
Coordinación: Juan Hendel
Director: Lisandro Rodriguez