Había una vez una chica

Mis 10 discos indies favoritos de 2011

2011-12-30T18:04:00.000-08:00

Quiero compartir en este blog mi TOP 10 de discos del año, ya que creo que puede alentar a algunos a escuchar nuevos sonidos y a coparse con la onda que me gusta: el indie pop, dream pop, psychedelic folk, electro pop. Enjoy it! Dedicado a mis amigos musicales de Facebook que me alentaron a escuchar algunos de estos disquines. Queda mucho por escuchar todavía. Adrián, Alejandro, Gastón. Gracias. ¡Viva el indie!

1. Feist – Metals
Muy pero muy bello. Suena como Tori Amos hace una década! eso es lo que pensé cuando la escuché. Un disco impecable, rico, intenso. Los mejores temas son "Comfort me" y "Get it wrong, get it right".

2. Fleet Foxes - Helplessness Blues

Sensible y emocionante, con sonidos que remiten al brit folk, al indie folk y al country. El tema es "The Srine". Una hermosa banda. Este es su segundo album.

3. The Middle East – I Want That You Are Always Happy
Banda de indie folk de ¡Australia!, que tiene un primer album (The Recordings of The Middle East) que es una delicadeza. Este disco tiene un bello sonido folk y temas como "Jesus came to my birthday party" que se te pegan por días. Hermosa banda para bookmarkear.

4. Metronomy – The English Riviera
Su anterior disco, Night Out, estaba bueno, pero este está mejor. Banda de Londres de indie pop con canciones muy muy pegadizas, con letras muy muy tontas. Y bueno, todo no se puede.¡Irresistible! Su video de "The Look" es un encanto, miralo en Youtube.

5. I Break Horses – Hearts
Nació una nueva banda con este gran disco debut. Son de Estocolmo y hacen dream pop. Es un duo. Sonido embriagador y sofisticado. A lo Cocteau Twins.

6. Justice - Audio, Video, Disco
Seee, salieron con un album de rock progresivo. Esto sí es very retro, tiene toques del primer Genesis y de Yes! No tiene canciones bailables, ojo, pero el sonido está bueno. Es la banda de la crucecita!

7. gusgus – Arabian Horse
Una de las bandas más exquisitas de la electronica - house -trip hop directo desde Reykjavik, Islandia. Algunos dicen que es su mejor disco. El tema es "Magnified love". ¡Los sigo desde Polydistortion!

8. Clap your hands say yeah – Hysterical
Muy potente disco de la banda de Brooklyn que irrumpió en 2005 con un disco encantador. La voz temblequeante de su cantante es toda una marca. Disfrutenlo. El temón es "In your alien arms". Indie rock para emos.

9. CSS – La Liberación
Una bomba de energía. Hay guitarras, temas electro rock; hay algo de ska y de hip hop. Para hacer pogo solo en tu casa! Cada vez me gusta más esta banda paulista, este es su tercer disco. Aguante CSS.

10. Iron & Wine - Kiss each other clean
El hippie barbudo y sensible nos brinda otro disco sofisticado. A disfrutarlo en tranquilidad y con auriculares.

Balance 2011: lo mejor y lo peor del año cinematográfico

2011-12-19T09:39:00.000-08:00

Un ¡tremendo! año termina y empieza la hora de los balances. La lista de films y discos que subo tiene que ver con lo mejor y lo peor que yo pude ver y escuchar durante este año. Es un balance muy muy personal. Hay que tener en cuenta esto, dado que gracias a las descargas pude ver mucho cine independiente que no llegó a las salas (ni siquiera a los festivales argentinos) y, por otro lado, gracias al enorme retraso con que llegan los estrenos comerciales (algunos de 2010 y otros incluso de 2009) no me parece pertinente considerar entre lo mejor o peor a una película que vi en festivales de años anteriores (como Poetry, Morir como un hombre o Life during wartime). Dicho esto, comparto mis listas!

Nota: Las selecciones no fueron pensadas en orden descendente, sino tal como llegaban a mi memoria.

TOP 30 de Mejores Películas que vi en el año

1.   The kid with a bike, de Jean-Pierre y Luc Dardenne
2.   Melancholia, de Lars Von Trier
3.   La piel que habito, de Pedro Almodóvar
4.   We need to talk about Kevin, de Lynne Ramsay
5.   The future, de Miranda July
6.   Martha Marcy May Marlene, de Sean Durkin
7.   Attenberg, de Athina Rachel Tsangari
8.   El premio, de Paula Markovitch
9.   Another Earth, de Mike Cahill
10. Red State, de Kevin Smith
11. Margin Call, de J.C. Chandor
12. Meek´s Cutoff, de Kelly Reichardt
13. Jack goes boating, de Phillip Seymour Hoffman
14. Copy Conforme, de Abbas Kiarostami
15. Drive, de Nicolas Winding Refn
16. Genpin, de Naomi Kawase
17. Balada triste de trompeta, Alex de la Iglesia
18. Pina, de Wim Wenders
19. Cave of forgotten dreams, Werner Herzog
20. Littlerock, de Mike Ott
21. True Grit, de Joel Coen
22. Bellflower, de Evan Glodell
23. Yo maté a mi madre, de Xavier Dolan
24. White material, de Claire Denis
25. Au fond du bois, de Benoit Jacquot
26. Tyrannosaur, de Paddy Considine
27. Blue Valentine, de Derek Gianfrance
28.  El cisne negro, de Darren Aronovsky
29.  Never let me go, de Mark Romanek
30. Attack the block, de Joe Cornish

NOTA: Hay que tener en cuenta que hay una cantidad de películas que no fueron consideradas ya que no pude verlas, pero que casi seguro formarían parte de lo mejor. Ellas son: Hors Satan; Once upon a time in Anatolia; This is not a film, Shame; Wuthering Heights; Le Havre; Verano de Goliat; Miss Bala; Nader y Simin, A Separation; Faust; A dangerous method; Into the abyss; Take shelter, The Descendants y The artist.

TOP 10 Mejores Comedias que vi en el año

1.   30 minutes or less, de Ruben Fleischer
2.   Crazy, stupid, love, de Glenn Ficarra y John Requa
3.    Sympathy for Delicious, de Mark Ruffalo
4.   Bridesmaid, de Paul Feig
5.   Terri, de Azazel Jacobs
6.    Cold weather, de Aaron Katz
7.   It´s a kind of funny story, de Ryan Fleck y Anna Boden
8.   Cedar rapids, de Miguel Arteta
9.   Win win, de Thomas McCarthy
10. Barney´s version, de Richard J. Lewis

Mención especial a Bad teacher, de Jake Kasdan y Take me home tonight, de Michael Dowse.

TOP 10 de Peores películas que vi en el año (¡o que más destesté!). Ni importan los directores.

1.    Love and other drugs
2. Everything must go
3.    Horrible bosses
4.    The change-up
5.    Just go with it
6.    Dilema
7.    Salvation Boulevard
8.    Friends with Benefits
9.    Beginners
10. The Help

Mención especial (con cariño) a The tree of life, de Terrence Malick (perdón maestro, pero es así).

TOP 10 de Mejores películas nacionales del año

1.   Las acacias, de Pablo Giogelli
2.   Cerro Bayo, de Victoria Galardi
3.   Hachazos, de Andrés Di Tella
4.   El campo, de Hernán Belón
5.   La peli de Batato, de Peter Pank y Goyo Anchou
6.   Amateur, de Néstor Frenkel
7.   El Polonio, de Daiana Rosenfeld y Anibal Corcho Garisto
8.   Hoy no tuve miedo, de Iván Fund
9.   Aballay, el hombre sin miedo, de Fernando Spiner
10. Un cuento chino, de Sebastián Borensztein
11. Juan y Eva, de Paula de Luque
12. Antes del estreno, de Santiago Giralt
13. El gato desaparece, de Carlos Sorín
14. La palabra empeñada, de Juan Pablo Ruiz y Martín Masetti
15. Invernadero, de Gonzalo Castro

Gran Momento cinematográfico del año: la Masterclass de los hermanos Dardenne. Lujazo!

Otra lectura de “El estudiante” de Santiago Mitre

2011-12-11T11:08:00.001-08:00

A poco de terminar el 2011 comienzan a aparecer las listas de mejores películas del año. Es de esperar que en casi ninguna lista de los mejores films nacionales falte “El estudiante” de Santiago Mitre. La película debutó en el BAFICI llevándose el Premio Especial del Jurado, y más tarde repitió el mismo premio en Locarno. En mi lista de películas nacionales del año también figura “El estudiante”, pero no como “la mejor” sino como “la más interesante desde la perspectiva política”. Aunque la crítica en general la haya colmado de elogios yo encuentro cuestiones ambiguas muy ricas para analizar. No encontré ningún texto crítico en el que se profundizara en este tipo de cuestiones: lo que primó fue un consenso generalizado acerca de su rigurosidad formal, su preciso guión y sus buenas actuaciones.

”El estudiante” es un film ingenioso, cerebral, intrigante, lleno de juegos dialécticos, cuyo tema es la traición. La película le sigue los pasos a Roque (Esteban Lamothe), un joven que llega desde su pueblo rural hasta la capital a estudiar Sociología en la Universidad de Buenos Aires. El recién llegado se muestra inocente y algo torpe en su forma de integrarse a un nuevo medio que se describe como politizado, competitivo y caótico. A través de sus conquistas amorosas va accediendo a círculos ligados a agrupaciones militantes que le abren los ojos respecto de la intrincada trama de relaciones dentro de la universidad.

Roque se revela como un hábil traficante de influencias, con un carisma especial para convencer a los estudiantes. Comienza una relación con Paula (Romina Paula), una de las líderes de un movimiento de izquierda estudiantil y, a través de ella, conoce a Alberto Acevedo (Ricardo Félix), un profesor universitario que no duda en manipular a los estudiantes para conseguir el cargo que le interesa: el rectorado.

De la ingenuidad a la picardía; de la lealtad a la traición: Roque aprende más de la vida en sus andanzas en los pasillos y los plenarios políticos, que en las aulas. El film llega a su climax (uno de los momentos más logrados) cuando, en una reunión política clave en la trama uno de los estudiantes evoca un famoso discurso que produjo un punto de inflexión en la historia política argentina: el del Día del Trabajador de 1974, cuando el General Perón echó a la agrupación Montoneros (grupo armado alineado a la izquierda peronista en los años 70s) de la Plaza de Mayo. Creo que se trata de un film que requiere de una lectura fina por parte del espectador para comprender la ambigua posición que toma respecto de su tema, a pesar de un final complaciente y previsible.

Es importante comenzar por precisar cuál es el punto de vista político de esta película. Ese punto de vista se sitúa en la vereda de enfrente de las agrupaciones de izquierda que sirven de marco a la historia: el punto de vista es el de la derecha. La crítica a esa izquierda caricaturesca atomizada en fracciones, viene claramente de un pensamiento de derecha y no desde el seno de la izquierda. Esto, a mi criterio, responde varias de las hipótesis que me plantee mientras la veía. Una de ellas fue que el protagonista, que termina convertido en “pichón” de líder político, no tiene ideología: no entiende por qué lucha. Sólo sabe que tiene carisma y un speech “combativo” que le confiere un gran poder de persuasión y un gran poder de seducción en la platea femenina.

La izquierda de “El estudiante” está reducida a un símbolo: jóvenes progres y pelilargos que vociferan consignas vacías frente a los pizarrones de las aulas. Visto a través del cristal de la derecha, la izquierda es un gesto patético cargado de mezquindad y un rancio anacronismo, sin olvidar el machismo y el verticalismo. Creo que esta lectura de la izquierda no es del todo errada, pero sí malintencionada. En todo análisis de un film la cuestión ideológica es una cuestión central que tiñe todos los demás aspectos. En este sentido me parece que un film que comparte la mirada política de “El estudiante” es “Secuestro y muerte” de Rafael Fillipelli.

Otra de mis hipótesis es que Santiago Mitre no se atrevió a hacer una película sobre la izquierda argentina. Suena menos arriesgado restringirla al ambiente universitario que situar la historia en el contexto nacional. Y otra, y la más importante a mi juicio, es la siguiente: Mitre construye una historia de ficción cargada de referencias políticas, pero en el universo ficcional que construye se “olvida” de tres hechos centrales en la vida política argentina: La noche de los bastones largos, la Masacre de Trelew y la Noche de los Lápices. En el mundo político de esta película es como si esos tremendos eventos que afectaron a los intelectuales más críticos dentro de la universidad, a la izquierda revolucionaria (en su gran intento de unión) y a los estudiantes organizados, no hubieran sucedido. Ni hablar de los 30.000 desaparecidos, entre ellos miles de estudiantes. Con esto no digo que Mitre se haya “olvidado”: todo silencio u omisión tiene una raíz política.

Además de la escena en la que se evoca el famoso discurso de Perón (¿un tabú del peronismo? creo que sí), mi preferida es la del encuentro de Roque con su padre. En ese diálogo en una confitería, junto a Acevedo y a Paula, los jóvenes preguntan por la militancia del padre en los años 70s y él termina cantando burlonamente la marcha peronista, y confesando que la cantó sólo una vez. En esa escena Mitre retrata a una clase media que en su momento coqueteó con la izquierda revolucionaria (esta es mi lectura) de la misma manera superficial y falta de compromiso ideológico con que lo hace Roque hoy.

Es interesante rastrear en los films argentinos estrenados este año el valor que se le da a la política y a la historia reciente en cada uno de ellos. En “Los labios” de Santiago Loza e Iván Fund, la política tiene esencialmente un valor negativo. Aunque “alguien” tiene que haber enviado a esas tres asistentes sociales a ese pueblito, no hay momento de redención de la política como fuerza de cambio y proyecto colectivo en ese film. En “Abrir puertas y ventanas” de Milagros Mumenthaler, los padres de las tres hermanas son desparecidos en el sentido de que lo único que hay de ellos es un garage lleno de cosas de las que nadie se encarga. Ni siquiera tienen nombre, son pura ausencia. ¿Cómo murieron o qué pasó con ellos? ¿Cómo se llamaban? ¿Eran profesores universitarios, como lo era la abuela de las chicas, la mujer que las crió? ¿Son desaparecidos? En el país de los desaparecidos el film alimenta la construcción de ese significado, pero no se ocupa de hacerlo frontalmente o no se atreve. Otra vez el silencio.

Por todo esto es que pienso que “El estudiante” está entre los films más estimulantes del año, si se deja de lado la lectura complaciente y la superficialidad tranquilizadora de las miradas que de críticas no tienen nada.

Cynthia Sabat

26º Mar del Plata Film Fest - Mi lista personal

2011-11-01T08:44:00.000-07:00

Llega una nueva edición del querido Festival de Mar del Plata y las expectativas son muy altas. Gracias a la buena experiencia de años anteriores, sabemos que las elecciones de los programadores llegarán a colmar nuestros deseos. Además de alentarlo, de hacerle el aguante, a Mardel lo queremos porque es nuestra mejor escuela de cine.

Lo que verán a continuación es una caprichosísima selección de los films (¡41!) que más ganas tengo de ver. Como siempre antes de cada festival, uno se siente ignorante, porque hay títulos y directores sobre los que uno no tiene referencias. Traté de elegir las películas de las que sí tengo referencias, y las que no quiero perderme. Descarté algunas secciones completas por demasiado obvias: la retrospectiva de Raymundo Gleyzer (a la que estaré acompañando especialmente e, incluso, moderaré una mesa sobre ella) y la de Rodolfo Khun me parecen imprescindibles.

Sé que la lista es incompleta y no incluye, por ejemplo, el cortometraje, formato que valoro muy especialmente. En próximos posts iré agregando info y destacados. Otro año más que seremos felices en La Feliz, no tengo dudas. Entre las más esperadas de mi corazón: This is not a film, Hors Satan, Melancholia, Las acacias, The Future. Abrazos cinéfilos!!!!

NOTA: Al lado de cada film figura la abreviatura de la secciòn a la que pertenece.

1.¡Vivan las antípodas! (Alemania / Argentina 110 2011) Victor Kossakovsky (CI)
2.Abrir puertas y ventanas (Argentina /Suiza 98 2011) Milagros Mumenthaler(CI)
3.El año del tigre (Chile 82 2011) Sebastián Lelio (CI)
4.This Is Not a Film (Irán 75 2011) Mojtaba Mirtahmasb y Jafar Panahi (CI)
5.El premio (México / Francia 115 2011) Paula Markovitch (CI)
6.Tyrannosaur (Reino Unido 91 2010) Paddy Considine (CI)
7.Tatsumi (Singapur 96 2011) Eric Khoo CI)
8.El campo (Argentina / Italia 85 2010) Hernán Belón (CL)
9.Todos tus muertos (Colombia 90 2011) Carlos Moreno (CL)
10.El velador (México / EE.UU. 72 2011) Natalia Almada (CL)
11.Diablo (Argentina 85 2011) Nicanor Loreti (CA)
12.Nosotras sin mamá (Argentina 70 2011) María Eugenia Sueiro (CA)
13.Verdades verdaderas. La vida de Estela (Argentina 97 2011) Nicolás Gil Lavedra (CA)
14.Arirang (Corea del Sur 100 2011) Ki-duk Kim (Autores)
15.Crazy Horse (Francia / EE.UU. 134 2011) Frederick Wiseman (Autores)
16.La Folie Almayer (Francia / Bélgica 127 2011) Chantal Akerman (Autores)
17.Guilty of Romance (Japón 113 2011) Sion Sono (Autores)
18.Himizu (Japón 129 2011) Sion Sono (Autores)
19.Hanezu (Japón 91 2011) Naomi Kawase (Autores)
20.Hors Satan (Francia 109 2011) Bruno Dumont (Autores)
21.Life Without Principle (Hong Kong 107 2011) Johnnie To (Autores)
22.Melancholia (Dinamarca 130 2011) Lars Von Trier   (Autores)
23.Once Upon a Time in Anatolia (Turquía / Bosnia 150 2011) Nuri Bilge Ceylan (Autores)
24.Las razones del corazón (México / España 125 2011) Arturo Ripstein
25.Las Acacias (Argentina / España 85 2011) Pablo Giorgelli (NE)

26.La vida de los peces (Chile 84 2010) Matías Bize (NE)
27.Art History (Estados Unidos 74 2011) Joe Swanberg (BMD)
28.The Color Wheel (Estados Unidos 83 2011) Alex Ross Perry
29.Dragonslayer (Estados Unidos 74 2011) Tristan Patterson
30.The Future (Alemania / EE.UU. 91 2011) Miranda July (BMD)

31.Slacker 2011 (Estados Unidos 105 2011) (BMD)
32.All Flowers in Time (Canadá / EE.UU. 13 2010) Jonathan Caouette (HC)
33.Juan of the Dead (España / Cuba 90 2011) Alejandro Brugués
34.Malditos sean! (Argentina 120 2011) Demian Rugna y Fabián Forte
35.Penumbra (Argentina / España 85 2011) Ramiro García Bogliano y Adrián García Bogliano
36.Plaga Zombie: Zona Mutante - Revolución tóxica (Argentina 90 2011) Hernán Sáez y Pablo Parés
37.¡Toma mi mano! Amor edulcorado y sangriento (Argentina 10 2011) Tetsuo Lumiere
38.La H Argentina 75 2011 Nicanor Loreti (BSO)
39.La nube Argentina 12 2011 Paulo Pécora (EA)
40.Color perro que huye España 70 2011 Andrés Duque (EA)
41.Acorazado México 97 2010 Álvaro Curiel de Icaza (PL)

Netflix, el videoclub del futuro

2011-07-02T14:37:00.000-07:00

Los nuevos tiempos plantean nuevas necesidades y los cinéfilos nos vemos ante la necesidad de acceder a una oferta variada de films (la oferta de las carteleras es tremendamente restringida en todas partes del mundo) de una forma simple, fácil y barata. Uno de los más felices descubrimientos durante mi estadía en los Estados Unidos fue Netflix, el servicio de alquiler de films y series de TV online que cumple con todas aquellas expectativas.

Como la feliz costumbre de los 80s y 90s de ir al videoclub a elegir películas ya es obsoleta, la web ofrece una manera instantánea de acceder a contenidos desde cualquier parte del mundo. Para ello Netflix es la solución. Al contratar Netflix online por 10 dólares por mes, se accede a una cantidad y variedad enorme de films y series de TV, para ver online o en la TV por cable tantas veces como se quiera. También se pueden alquilar DVDs cuyo contenido no está disponible para ver online, a razón de uno por vez. La operatoria es la siguiente: mediante un listado de films que el usuario arma online, Netflix va enviando a domicilio el DVD on top, junto a un sobre con la respuesta postal paga para que pueda devolverse sin costo. Una vez que se ve el DVD, se deposita en el buzón de correo más cercano, y listo. Cuando el DVD llega a las oficinas de Netflix, la empresa envía un email agradeciendo la devolución del mismo y avisando del despacho del próximo film.

El cielo del cinéfilo se llama Netflix. La variedad de películas a elegir es realmente grande: hay películas latinoamericanas, europeas, clásicos, cine indie, cine mudo, cortometrajes. La calidad de visualización es excelente aunque depende de la conexión a internet de la que se disponga.

¿Cuál es el único problema con Netflix? Que sólo funciona en el territorio de los Estados Unidos. Así es: aunque ahora nos desilusione creo que es cuestión de tiempo. Netflix o algún servicio similar tendrá que estar disponible en nuestro territorio, y así podremos acceder al maravilloso mundo del videoclub online que hoy parece una alternativa a futuro, pero que en otros lugares del mundo es una realidad cotidiana.

Aunque ya existen otros servicios interesantes, como el del www.mubi.com, Netflix ofrece una alternativa muy barata (10 dólares por mes por los que se ofrece contenido ilimitado) que a corto plazo debería ofrecerse en Argentina. Algunas de las películas que vi gracias a Netflix fueron La batalla de Argelia (Gillo Pontecorvo, 1966); White material (Claire Denis, 2010); Vida secas (Nelson Pereira Dos Santos, 1964); Get Low (Aaron Schneider, 2009); The center of the world (Wayne Wang, 2001); Inside job (Charles Ferguson, 2010), etc.

¡A ver películas online que se acaba el mundo!

www.netflix.com

Mis recomendadas para el BAFICI 13

2011-03-24T16:26:00.001-07:00

Cave of forgotten dreams de Werner Herzog, en 3D

Estimados amigos, llegó la hora de armar la grilla personal. Este es el primer BAFICI del que estaré ausente, ya que me encuentro de Nueva York, pero igual armé una lista de las recomendadas por pedido de algunos amigos.

Tengan en cuenta de que hay cientos de nombres de film de los que no tengo referencia, por lo tanto es posible que haya un par de obras maestras que se me habrán pasado por alto por ignoracia!! Lo que hice fue seleccionar los films que yo vería, o que ya he visto y me gustaron, o a los que les tengo mucha fe en vistas de la filmografía del director.

Enjoy it! Pásenla genial, disfruten del cine y traten de no stresarse!!! Aquí va:

1.Vaquero (Argentina, 2011, 87’), de Juan Minujín
2.Nader and Simin, a Separation (Irán, 2011, 117’), de Asghar Farhadi
3.At Ellen's Age / Im Alter von Ellen (Alemania, 2010, 95’), de Pia Marais
4.El estudiante (Argentina, 2011, 124’), de Santiago Mitre
5.Mercado de futuros (España, 2010, 113’), de Mercedes Álvarez (documental)
6.Las Marimbas del Infierno (Guatemala-Francia-México, 2010, 73’), de Julio Hernández Cordón
7.Le quattro volte (Italia, 2010, 88’), de Michelangelo Frammartino (documental)

Le quattro volte

8.Norberto apenas tarde (Uruguay-Argentina, 2010, 88’), de Daniel Hendler
9.La vida útil (Uruguay-España, 2010, 67’), de Federico Veiroj
10.Amateur, de Néstor Frenkel (76’), con Jorge Mario y Ofelia Graziano de Mario
11.En el futuro (62’), de Mauro Andrizzi, con Luis Machín y Sergio Boris
12.Hoy no tuve miedo (120’), de Iván Fund, con Araceli Castellano y Belén Werbach
13.Un mundo misterioso (Argentina-Alemania, 107’), de Rodrigo Moreno
14.Rosalinda (Argentina-Corea del Sur, 40’, de Matías Piñeiro
15.Medianeras (Argentina-Alemania-España, 90’), de Gustavo Taretto
16.Música campesina (Estados Unidos.Chile, 100’), de Alberto Fuguet
17.Verano de Goliat (México-Canadá, 76’), de Nicolás Pereda
18.Aurora (Rumania-Francia, 2010, 181’), de Cristi Puiu
19.La Belle endormie (Francia, 2010, 82’), de Catherine Breillat
20.Caterpillar (Japón, 2010, 85’), de Kôji Wakamatsu
21.Cave of Forgotten Dreams (Francia, 2010 , 90’), de Werner Herzog. EN 3D.
22.Copie conforme (Francia-Italia, 2010, 106’), de Abbas Kiarostami

Copie Conforme

23.Curling (Canadá, 2010, 92’), de Denis Côté
24.Dharma Guns (Francia-Portugal, 2010, 93’), de F.J. Ossang
25.Essential Killing (Polonia-Noruega-Irlanda-Hungría, 2010, 83’), de Jerzy Skolimowski.
26.Hahaha (Corea del Sur, 2010, 116’), de Hong Sang-soo
27.Oki's Movie (Corea del Sur, 2010, 80’), de Hong Sang-soo
28.Mammuth (Francia, 2010, 90’), de Benoît Delépine y Gustave Kervern
29.Meek's Cutoff (Estados Unidos, 2010, 104’), de Kelly Reichardt
30.Mistérios de Lisboa (Portugal, 2010, 266’), de Raúl Ruiz
31.La muerte de Pinochet (Chile, 2011, 70’), de Bettina Perut e Iván Osnovikoff
32.Nostalgia de la luz (Chile-Francia, 2010, 90’), de Patricio Guzmán
33.O somma luce (Francia , 2009, 17’), de Jean-Marie Straub
34.Poetry (Corea del Sur, 2010, 139’), de Lee Chang-dong
35.Rent Boys/Die Jungs vom Bahnhof Zoo (Alemania, 2011, 83’), de Rosa von Praunheim
36.Road to Nowhere (Estados Unidos, 2010, 121'), de Monte Hellman
37.Sleeping Sickness (Alemania-Francia-Holanda, 2011, 91’), de Ulrich Köhler
38.Tournée (Francia, 2010, 111’), de Mathieu Amalric
39.The Turin Horse (Hungría-Francia-Alemania, 2010, 146’), de Béla Tarr
40.Twenty Cigarettes (Estados Unidos, 2011, 99’), de James Benning
41.El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (Tío Boonme)/Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Reino Unido-Tailandia-Alemania-Francia-España, 2010, 114’), de Apichatpong Weerasethakul
42.Copacabana (Francia, 2010, 105’), de Marc Fitoussi
43.John's Gone (Estados Unidos, 2010, 22’), de Josh Safdie y Benny Safdie
44.Post Mortem (Chile-México-Alemania, 2010, 98), de Pablo Larraín
45.¿Qué sois ahora?, un documental sobre Pequeña Orquesta Reincidentes (Argentina, 2011 , 62’), de Mariano Goldgrob y Gustavo Galuppo
46.13 Assassins (Japón, 2010, 121’), de Takashi Miike
47. Cold Fish (Japón, 2010, 150’), de Sono Sion
48.La peli de Batato (Argentina, 2011, 150’), de Goyo Anchou y Peter Pank
49. Ausente (Argentina, 2011, 90’), de Marco Berger
50.Blue Valentine, una historia de amor (Estados Unidos, 2010, 120’), de Derek Cianfrance
51.In the Wake of the Flood (Canadá, 2010, 47’), de Ron Mann
52.Martin Blaszco III (Argentina, 2011, 80’), de Ignacio Masllorens
53.A Letter to Elia (Estados Unidos, 2010, 60’), de Kent Jones y Martin Scorsese
54.América América (Estados Unidos, 1963, 164’), de Elia Kazan
55.The Advocate for Fagdom (Francia, 2011, 92’), de Angélique Bosio
56.L.A. Zombie (Alemania-Estados Unidos-Francia , 2010, 62’), de Bruce LaBruce
57.Metrópolis (Alemania, 1927, 147’), de Fritz Lang
58. La batalla de Chile I: La insurrección de la burguesía (Chile, 1975, 100’), de Patricio Guzmán
59.La batalla de Chile II: El golpe de estado (Chile, 1975, 90’), de Patricio Guzmán
60.La batalla de Chile III: El poder popular (Chile, 1975, 82’), de Patricio Guzmán
61.La cruz del sur (España-Venezuela, 1992, 80’), de Patricio Guzmán
62.Patricio Guzmán, une histoire chilienne (Francia, 2001, 52’), de Catalina Villar

Verano de Goliat

63.Film Socialisme (Suiza, 2010, 101’), de Jean-Luc Godard
64.Videogramas de una revolución (Alemania, 1992, 106’), de Harun Farocki y Andrei Ujica
65. Los de Saladillo (Francia-Argentina, 2005, 90’), de Alberto Yaccelini
66.Notas de lo efímero (España, 24’), de Chus Domínguez
67.Crossing Paths With Luce Vigo-Cruzando caminos con Luce Vigo (España, 2010, 11’), de Jem Cohen
68.Opus Luminis et Hominis (Works of Light and Man)-Obras de la luz y del hombre (España, 2010, 13’), de Jem Cohen
69.La gallina degollada, de Paulo Pécora (corto)
70.Champaquí, de Paulo Pécora (corto)
71.Mi vida... Feliz Bicentenario, de Martín Mainoli (corto)
72.Zainichi, de Federico Pintos (corto)
73.Programa de cortos Taller de Cine El Mate

Nader and Simin, a Separation

Un balance del año cinematográfico 2010 en Argentina

2011-02-07T15:10:00.001-08:00

El chueco, feliz y contento

Luciano Taffetani, coordinador Ejecutivo de Ultracine, contestó amablemente este cuestionario de balance del año cinematográfico 2010 para este blog. Las cifras arrojan una baja de espectadores del cine nacional; un crecimiento del cine en 3D y varios asuntos pendientes de la industria argentina que se detallan en esta interesante entrevista.

¿Cuantos films nacionales y cuantos extranjeros se estrenaron durante el 2010?
Se estrenaron un total de 315 películas de las cuales 83 fueron de producción nacional, 7 latinoamericanos (sin incluir Argentina) 108 de origen norteamericano, 46 europeo, 17 de otros paises y más de cien películas coproducidas en pantalla. Ha sido un buen año en términos de espectadores y recaudación, más de 38 millones de espectadores y una recaudación total de 700 millones de pesos, equivalentes a 175 millones de dólares.

¿Cuáles fueron las cinco películas nacionales y extranjeras con la mejor performance?
Las cinco películas nacionales con mayor público fueron: Igualita a mí (835 mil espectadores), Carancho (615 mil), Gaturro (420 mil), Dos Hermanos (460 mil) y El Hombre de al Lado (136 mil), concentrando el 50% de la taquilla para esta categoría.
La películas extranjeras con mayor público fueron: Toy Story 3 (3, 2 millones de espectadores), Avatar (2,9 millones), Shreck para siempre (2,8 millones), Alicia en el País de las Maravillas (1,6 millones) y Harry Potter y las reliquias de la muerte Parte 1 (1,3 millones). El 28% de los espectadores totales del 2010 provino de estos títulos.
Como referencia puedo decirte que estas películas se exhibieron en entre 140 y 200 cines, y 400 a 600 pantallas, con una permanencia en cartelera de 8 a 14 semanas.

¿Cuantos espectadores hubo de cine nacional? ¿Bajó o subió el porcentaje para el cine nacional?
Hubo una baja considerable en espectadores de cine nacional. En 2009 con el fenómeno de El secreto de sus ojos habíamos llegado a conseguir un 16% del market share total, y en 2010 el porcentaje fue apenas del 5%. Además de no haber conseguido buenos resultados el mercado de cine inversamente creció un 16%.

¿Cuántas pantallas hay hoy en Argentina? ¿Cuántas había en 2009 y cuantas se sumaron en 2010?
Podemos hablar de un total de 270 cines y 820 pantallas. En la provincia de Buenos Aires hay 125 complejos con 465 pantallas que concentran el 65% de los espectadores totales. El número de salas es bastante similar al de 2009. Han cerrado algunos cines en 2010 pero afortunadamente se han inaugurado dos nuevos multicomplejos que generan nueva oferta para el público.

¿Puede decirse que las salas 3D llevaron una gran cantidad de público a las salas?
¿Cuáles fueron los films más vistos?
Efectivamente el 3D ha crecido mucho en audiencia, hablamos de que 7 millones de personas vieron películas en ese formato, un 16% del público total para el 2010 y lo más destacado, consiguiendo un 25% de la recaudación con 177 millones de pesos.
Los títulos más destacados fueron: Avatar con 1,4 millones de espectadores, Shreck con 1,3 m y Alicia en el país de las maravillas con 1,1 m. Estas películas lograron el 50% de la taquilla para ese formato.

¿Cuál es, a su criterio, el punto débil de la cadena cinematográfica? ¿Producción, distribución ó exhibición?
A mi criterio es la producción nacional. Creo que es el punto a reforzar. Actualmente se financian por el INCAA una cantidad enorme de proyectos de los cuales muchos quedan directamente sin estrenarse en la pantalla grande o pasan inadvertidos. De los 83 estrenos nacionales, hay 70 que no llegan a los 10.000 espectadores. Hay que analizar estos resultados y entender por qué la gente no ve ese cine que se subsidia y produce. Hay directores que esconden su obra una vez terminada, eso no debería ser así pero es.

¿Cuales son los temas pendientes en la industria cinematográfica que deberían solucionarse en 2011?
Hay muchos temas en los que trabajar en torno a la exhibición -y aquí creo que el INCAA deberá cumplir un rol fundamental-, porque es necesario invertir en la digitalización e informatización de salas. Películas en formato tradicional (35mm) en breve dejarán de llegar al circuito y habrá que estar preparado para el nuevo escenario. Concretamente, habría que apoyar a los cines independientes a financiar con créditos o subsidios esta modernización que les permita competir con los stándares de calidad de exhibición que proponen las cadenas y no perder el material de estreno que ofrece la industria al público.
En otro orden de cosas, creo que hay que trabajar fuertemente en la comunicación e integración de la industria. Habrá que trabajar en acciones conjuntas para llevar más gente a los cines, mejorar la programación de los estrenos y promoción del cine nacional.

¿Cómo enfrentan los exhibidores y distribuidores la creciente costumbre de bajar películas? ¿Aplicaron estrategias concretas?
Hasta el momento no hay ni estrategias ni acciones coordinadas entre exhibidores y distribuidores en torno a la descarga ilegal. De todas maneras, creo que el daño más grande para el cine en Argentina no está ocasionado por la descarga web individual sino por el copiado clandestino de millones de discos que se venden en la calle. Distinta es la realidad de España, que tiene un altísimo índice de descargas individuales.

¿Qué distribuidora major tuvo mejor performance en 2010?
Fue Disney, con un 25% de los espectadores y un 26% de la recaudación. Cabe aclarar que la compañia también distribuye cine nacional. Tuvo Toy Story 3, la película más taquillera del año y las dos nacionales de mayor público, Igualita a mí y Carancho.

Más cifras de cine en Argentina en www.ultracine.com.ar

Un diccionario de Films Argentinos III

2011-01-15T15:59:00.000-08:00

Cuando faltaba muy poco para que terminara el 2010, apareció Un diccionario de Films Argentinos III (2003-2009), tercer volumen a cargo de Raúl Manrupe y María Alejandra Portela, que tiene como objetivo clasificar y catalogar la producción cinematográfica de los últimos siete años.

La edición de este diccionario por la editorial Corregidor es un hecho que hay que celebrar por varios motivos. Primero, por la pobre producción de libros sobre cine que hay en nuestro país, y que generalmente queda como responsabilidad de nuestros dos grandes festivales internacionales (Bafici y Mar del Plata), eventos en los que suele recaer esta tarea. Segundo, por la importancia de concretar un trabajo de investigación de años, riguroso y constante, de Manrupe y Portela, para cumplir con el fin de llegar finalmente a sus destinatarios. Y tercero, por la importancia de relevar, ordenar, y sistematizar la producción cinematográfica de un período para poder así analizar sus características.

Este diccionario incluye varios textos de análisis que son interesantes para dialogar, coincidir o discernir. Un prólogo escrito por Abel Posadas destaca los aportes de este volumen, mientras intenta un breve análisis del campo cinematográfico argentino en la actualidad. Los problemas que Posadas remarca apuntan a la crítica, a la poca aceptación del público, y a un cine argentino hermético y distante, incapaz de transmitir ideas claras que peca de formalista. Posadas destaca la creciente producción de documentales, la llamativa poca cantidad de buenas comedias, y la proliferación del cine gore o de horror, un cine independiente en expansión. Es muy discutible el despreciativo y malintencionado juicio de Posadas sobre el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. No parece ser fruto del desconocimiento, sino de un prejuicio poco interrogado y nada cotejado con la realidad.

En el prólogo de los autores, Manrupe y Portela exponen la que quizás sea la dificultad más evidente de la tarea emprendida: gracias a la democratización que trajo el video, la producción creció exponencialmente, y se hizo prácticamente inabarcable. Los films que se realizan en el interior del país (muchas veces con gran repercusión en sus comunidades pero sin llegada a Buenos Aires); las producciones hiperindependientes que logran un par de exhibiciones en centros culturales; el cine hecho por vecinos, el cine de colectivos obreros, el cine hecho para la televisión: la producción 2003-2009 es un rico y caótico conjunto de obras que no responden a un solo criterio. Si los autores hubieran restringido la selección a los estrenos comerciales en Buenos Aires o a obras terminadas en fílmico, por ejemplo, una gran parte de esa producción hubiera quedado marginada de este diccionario.

El texto llamado Foco histórico apunta a relevar la compleja y cambiante situación del cine hoy. ¿Qué es el cine? ¿Qué puede considerarse “ver cine”? ¿Una película bajada gracias al Emule? ¿Una película vista en el IPod? ¿O vista online en Youtube? Los autores destacan, además, la inferioridad de condiciones en las que se encuentran el cine documental y el de animación (mucho más el segundo que el primero) con respecto a la ficción, en lo que se refiere a los fondos de financiación, ventanas de distribución y la llegada al público.

Un diccionario de Films Argentinos III (2003-2009) es una valiosa herramienta de consulta para realizadores, estudiantes del cine, programadores, periodistas especializados y cinéfilos en general. Por cada entrada (y dependiendo del material disponible de cada film) puede encontrarse una cantidad de información que es imposible encontrar en la web. Tomemos el ejemplo de Cordero de Dios de Lucía Cedrón. La entrada cuenta con la duración, la salas de exhibición, una completa ficha técnica, un storyline, el tagline, y cinco extractos de críticas publicadas en su estreno. El material se completa con el poster del film.

El libro cuenta con un índice onomástico, y un índice de la filmografía general 1930-2009, que indica en qué volumen (1, 2 o 3) de la serie de diccionarios puede encontrarse esa película. Pero además, cuenta con un índice de clasificación temática (poco habitual en este tipo de ediciones), con categorías como "accidentes aéreos", "ballet", "detenidos-desaparecidos", o "mudanzas". En total se relevaron unos 1.200 films, cuya información disponible varía significativamente según el material que acompañó el estreno de cada película.

Un libro será siempre un objeto preciado, querido, único. Por más que existan sitios webs muy útiles como IMDB.com o Cinenacional.com, el conocimiento que puede sistematizar un libro tiene una importancia insustituible. Siempre a mano, siempre igual a sí mismo, un libro permite anotaciones, asociaciones, relecturas, marcaciones personales. Con el pasar de los años, será más y más importante que Un diccionario de Films Argentinos III (2003-2009) exista.

C.S.

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Un diccionario de Films Argentinos III (2003-2009)
de Raúl Manrupe y María Alejandra Portela
Editorial Corregidor, Buenos Aires, noviembre 2010. 555 páginas.
www.corregidor.com.ar/

Nazareno Cruz y yo

2011-01-09T17:00:00.000-08:00

x Cynthia Sabat

Vi Nazareno Cruz y el lobo de Leonardo Favio (1975) demasiado pronto. Fue cuando tenía cuatro años. Mi madre me llevó al cine Helios de Ciudad Jardín, en la provincia de Buenos Aires, un cine que quedaba cerca de la casa de mis abuelos. Ese día seguramente nació mi cinefilia, aunque yo no tenía la menor idea acerca de esa enfermedad, de esa desviación. Yo debí estar concentrada en lo importante: los caramelos pegoteados de mi bolsillo, y mi nueva muñeca articulada.

Recuerdo el cine Helios como un amplio, imponente, arrogante cine de barrio. Recuerdo su desmesurada escala, sus alfombras, sus pesadas puertas de vidrio y los anchos pasillos de la sala. Y puedo imaginarme entrando, mirando todo con ojos ingenuos y asombrados, de la mano de mi madre. Le pregunté hace poco por qué me llevó a ver esa película, y me contestó que seguramente no tenía con quien dejarme.

Nazareno Cruz y el lobo es un film lisérgico, sensual, desmesurado, fantástico. Cuando trato de recuperar la sensación de verlo a mis cuatro años recuerdo colores. Colores intensísimos, sin forma. El naranja, el rojo, el amarillo. Colores de ensueño. Después el blanco (el blanco del vestido de la rubia protagonista), y el azul violáceo de un humo espeso, espectral, o de la noche (la noche del lobizón).

Los chicos tenían los ojos pintados. Causaron una fuerte impresión en mí esos chicos que tenían los ojos pintados. Hace poco leí una entrevista de Lucrecia Martel a Favio, y me llamó la atención de que su primera pregunta fuera por qué los chicos tenían los ojos pintados en Nazareno Cruz y el lobo. Sentí que compartimos una misma huella generacional.

La trama no tenía importancia para mí. Lo importante eran las sensaciones, los climas, lo extraño, lo bizarro que captaba de forma intuitiva. ¿Qué hacía una niña viendo una película de Favio a los cuatro años? ¿Qué marca insospechada dejaría en ella? El resultado del experimento totalmente inconsciente de mi madre, tiene nombre y apellido. El instante en el que vi Nazareno Cruz y el lobo puede considerarse el grado cero de mi cinefilia, de mi intensa historia de amor con el cine.

Pocos días después mi madre compró el single de Soleado, el tema de la película, y lo escuchamos una y mil veces, en el Winco. Así, el efecto de sueño duró mucho más. Años duró, hasta hoy. Escuchar o tan solo recordar el tema es hundirme una y otra vez en un estado de gracia, en un Nazareno eterno, en su inagotable misterio, su seducción, su olor, su llamado, su cuerpo (terrenal, celestial e infernal a la vez): el cuerpo dorado del cine.

Un bichito colorado mató a su mujer
Con un cuchillito de punta alfiler
Le sacó las tripas y se puso a vender
¡A veinte, a veinte
Las tripas calientes de mi mujer!

Texto escrito para Grupo Kane, que integra el número especial "Cuentos de película", Diciembre 2010. Ver más en http://www.grupokane.com.ar/

Las mejores películas de 2010: Tops varios

2010-12-24T15:06:00.000-08:00

El irresistible encanto de hacer listas, otra vez, fue más fuerte. Aquí hay un listado caprichoso de todo lo lindo, bueno, bello, excitante y perturbador, que mis ojos han visto durante 2010:

MEJOR PELICULA EXTRANJERA
Hadewijch (Bruno Dumont)

MEJOR PELÍCULA ARGENTINA
Los labios (Iván Fund y Santiago Loza)

MEJOR PELICULA NO ESTRENADA
Enter the void (Gaspar Noé)
Faces (Tsai Ming-liang)
Morrer como um homem (Joao Pedro Rodrigues)

MEJOR CORTO ARGENTINO
Rosa (Mónica Lairana)

MEJOR CORTO EXTRANJERO
Groenlandia (Rafael Figueiredo, Brasil)

MEJOR CICLO EN LA LUGONES
Retrospectiva completa de Raya Martin

EVENTO DEL AÑO
Masterclass de Apichatpong Weerasetakul en el Malba

PERSONAJE DEL AÑO
José Martínez Suárez

FESTIVAL INDIE DEL AÑO
5º FESAALP (Festival de Artes Audiovisuales de La Plata)

MEJOR SORPRESA DE FESTIVALES
Winter Vacation (LI Hongqi)

DECEPCIÓN DEL AÑO
Somewhere (Sofia Coppola)
Machete (Robert Rodríguez)
Red Social (David Fincher)

Con Apichatpong Weerasethakul en el Malba, después de su maravillosa masterclass

PELICULAS EXTRANJERAS ESTRENADAS EN 2010 QUE QUEDARÁN EN MI MEMORIA:

El padre de mis hijos (Mía Hansen-Leve)
El rebelde mundo de Mía (Andrea Arnold)
Entre la fe y la pasión (Bruno Dumont)
Independencia (Raya Martin)
Kick Ass (Matthew Vaughn)
La cinta blanca (Michael Haneke)
La pivellina (Tizza Covi/Rainer Frimmel)
Las playas de Agnes (Agnes Varda)
Los senderos de la vida (Yong Kim)
Luz silenciosa (Carlos Reygadas)
Policía, adjetivo (Corneliu Porumboiu)
Rossetta (Jean Pierre y Luc Dardenne)
Santiago (Joäo Moreira Salles)
Un hombre serio (Joel y Ethan Coen)
Una pareja despareja (John Requa/Glenn Ficarra)
Vincere (Marco Bellocchio)
Vivir al límite (Kathryn Bigelow)
Wendy & Lucy (Kelly Reichardt)
Yuki y Nina (Nobuhiro Suwa/Hippolyte Girardot)
La isla siniestra (Martin Scorsese)
Un profeta (Jacques Audiard - directo a DVD)
The limits of control (Jim Jarmouch - directo a DVD)
Moon (Duncan Jones - directo a DVD)

PELICULAS NACIONALES ESTRENADAS EN 2010 QUE QUEDARÁN EN MI MEMORIA:

Aguas verdes (Mariano De Rosa)
El hombre de al lado (Mariano Cohn/Gastón Duprat)
Franzie (Alejandra Marino)
Gigante (Adrian Biniez)
La mirada invisible (Diego Lerman)
La Tigra, Chaco (Federico Godfrid/Juan Sasiaín)
Miss Tacuarembó (Martín Sastre)
Por tu culpa (Anahí Berneri)
Zenitram (Luis Barone)
Rosa Patria (Santiago Loza)

Películas que NO-PUEDO-ESPERAR para ver en 2011

- Meek´s Cutoff, (Kelly Reichardt)
- Promises written in water (Vincent Gallo)
- True Grit (Hermanos Coen)
- Restless (Gus Van Sant)
- Au fond des bois (Benoit Jacquot)
- White Material (Claire Denis)
- Verano de Goliat (Nicolás Pereda)
- L.A. Zombie (Bruce LaBruce)
- Womb (Benedek Fliegauf)
- Post Mortem (Pablo Larraín)
- Blue Valentine (Derek Cianfrance)
- Nostalgia de la luz (Patricio Guzmán)
- Balada triste de trompeta (Alex de la Iglesia)
- Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Apichatpong Weerasethakul)
- Revolución (Reygadas, Escalante, Eimbke, García Bernal y otros)
- Film Socialisme (Jean Luc-Godard)
- Carlos (Olivier Assayas)
-Genpin (Naomi Kawase)
- L´empire (Bruno Dumont)
- Caterpillar (Koji Wakamatsu)

La gran noche de 10 años 10 cortos - Una década de gran cine

2010-12-13T06:13:00.000-08:00

La tarde del 7 de diciembre fue toda una fiesta para los amantes del cortometraje. 10 años 10 cortos fue un evento que contó con la producción de la Revista Babia, La nave de los sueños y la Biblioteca Nacional, que se convirtió en uno de los eventos del año. El bello auditorio Jorge Luis Borges fue el ámbito ideal para esta muestra de lo que junto a Paulo Pécora elegimos como los mejores 10 cortos argentinos de la década. Gracias a Gabriel Patrono, que se entusiasmó enseguida con nuestra propuesta, pudimos disponer de ese espacio increíble de 220 butacas, con una excelente calidad de imagen y sonido.

Tras una breve presentación en la que comenté el origen de este ciclo, comenzó la proyección con una sala bastante llena. Cada uno de los asistentes se llevó una Revista Babia edición Fantasía. Fue una felicidad disfrutar de una proyección con una calidad de imagen y sonido ideal, como la que había soñado. A medida de que pasaban los cortos, la sala comenzó a llenarse.

De pronto notamos que había gente sentada en los pasillos. El público aplaudió con mucho entusiasmo cada uno de los cortos. Pero el hit de la tarde fue sin dudas No me ama, de Martín Piroyansky. La gente se rió mucho, y aplaudió a rabiar al final. Otra corto muy aplaudido fue el clásico adorable Viaje a Marte, de Juan Pablo Zaramella, que no pudo estar presente porque se encontraba de viaje en Hong Kong, pero mandó besos y suerte para la proyección.

Al finalizar los 10 cortos, invité a los realizadores presentes al escenario para una breve charla. Estaban en la sala Martín Piroyansky (No me ama); José Villafañe (Elvira en el río Loro); Guillermo Pfening (Caito); Igor Galuk (Túneles en el río); Lautaro Nuñez de Arco (Más quel mundo); y Gustavo Taretto (Hoy no estoy).

Fue interesante conversar con cada uno de ellos. En general estaban muy emocionados con la reacción del público, y halagaron la calidad de la selección. Cada uno comentó qué sintió al ver a su corto como parte de la serie. Lautaro Núnez de Arco halagó No me ama de Piroyansky, y José Villafañe comentó que lo había impactado especialmente Rosa de Mónica Lairana. Gustavo Taretto agradeció que hayamos elegido Hoy no estoy y no Medianeras, porque dice que ese corto lo persigue por todos lados.

El público siguió con mucho interés la charla, y se quedó hasta último momento escuchando a los realizadores. Todos comentaban cuáles de los cortos les había gustado más. Hubo muy buena energía del público, que agradeció la propuesta.

Para finalizar, los directores contaron sus nuevos proyectos: Piroyanski, Pfening y Taretto están en distintas etapas de trabajo en largos (Pfening justamente en rodaje del largo basado en Caito; Taretto casi por estrenar Medianeras, basado en su famoso corto). Otros trabajando en cortos, o programas de TV. Pero todos muy activos, cosa que agradecemos!!

Al final: foto de equipo. Gracias a todos los que hicieron posible esta bellísima tarde de cortos!!

Gracias Revista Babia (Aníbal Scotoni y Fernanda Romero), Biblioteca Nacional, Gabriel Patrono, José Ludovico, Luciana Abad de Hasta 30 minutos, Paulo Pécora y a todos los realizadores.

Fotos: Fernanda Romero de Babia.

www.babia.com.ar

10 años 10 cortos - Una década de gran cine

2010-11-29T09:55:00.001-08:00

Biblioteca Nacional
Babia revista
y La Nave de los Sueños
presentan

10 Años 10 Cortos
Una década de gran cine

7 de diciembre de 2010
Biblioteca Nacional
Agüero 2502, ciudad de Buenos Aires.
Entrada libre y gratuita.

Diez de los mejores cortometrajes argentinos de la última década, entre los que se cuentan obras de Lucía Cedrón, Gustavo Taretto, Pablo Agüero y Juan Pablo Zaramella, conforman el ciclo “10 Años 10 Cortos. Una década de gran cine”, que se realizará con entrada libre y gratuita el 7 de diciembre próximo, a las 18.30, en la Biblioteca Nacional.

Organizada por la revista Babia, con la colaboración de la Biblioteca Nacional y La Nave de los Sueños, esta muestra se propone acercar al público diez de las más interesantes expresiones de una producción de cortos que es cada vez más rica, diversa y abundante en el país.

Si bien la elección de estos trabajos se funda en gran parte en una dosis de capricho y subjetividad, todas ellas poseen una calidad artística y una marca autoral que los hace únicos en su especie, y que además les permitió recorrer y ganar varios premios en numerosos festivales del país y del mundo.

La selección de los cortometrajes fue realizada por los periodistas Cynthia Sabat y Paulo Pécora, y es la siguiente:

En ausencia, de Lucía Cedrón (2002, 15 min)
Protagonizada por Ana Celentano y Pablo Cedrón, relata la historia de una mujer que recuerda el secuestro de su marido desde el exilio, mientras se hace un test de embarazado. Delicado, económico, emocionante. Ganador del Oso de Plata en el Festival de Berlín.

Más quel mundo, de Lautaro Núñez de Arco (2003, 12 min)
Un joven peón de campo tiene un perro fiel que se llama Betún, y que sale en su defensa cuando un hombre amenaza con acuchillarlo. Poesía de alta sensibilidad campera con espíritu faviano.

Caito, de Guillermo Pfenning (2004, 12 min)
Su forma esquiva no permite encasillarlo en un género. Guillermo y su hermano Caito, que tiene una enfermedad degenerativa, deciden cumplir un sueño: volver a hamacarse en la plaza. Emotivo, intenso.

Viaje a Marte, de Juan Pablo Zaramella (2004, 16 min)
Animación cuadro a cuadro de uno de los talentos de este estilo. Una historia entre un abuelo y un nieto, sobre el sueño de viajar a otros mundos. El modelado en plastilina y el doblaje de voces más encantador de la historia.

Primera nieve, de Pablo Agüero (2006, 15 min)
Una madre y su hijo sobreviven a una tremenda tormenta en una cabaña del sur argentino. Relato de tono alegórico, con un finísimo tratamiento pictórico de las imágenes. Ganador del Gran Prix del Festival de Cannes 2006.

Hoy no estoy, de Gustavo Taretto (2007, 7 min)
Inés Efrón y Martín Piroyansky forman una de las parejas más adorables de la década, en esta pequeña película muda, juguetona, inspirada en el espíritu de Tati, sobre dos raros que se encuentran.

Túneles en el río, de Igor Galuk (2009, 20 min.)
Un padre lleva a sus dos hijos a pescar al río. Durante una tarde, y gracias a detalles sutiles, podemos entrever la compleja relación que los une. Hacia el atardecer, la tragedia lo tiñe todo. Un corto con un bello tratamiento cinematográfico de imagen y sonido.

No me ama, de Martín Piroyansky (2009, 16 min)
Debut cinematográfico de Piroyansky en el que demuestra una gran sensibilidad para describir el estado mental de un chico inseguro con un gran monólogo interno. Fresco y divertido.

Elvira en el río Loro, de José Villafañe (2009, 9 minutos)
Una voz en off construye un relato sobre un ausente, desaparecido en plena dictadura militar. A través de retazos de memoria (found footage), esta pequeña e incómoda gema del cine experimental se sumerge en un terreno árido y misterioso.

Rosa, de Mónica Lairana (2010, 11 min)
Una mujer (Norma Argentina) intenta mantenerse conectada con la vida, con los otros, mientras vive en completa soledad. Un cumpleaños, y la presencia de un hombre son destellos que se apagan pronto. Compitió por la Palma de Oro en Cannes 2010.

Producción: Biblioteca Nacional, Babia revista, La nave de los sueños, Cynthia Sabat y Paulo Pécora.

Contactos: info@babia.com.ar
Más información sobre esta muestra en www.babia.com.ar

Mar del Plata Film Fest 2010: Apuntes sobre cine

2010-11-28T07:05:00.000-08:00

Guest de José Luis Guerín no es sólo una película bella, sino además es una película justa. Gracias Daney. 9/10

Antes del estreno es una película fresca, luminosa, intensa. Buen guión, buenas actuaciones, interesante diseño visual. Es divertida y conmovedora. Gran trabajo de Erica Rivas. Bien Santiago!!! 8/10

Vi los cortos nuevos de Hal Hartley presentados por él en una sala semi vacía. Me gustó uno, Adventure, sobre su relación con su esposa que es japonesa, realizado en un viaje a Japón. Bello, íntimo, simple e intenso. Nada que ver a su estilo en los largos. 8/10

Essential Killing es un gran film nacido de la restricción: un gran actor sin ningún diálogo, pasando por las situaciones más límites que lo convierten casi un animal en su carrera por sobrevivir. Gran gran VG. Bella imagen. Un film extremo y potente. 9/10

Bedevilled es...ahhhhhh!!! Me tuvo atada a la butaca pidiendo, rogando, que mataran con una guadaña a un grupo de viejas...construye una tensión insoportable alrededor de una mujer abusada a la que le matan a su hijita. 8/10 TREMENDA!!!

Las películas del colectivo-estrella Los hijos son un tema. Hoy vi 2 cortos y 2 largos y los escuché hablar y la verdad es que mi impresión es: ESTO YA SE HIZO, Y MEJOR. Gracias a dios los pioneros del cine, los que lo inventaron, fueron gente realmente brillante. En serio. 5/10

I wish I knew es un documental de Jia zhang-ke sobre cómo la Revolución Cultural china afectó las vidas de la gente común. Sutil, con un exquisito trabajo de la imagen, con momento memorables. Su documental Useless de 2007 ya había demostrado su gran estilo en este género. Igual hubo gente que se aburrió mucho! 9/10

Poetry es una intensa y sutil película del maestro del dolor, Lee chang-dong. En sus extensos 2 horas y 20 construye poco a poco un clima que estalla hacia el final. Gran actuación de su actriz protagonista. Dentro de lo mejor que vi hasta ahora. 9/10

Agua y sal es un drama dirigido por Alejo Taube. Lo que se le puede reprochar es cierto acartonamiento, cierta pretenciosidad en desmedro de algunas ideas formales más osadas que hubieran estado muy en sintonía con el tema elegido. Correcta, buenas actuaciones. 7/10

Octubre es un oscuro drama peruano sobre un prestamista mezquino que encuentra una beba que parece ser la hija que tuvo con una prostituta. Una mujer del barrio es la encargada de cuidar a la niña. Ella intentará formar con él una familia. Ganadora del premio del jurado en Un certain regard. Me gustó. 8/10

Tiny Furniture es una comedia indie americana sobre una chica adolescente y su problemática manera de relacionarse con el entorno, incluidas su madre y su hermana. Linda comedia dramática, con algunos gags interesantes, nada más. 7/10

Ivory tower es una comedia canadiense indie delirante sobre dos hermanos que son campeones ajedrecistas y que tienen estilos opuestos. Me encantó encontrarme con la sorpresa de que actúa Peaches!! Linda banda de sonido. Para pasarla bien. 7/10

Winter Vacation!! adorable comedia ultraminimalista china, que retrata la abulia de un grupo de preadolescentes durante sus vacaciones de invierno. Trabaja el distanciamiento y el extrañamiento. Brillante, imperdible, joya nunca taxi. 9/10.

Año bisiesto es una película precisa, intensa, cruda. Unas 10 personas huyeron de la sala. Tiene escenas de sexo violento muy potentes, filmadas con gran crudeza. Una opera prima brillante, difícil de asimilar para muchos. Gran actuación de la protagonista. Para amarla u odiarla. 9/10

Revolución, el cruce de los Andes!! Sí! Rodrigo de la Serna hizo un gran trabajo encarnando a San Martín. Se trata de una producción impactante, minuciosa. Las escenas de batalla cuerpo a cuerpo son impresionantes. El saldo es muy positivo. 8/10

Hahaha de Hong sang-soo tiene momentos adorables y momentos donde pierde el ritmo. Geniales actuaciones. No soy fan del Rohmer asiático pero me gustó, aunque creo que le sobra media hora. 8/10

La rumana en competencia Tuesday, after Christmas es sutil y densa. Se destaca la actuación del protagonista. Aparenta ser un film muy simple pero es muy preciso y minucioso en sus diálogos y en sus personajes. Me gustó mucho. 8/10

Fase 7: es impecable técnicamente pero decae la tensión por momentos, y las actuaciones son desparejas (se destaca Yayo). Aciertos parciales 6/10

L`Ilusioniste es bella, es melancólica, tiene un trabajo de animación alucinante. A mí no me conmovió tanto, pero gente que estaba conmigo lloró desconsoladamente. 8/10

Soñar, soñar de Favio.... categoría Obra Maestra. Increíble, emocionante, absurda, melancólica, desesperada, desbordada, puro amor al cine. Gran cine rebelde. 9/10

Tournée...me decepcionó.Muy confusa formalmente. Visualmente bellísima, pero los personajes siempre desbordados terminan cansando 7/10

Somewhere de Sofia Coppola...qué decepción. Gran decepción. La más floja y repetitiva de sus películas. Buenas actuaciones y banda de sonido, pero mmm no es lo que nos vendieron que era, face it! 6/10

¿Para qué sirven los festivales de cine?

2010-11-25T15:18:00.000-08:00

Festivales de cine: una reflexión posible
X Cynthia Sabat

Casi sin darnos cuenta, aquí estamos: formamos parte de esa extraña experiencia llamada Tercer Milenio donde las viejas y queridas grandes preguntas conservan su fuerza, y sus respuestas -siempre provisorias- van toman una complejidad inimaginable. Desde el nacimiento del cine (un 28 de diciembre de 1895, en el Café des Capuchines de París, con la proyección de La salida de los obreros de la fábrica Lumière), la pregunta acerca de qué es el cine, lejos de agotarse, suscitó todo tipo de estudios, discusiones, polémicas y replanteos de la mano de teóricos que cimentaron su historia como Sergei Eisenstein, André Bazin y Jean Luc-Godard, entre muchos otros.

Esa pregunta fundamental vuelve a actualizarse a la luz de los profundos cambios que se produjeron (y se siguen produciendo a una velocidad difícil de asimilar) en nuestra manera cada vez más caótica y cotidiana de relacionarnos con las imágenes. ¿Una película completa subida a Youtube y vista en el monitor de nuestra notebook es cine? ¿Un cortometraje subido a un Iphone es cine? ¿Una película bajada de un sitio de descargas, convertida en un archivo avi, es cine?

Los festivales son una parte importante de la institución cinematográfica que ensayan respuestas a aquella pregunta. Nos invitan a pensar qué es el cine hoy, y cual es el estado del cine: cuáles son sus modos de producción, sus temáticas, sus estéticas y también sus problemas, sus dilemas. A través de sus comités de selección, y de acuerdo a su filosofía e intereses, eligen los films que conforman su catálogo. A partir de esa elección se produce una división entre incluidos y excluidos que conforma en sí mismo un discurso (implícito) acerca de qué es el cine para ese festival. Por lo tanto, un festival no es un evento que se limita a reunir de un modo arbitrario todo el cine filmado en el último año. Es un recorte más o menos caprichoso, más o menos atractivo y coherente con los principios que sustentan su existencia. Según el prestigio que haya ganado a través de su historia, el festival legitimará las películas elegidas (y sus directores) ante la industria, ante el público y ante la crítica.

Además, un festival de cine es un territorio de conflicto. Una de sus tareas es (o debería ser) crear espacios de debate donde su puedan discutir libremente ideas y posiciones acerca de los distintos aspectos del cine: desde sus fuentes de financiamiento hasta el papel de la crítica, pasando por las políticas cinematográficas vigentes y las propuestas para mejorar las etapas por las que debe atravesar una película: el proyecto, la producción, la distribución y la exhibición.

Un hecho que suele pasar desapercibido para el público cinéfilo que hace largas colas para descubrir maravillas de los rincones más distantes del planeta, es que los festivales de cine tienen una ingerencia directa en el proceso de producción de algunas películas. No sólo las eligen una vez terminadas, sino que influyen decidiendo desde aspectos puntuales como el corte final (interviniendo en la etapa de montaje como una especie de consejero, e influyendo en la elección de lo que se verá en la pantalla) hasta haciendo posible su concreción a través de los fondos de fomento, los premios de estímulo o los llamados laboratorios o ateliers, donde los films llegan en su etapa de proyecto. Por lo tanto es posible afirmar que los festivales de cine producen (a veces explícitamente, y otras actuando como “mecenas”) una parte de su propia programación en función de sus ideas estéticas y políticas.

Un lugar de encuentro

Ese fenómeno tan complejo, mutante, efervescente, volátil, cargado de adrenalina y de amor por el cine que es un festival, es el lugar ideal para diversos encuentros que tendrán consecuencias directas en la vida (y obra) de muchos de sus participantes. El encuentro más palpable es el del público y las películas. El momento en que una multitud ocupa sus butacas y la luz se apaga es el momento de la magia, el momento en que cualquier cosa es posible. Las emociones están a flor de piel, y es casi imposible salir de la sala sin haber experimentado un sacudón interior más o menos intenso. Allí se renueva el misterio del amor al cine. ¿Qué fuerzas nos hacen ir una y otra vez hacia esos rayos de luz intangibles que proyectan en una superficie formas capaces de conmovernos, de hacernos reír, llorar, temblar, enmudecer?

Al final de la proyección, un regalo disponible sólo en festivales: muchas veces el espectador puede dialogar con el director del film, aunque este sea rumano, chino, francés o colombiano. Un lujo que estos eventos reservan a sus asistentes. El encuentro suele ser extremadamente rico para ambas partes. Algunos de los espectadores seguramente serán directores de cine que tienen sus films dentro del festival o no, y algunos quedarán especialmente impresionados. La experiencia resultará clave, e influirá en sus próximas obras. Es el lugar del descubrimiento: de otras culturas, de otras formas de vida, de otras estéticas, de otros mundos. Un festival de cine es un lugar único de formulación de preguntas, de formación de espectadores: una escuela de cine sin profesores ni programa preestablecido, donde la curiosidad y el placer mandan.

Otros encuentros tienen lugar en ámbitos reservados para acreditados (productores, directores, distribuidores, programadores de otros festivales). Son los espacios paralelos del festival (que sólo se encuentran en grandes festivales internacionales), destinados a que los directores que tienen un proyecto puedan encontrar un productor o co-productor; o que, quienes tienen un work in progress (una muestra de lo que será el film en video, de unos pocos minutos), puedan mostrarlo a representantes de fondos de financiación que puedan interesarse en ellos y hacer posible su concreción.

En los pasillos y cafés que rodean las salas de los festivales, otros cruces felices son los de los programadores de otros festivales y los directores (encuentros que prolongarán el recorrido por el mundo de un film); y los de distribuidores y productores, que culminarán con la compra de los derechos de exhibición de determinadas obras, que se estrenarán en salas comerciales a lo largo del año.

Como el cine también es un negocio, algunos festivales se convierten en muestras que se convierten en el bonus track ideal de un mercado de cine. En los mercados se habla de negocios. Las películas son consideradas productos, que pueden ser rentables en determinados territorios, y para determinados públicos. En los mercados manda el dinero…ese dinero que permitirá a un productor seguir produciendo. El mercado de cine más grande del mundo es el Marché du Film que se realiza en paralelo al Festival de Cannes que es, a su vez, el festival de cine más importante del mundo. Después de varios intentos de constituir un mercado de cine en la Argentina, el año pasado se creó Ventana Sur, un mercado de cine que se realizó en Buenos Aires organizado por el INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales) junto al Marché du Film de Cannes. El evento constituye una posibilidad única para el cine argentino y latinoamericano de acceder a nuevos mercados, y se repetirá este año del 3 al 6 de diciembre.

Nuestros festivales

En los últimos años la proliferación de festivales de cine en nuestro país se convirtió en un fenómeno muy saludable. Las muestras y festivales (unos 80, algunos medianos, otros pequeños; algunos nuevos otros ya tradicionales), cumplen la función de llevar cine a los rincones más lejanos, de educar y de estimular su producción. Los dos festivales de cine más importantes del país son el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI).

El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata es un festival tradicional, cuya historia estuvo estrechamente ligada a los avatares políticos del país desde su nacimiento como una muestra de cine, allá por 1954. Con los años fue ganando un lugar destacado dentro del calendario mundial (entre sus visitantes ilustres estuvieron François Truffaut, Pier Paolo Pasolini, Jacques Tati, Vincent Minelli, Jeanne Moreau y Vittorio Gassman entre otros), pero por diferentes motivos, la realización del festival se paralizó por 26 años, hasta su regreso definitivo en 1996. El festival es el único latinoamericano que ostenta la clasificación A, y que lo coloca en la misma categoría que San Sebastián, Berlín, Cannes y Venecia, entre otros. Este festival de perfil popular acaba de festejar sus 25 ediciones. Castigada por la crisis internacional y local, la edición 2009 fue sobria y acotada, pero con una cuidada selección realizada por un equipo encabezado por su director artístico, el maestro José Martínez Suárez. Este año el festival experimentó un saludable resurgimiento, y contó con notables visitas internacionales como Bruno Ganz, John Sales, Hal Hartley, entre otros.

El BAFICI cumplió en abril 12 años de existencia. Su última edición, que se llevó a cabo entre el 7 y el 18 de abril, demostró que pertenece a la elite mundial de festivales exquisitos, a los que acuden programadores y productores en busca de cine fresco, nuevo, desafiante, provocador. Su programación estuvo integrada nada menos que por 422 films, entre cortos y largos (seleccionados por un equipo encabezado por su director artístico, el crítico y guionista Sergio Wolf), y contó con la presencia de invitados internacionales de muy alto nivel como Bruno Dumont, Joao Pedro Rodrigues y Raya Martin, entre muchos otros.

Los festivales son espacios de resistencia; espacios que el cine gana en las ciudades para resistir el embate del cine-consumo, del cine-pochoclo (que con su capacidad de acaparar salas y espectadores se ha convertido en una de las formas del colonialismo), y de reinventarse y reinventarnos, de tendernos una mano e invitarnos a maravillosos viajes imaginarios que comienzan en el momento en que entramos a esos templos paganos que son las salas de cine.

Mar del Plata Film Fest 2010 : Las más deseadas

2010-11-11T06:05:00.000-08:00

La edición número 25 del querido Festival Internacional de Cine de Mar del Plata se desarrollará del 13 al 21 de noviembre, y allí estaré. En este blog podrán seguir mis aventuras cinéfilas a través de fotos, textos, videoentrevistas y videocomentarios que iré subiendo a medida de que el wi-fi me lo permita. Si les interesa, no dejen de seguir mis actualizaciones en mi perfil de Facebook, y en el blog de Cine Indie de Amoelcine.com, donde estaré escribiendo.

Les dejo la lista de las más deseadas, una lista caprichosa y muy personal, pero que a alguno puede servirle. Mi deseo es volver con todas estas películas vistas... ¿podré lograrlo?

-Somewhere, en un lugar del corazón, de Sofia Coppola - EE.UU.
-Aballay, el hombre sin miedo, de Fernando Spiner - Argentina
-Chantrapas, de Otar Iosseliani - Francia / Georgia
-Essential Killing, de Jerzy Skolimowski - Polonia / Noruega / Irlanda / Hungría-Fase 7, de Nicolás Goldbart - Argentina
-Agua y Sal, de Alejo Taube - Argentina / Alemania
-Año bisiesto, de Michael Rowe - México
-Octubre, de Daniel Vega y Diego Vega - Perú / Venezuela / España
-Antes del estreno, de Santiago Giralt
- Amigo – Estados Unidos – Dirigida por John Sayles
- The Hairdresser / Die Friseuse / La peluquera – Alemania – Dirigida por Doris Dörrie
- I Wish I Knew / Hai shang chuan qi / Ojalá hubiera sabido – China, Hoanda - Dirigida por Jia Zhang-ke
- La noche que no acaba / All the Night Long – España – Dirigida por Isaki Lacuesta
- Sangre, simplemente sangre / San qiang pai an jing qi / A Woman, a Gun and a Noodle Shop – China, Hong Kong – Dirigida por Zhang Yimou
- Submarino – Dinamarca, Suecia – Dirigida por Thomas Vinterberg
- Guest – España – Dirigida por José Luis Guerín
- Outrage / Autoreiji / Atrocidad- Japón – Dirigida por Takeshi Kitano
- Poetry / Shi / Poesía- Corea del Sur – Dirigida por Lee Changdong
- Tournée / On Tour / La gira- Francia – Dirigida por Mathieu Amalric
- Yo maté a mi madre / J’ai tué ma mère / I Killed My Mother – Canadá – Dirigida por Xavier Dolan
- Les Amours Imaginaires / Heartbeats / Los amores imaginarios – Canadá - Dirigida por Xavier Dolan
- Hahaha – Corea del Sur – Dirigida por Hong Sang-soo
- Oki’s Movie / Ok hui ui yeonghwa / La película de Oki- Corea del Sur – Dirigida por Hong Sang-soo
- Red Shirley / Shirley roja – Estados Unidos – Dirigida por Lou Reed

- Cold Weather / Clima frío – Estados Unidos – Dirigida por Aaron Katz
- Littlerock – Estados Unidos – Dirigida por Mike Ott
- The Myth of the American Sleepover / El mito del pijama party Americano – Estados Unidos – Dirigida por David Robert Mitchell
- Tiny Furniture / Muebles diminutos – Estados Unidos – Dirigida por Lena Dunham
- Kaboom – Estados Unidos – Dirigida por Gregg Araki
- Machete Maidens Unleashed! / ¡Doncellas del machete desatadas! – Australia – Dirigida por Mark Hartley
- Secuestrados / Kidnapped – España, Francia – Dirigida por Miguel Ángel Vivas
- Deus Irae – Argentina – Dirigida por Pedro Cristiani
- Symbol / Shinboru / Símbolo – Japón – Dirigida por Hitoshi Matsumoto
- Soñar, soñar / To Dream, To Dream – Argentina 1976 – Dirigida por Leonardo Favio

Y la retrospectiva completa de Hal Hartley.

Hay otras películas que me interesan o me parecen recomendables, pero ya tienen estreno asegurado, como la de Mark Romanek Never let me go. Y hay muchas otras maravillas que no figuran en la lista, pero porque aún no las descubrí! Así que... a lanzarse a la aventura del cine una vez más. Salut, Vincent!

Diseccionando La Mirada Invisible con Diego Lerman

2010-09-21T08:51:00.001-07:00

Entrevista CYNTHIA SABAT

Cuando uno ve La Mirada Invisible tiene la sensación de que fue concebida ya desde el guión como una película sin concesiones. No hay escenas en las que baje la tensión. Desde los encuadres, desde el arte, desde la actuación, hay una rigurosidad tremenda y asfixiante.
Sí, el desafío mayor era hacer una película de época. Intentamos hacer una película con una gran rigurosidad desde todas las áreas. No es amable; los personajes no son nada amables. Leí en algunas críticas que se remarcaba la dureza del personaje de Biasutto (Osmar Nuñez), y me parece que ahí está la ideología, el tipo es un cuadro. Eso tenía que aparecer, porque es un tipo involucrado políticamente y eso está en su discurso.

¿Cómo planteaste el rodaje?
No fuimos con un plan, fuimos cada día a buscar la película. Fue un rodaje con mucha adrenalina, porque la puesta en escena la definí en el set salvo un par de planos secuencia que pensé de antemano. Pero el director de fotografía (N.del R.: Alvaro Gutiérrez) tenía que tener de todo. Fuimos con cámara de video y de fotos, y cuando se armaba algo bueno los actores se cambiaban, se plantaba la puesta de luces y se filmaba. Hubo días mejores y peores. Tenía muy claro que me interesaba trabajar el fuera de campo, la distancia focal, y ciertos movimientos de cámara. La película fue concebida desde ahí: como una escritura en imágenes que se construía día a día.

En ese día a día, ¿tenía lugar la improvisación en el trabajo con los actores?
Había un guión, pero muchas cosas fueron saliendo ahí. Una de las cosas que me puso contento es la escena en la que Marita (Julieta Zylberberg) le toca la mano al alumno…eso surgió en el rodaje y fue un acierto.

Me parece que otra premisa del film fue la de asordinar, trabajar el minimalismo. Es por eso que cuando aparece un contacto físico tan común como tocar una mano, resalta de una manera muy intensa. Lo mismo pasa con ese momento casi fantástico en el que Marita se despierta de su desmayo, y se entera de que Biasutto la llevó en brazos a la enfermería.
Trabajamos con ciertos elementos y los llevamos al extremo. La elección de filmar en 35 mm, además de una necesidad, hacía al tipo de rodaje y a la imagen final que yo quería. Trabajé en una proporción de 3 a 1, no teníamos mucho material virgen, por una restricción del presupuesto. Había que tomar decisiones acertadas todo el tiempo.

Todo lo contrario a la tendencia que siguen la mayoría de los directores que hoy filman con la Red, en alta definición, y no tienen límites en la cantidad de retomas.
Sí, tenían que pasar cosas para filmar. Una vez que esta dinámica se estableció en el rodaje fue muy fácil trabajar, muy fluído.

¿Cómo pensaste el diseño sonoro de la película, que tiene un trabajo importante?
Esta era una película que en lo sonoro se jugaba mucho por lo sensorial, lo subjetivo y el fuera de campo. Lo que tratamos fue de darle una profundidad a la imagen a través del sonido. Fue un trabajo muy fino, de pequeños detalles, casi obsesivo. La película está narrada desde un punto de vista claro, pero hay un trabajo en los planos de voces que me gusta mucho. Si escuchás detenidamente los diálogos te das cuenta. Fue un enorme trabajo y un gran placer hacer esta película. Siento que con ella elegí ser director de cine.

Esta es la primera película que, además de dirigirla, sos el productor.
Sí, en ese sentido es como si fuera una primera película. De Lita Stantic y de Daniel Burman y Diego Dubcovsky, mis productores anteriores, aprendí mucho de diseño de producción. A mí me gusta la idea de “club de amigos”, de armar un equipo que esté involucrado desde varios lugares en el hacer la película. Esa fue mi marca como productor: elegir un equipo que hizo suya la película, que se apropió del proyecto.

Con respecto al final de la película (del cual no es conveniente saber si uno aún no la vio), el impacto es muy fuerte. Me sorprendió la reacción de Marita en el baño, ante la violación, al punto de que sentí que el personaje se había traicionado. En ese final se juega el sentido. ¿Por qué elegiste ese final?
Marita es un personaje extremo. Creo que ella termina reaccionando, y algo de su carácter aflora. Para mí era imposible victimizarla, terminar su historia con una Marita pasiva. En este sentido el final se diferencia del de Cuentos Morales, la novela de Martín Kohan en la que se basa el guión que escribí junto a María Meira. El final es brutal. Hay algo en esa violación, en la forma en la que está actuada y filmada, que es tremenda.

Tiene la carga de poner en acción brutalmente toda esa violencia conceptual que se viene insinuando en los diálogos y en los cuerpos. El sometimiento y la humillación se hacen carne.
Y hay algo de bautismo. Marita ingresa en una lógica, en la lógica de Biasutto, y en cierta valentía que aflora en ella.

¿Ves ese final como un momento de redención para Marita?
Es más complicado que eso. Es una reacción ante la violación, pero es también ingresar en la lógica a ese mundo donde las cosas se resuelven violentamente. Hay una complejidad de planos ahí. Marita pierde la virginidad de una forma terrible. Tiene que ver con la perversión del contexto; se canaliza lo que pasa afuera en el cuerpo de los personajes.

Además la escena coincide con ese otro final: con un pueblo que toca fondo, que comienza a despertarse de una pesadilla que fue una dictadura militar aberrante, y va a hacerse cargo de su propio destino. La historia personal y la historia colectiva están unidas por un mismo punto de inflexión.
La novela de Martín Kohan fue un punto de partida muy contundente. Con Martín nos reímos de esta cuestión de la traición del cine a la literatura. La cuestión era volver a la novela una historia audiovisual.

Hay algo residual bastante llamativo en el hecho de que el Colegio Nacional Buenos Aires se haya negado a prestar las instalaciones para filmar esta película, que en la novela se sitúa en sus pasillos, en sus aulas. Para terminar, una pregunta difícil: ¿Qué función ocuparía La Mirada Invisible y otras películas de esta temática, en el caso de que volviera a sucedernos una dictadura militar?
Me parece que es esencial que en el cine entren en juego cuestiones históricas. El cine no debe dar lecciones, sino que debe ser un lugar de pensamiento. Creo que con respecto a la dictadura militar, el cine muchas veces ha tematizado, y ha vaciado de complejidad y sentido a este tipo de películas. Para toda una época y una generación era muy reveladora la victimización, el hablar del terrorismo de estado que ejerció el terror contra víctimas civiles. Pero una vez que eso está en la superficie, y ya forma parte del discurso oficial, se produce un vaciamiento y una saturación del discurso, porque no genera ninguna complejidad. Lo que me atraía de la novela de Kohan es que plantea la singularidad de una época. Narra una época a través de los engranajes del sistema, de la microfísica de sus instituciones, no es ninguna novedad pero sí hacerlo de forma minimalista. Me interesa especialmente para pensar la actualidad.

Lo más perturbador de este tipo de películas es la conexión con el presente. El horror no está confinado en una cápsula del tiempo. Pienso en Noche y Niebla de Alain Resnais. ¿Quién nos asegura que eso no vuelva a pasar?
Algo que me generó mucha reflexión fue la inclusión de las imágenes documentales del final, de Galtieri en el balcón y la Plaza de Mayo colmada de banderas. El discurso binario simplifica la cuestión, y tranquiliza. Estas imágenes deben ser vistas, porque esa plaza no está asimilada en nuestra Historia.

Entrevista publicada por la Revista Babia Nº63 septiembre-octubre 2010. Buenos Aires, Argentina.

L.A. Zombie de Bruce LaBruce: Homeless, zombies y porno en la tierra de Arnold

2010-08-13T19:05:00.001-07:00

Bonus track!

Tres novedades directo a DVD

2010-08-10T10:17:00.000-07:00

BOARDING GATE, Seducción y muerte de Olivier Assayas
Francia, Luxemburgo, 2007. Lanzamiento directo a DVD por SBP

Asia Argento y Michael Madsen conforman una pareja explosiva que muestra una química inflamable en sus miradas cargadas de pasión, y un poco de sana perversión. En esta mezcla de policial negro y thriller erótico de Olivier Assayas, la Argento interpreta a una chica bastante salvaje que mata por dinero a su amante (después de esposarlo y violarlo, claro), y que está implicada en una trama oscura con una pareja de comerciantes chinos, armas y cocaína.

Pero en Boarding Gate la historia es lo de menos. La intriga y las identidades confusas se mezclan con persecuciones en extraños (y estrechos) pasillos, pasiones cegadoras y traiciones cantadas, hasta que la vida ya no vale nada. Y Asia, que ya venía desatada desde la escena en la que se toca frente a su amante decadente de encanto único (oh Madsen!), se juega cuerpo y alma huyendo de su propia codicia hasta caer fatalmente en un callejón sin salida.

Lejos, muy lejos del Assayas de Las horas del verano, Boarding gate es una de las películas más fascinantes del francés, una (pequeña) película con cierto tufillo a Clase B y a fetichismo oriental que le sienta bien, y la convierte en un directo-a-dvd muy disfrutable. Bonus track: viene con un cameo de Kim Gordon de Sonic Youth.

CS

UN AMOR DE VERANO de Bradley Rust Gray
(The Exploding Girl)
USA, 2009. Lanzamiento directo a DVD por TVE

Este lanzamiento directo a DVD confirma una tendencia:¡hay todo un mundo de bellas películas que nunca pasan por los cines, y están ahí, como un tesoro, esperando ser descubiertas! Un Amor de Verano (The Exploding Girl es su título original) es una película de Bradley Rust Gray, quien tuvo un aplaudido debut con Salt (2003) y que, junto a su mujer, la coreana So Young Kim, se convirtieron en referentes del cine independiente de la Costa Este, más precisamente de la zona de Brooklyn. La talentosa So Young Kim dirigió la maravillosa Treeless Mountain (que se vio en el Bafici, y después se estrenó en cines con el nombre de Los Senderos de la Vida); y ganó el premio máximo del Bafici con In Between Days, en 2007.

Un Amor de Verano cuenta la historia de una chica llamada Ivy, que aprovecha las vacaciones de la universidad para visitar a su madre que vive en Brooklyn. Viaja junto a su amigo de toda la vida, Al, pero está obsesionada con su novio, que no le contesta los mensajes. Ivy y Al pasan tiempo juntos, y poco a poco van sintiendo cómo su amor de toda la vida crece con ellos, y se sienten atraídos. Pero hay un detalle de la vida de Ivy que no la hace una “chica normal”. Ivy sufre de epilepsia, y eso marca y condiciona su futuro.

Un Amor de Verano es una película se sensaciones, de gestos, de reflejos, de miradas, de corazonadas. Es una historia de crecimiento, de iniciación, filmada con pudor y una sensibilidad poco común. Una película para emocionarse, y desempolvar recuerdos.

CS

MI ADORABLE LADRONA de Joshua Safdie
(The Pleasure of Being Robbed)
USA, 2008. Lanzamiento directo a DVD por TVE

Esta pequeña y sorprendente primera película de Joshua Safdie gira en torno a su misteriosa protagonista y su manía por robar. Eleanor es joven y encantadora, y pasa sus días engañando incautos a los que roba en las calles o en los bares de Nueva York, mientras ella les sonríe con toda serenidad.

Lo mejor de este film pasa por su bella manera de retratar la alienación y la soledad de esta chica rica que tiene mucho tiempo libre, y cuya única relación con los demás pasa por el puro placer de engañarlos. La cámara despliega cierta exquisitez y lirismo, mientras registra escenas mínimas y fugaces de confusión y juego que podrían recordar al cine de otro indie, Andrew Bujalski.

El hallazgo: el encanto onírico y surrealista de la escena en la que la protagonista se imagina nadando con un oso polar de peluche.

CS

Textos escritos para la Revista Babia, mayo y julio 2010.

Conversaciones sobre cine : Charla sobre Actuación en cine

2010-07-13T11:38:00.000-07:00

Homenaje a Función Privada, con Carlos Morelli y Rómulo Berruti

2010-07-08T09:26:00.000-07:00

Función privada dignifica
X Cynthia Sabat

La televisión es la gran caja boba que, de vez en cuando, nos deja un programa memorable. Función privada fue uno de ellos. El programa conducido por el tandem etílico-cinéfilo de la TV argentina, conformado por Carlos Morelli y Rómulo Berruti, nació con la democracia en 1983, y fue un éxito que perduró doce años en la pantalla de Canal 7. En 1995 se mudó al canal Space, hasta 2001, en su adiós definitivo (hasta ahora). Varias generaciones se formaron gracias a sus osadas elecciones, a sus inefables cortos de Flash Gordon, a su living de estrellas, y a sus inolvidables preámbulos verbales, copa de vino en mano.
Conversamos con Carlos y Rómulo en Pantalla Pinamar 2010, evento que los reunió fuera del aire (Morelli como director del festival; Berruti como periodista acreditado).

¿Cómo definirías a Función privada?
Rómulo Berruti: Función Privada fue un fenómeno de la televisión argentina que superó todas nuestras expectativas. Canal 7 nos convocó en 1977. Sólo había proclamas y desfiles militares. Alguien pensó que le faltaba ángel al canal, y nos llamó para hacer un programa de cine. Arrancamos con un ciclo que se nutría de la filmoteca del canal, que en ese momento era muy pobre. Hicimos ciclos de galanes, de divas, de villanos, para usar ese material que era muy malo, incluso técnicamente deficiente. El primer programa se llamó Microcine 7; el segundo se llamó Sábado segunda noche. Salíamos a la medianoche, que en ese momento era un horario marginal. Con la democracia llegó ATC, que empezó siendo altamente competitivo (y era el que tenía más rating de todos). Miguel Angel Merellano nos propuso pasar a las 22hs a hacer un programa de cine para competir con el 9, el 11 y el 13. Le dijimos que si nos compraban cine, sí, porque lo que había era pobre. Y fue así que empezamos a estrenar todo el cine argentino nuevo, que implicaba lo más importante de la industria. El público empezó a gozar del cine argentino en Función privada. Y después se fueron sumando cosas, como los capítulos de Flash Gordon (una serie del año 36 que volvió loca a la gente, y que encontró Carlos), o Sucesos argentinos, que encontré en la vieja Cinemateca argentina.

¿Cómo comenzó el fenómeno?
Carlos Morelli: Comenzó en la trasnoche. Nos la habíamos arreglado para pasar cortometrajes que había en el canal, y algunos largometrajes que estaban tirados en los pasillos, y la gente empezó a comprar nuestro juego. Cuando llegó la democracia y Miguel Angel Merellano a la dirección artística de Canal 7, nos preguntó si teníamos el coraje de pasar de la trasnoche al horario central y, en pleno furor del color, pasar cine en blanco y negro. Le dijimos que estaba loco, pero que aceptábamos. Ahí empezó el milagro.

¿Cuál era el criterio a la hora de elegir las películas?
RB: Era elegir películas que no tenían los demás canales. No podíamos ponernos a competir nunca con El mundo del espectáculo (Canal 13) ni con el cine de acción y aventura que daba Canal 11. Entonces pensamos que la clase media argentina amó siempre ese cine que lo acerca a la cultura. Así elegimos directores casi demonizados…malditos, desconocidos. Y el cine argentino empezó a ser prioritario; después incluimos al cine español, que conseguía Morelli. Pasábamos el ciclo La huella del crimen, que eran películas basadas en crímenes reales, que le voló la cabeza a los espectadores. La idea era siempre pensar en ese material maravilloso que nadie pasaba, porque veníamos de una televisión cerrada…como todo podía ser políticamente incorrecto o éticamente reprobable, todos se autocensuraban. Y aprovechamos eso. Pasábamos films muy osados completos, sin cortes, y hasta actos sexuales íntegros que le valieron varios sumarios al canal. Aprovechamos cierto vacío legal, aunque algunos particulares presentaron denuncias.

El recuerdo de una función polémica
RB: Recuerdo el revuelo que armó la proyección de El crimen de Cuenca, de Pilar Miró. Tiene unas escenas de tortura terribles. Hubo gestos a favor y en contra; pero al final tuvimos que repetirla. Nuestro pico de rating más alto fue el estreno en TV de Esperando la carroza, sin dudas. Recuerdo otro escándalo, el de la película El agujero en la pared, con Alfredo Alcón y María Noel. Tenía un plano del pubis de Noel y una mano (que supuestamente era de Alcón, pero no lo sabemos), que la acariciaba. Primer plano de un pubis femenino en el año 84, provocó un escándalo, una lluvia de cartas y llamados.

La química de la dupla
RB: Creo que la gente compró el binomio. Hoy Morelli y yo somos sinónimo de Cine argentino en TV, cuando hubo muchísimos programas de cine. Y esto hay que decirlo: somos dos periodistas de cine que nos hemos formado en un periodismo exigente. Hay que escribir bien para después poder hablar ante las cámaras. Eso siempre se lo enseño a los alumnos. La televisión era un medio nuevo…los primeros programas estábamos durísimos…después nos relajamos. Más tarde surgió el tomar en cámara. Fuimos los primeros. A la gente le encantó. Eramos dos periodistas cultos que pudimos hacernos populares, y que sabíamos de cine y de cultura en general. También hacíamos chistes.

El mito del alcohol en cámara
RB: Al principio éramos nosotros dos, en el bar, con Marilyn. Grabábamos a las 7 de la mañana, como si fuera en vivo, sin repetir, sin cortar. ¡No podíamos empezar el día tomando! Esa es una creencia popular. ¡La gente tomaba en su casa mientras miraba las películas, pero nosotros no! Después hubo otra época en la que se comía y se tomaba…ahí algo probábamos. Teníamos un canje de champagne, nos mandaban muchas cajas.

Función privada en el recuerdo
CM: Es tan cotidiano el recuerdo de Función Privada…todos los días el cajero del banco, el taxista, la chica del lavadero o el mozo nos recuerdan esa experiencia y, claro, siempre está el reclamo de la vuelta. Tanto Rómulo como yo somos muy conservadores con respecto al tema, y estamos muy contentos de haber quedado perpetuados así. Nunca se descarta la posibilidad de un regreso acotado, en algún evento especial muy puntual. En todo caso, lo digo con mucha modestia, dibujamos una propuesta que no ha tenido muchos seguidores. Hemos sido únicos. Por eso se mantiene encendida esa llama. Hemos formado espectadores sin imponerles nada. Les dábamos los elementos para que el visionado de una película en televisión fuera una experiencia diferente.

¿Dónde está la foto de Marilyn?
CM: La foto de Marilyn está. La nave de Flash Gordon está, la música de Amarcord está, y el bar debe estar en algún lugar. La productora de Función privada era Susana Tenreiro, la gran hacedora de ese programa y de todos mis eventos. Ha estado a mi lado toda mi vida. ¡Es la tercera Mosquetera invisible! Es parte de esta historia.

Esta nota de Cynthia Sabat fue publicada en la revista Fonoscopio Nº9.

Premios Cóndor 2010: Juan José Campanella

2010-07-08T07:22:00.000-07:00

Juan José Campanella asegura que cumplió todos sus sueños

Buenos Aires, 9 de junio (Reporter). Después de recibir el Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera por “El secreto de sus ojos” su director, Juan José Campanella, pasa por un momento de reconocimiento tal que asegura “ya no me quedan sueños por cumplir”.

En la noche del lunes pasado, el filme fue distinguido por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina como la Mejor Película, convirtiéndose en la ganadora absoluta de la noche de los Premios Cóndor con 11 estatuillas ganadas, entre las que se encontraban Mejor Director, Mejor Actor (Ricardo Darín), Mejor Actriz (Soledad Villamil), Mejor Actor de Reparto (Guillermo Francella), y Revelación Masculina (José Luis Gioia).

Además, esa noche Campanella recibió el Premio Bicentenario, por ser un artista que ha logrado trascender las fronteras con la excelencia de sus producciones.

La Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina acaba de otorgarle un reconocimiento por el Oscar que ganó “El secreto de sus ojos”. “Es un honor muy grande. Hemos sido premiados tanto por las academias, que están integradas por colegas (en Estados Unidos, México, España y Argentina), como por los críticos, aquí y en La Habana. Es una película que ha tenido mucha suerte”, reflexiona emocionado Campanella, mientras su filme sigue dando la vuelta al mundo con mucho éxito. “En Estados Unidos está andando muy bien, mucho mejor de lo esperado, igual que en Francia. Se estrenó en Italia el viernes, con el mejor promedio más alto por sala. Arrancó muy alto. Se acaba de estrenar en Colombia”, hace memoria mientras se emociona pensando en nuevos públicos para su película.

A pesar de que podría estar viajando, Campanella se lamenta por no poder hacerlo. “La película se está por estrenar en Japón. Es una pena, pero me estoy perdiendo todos los viajes. Estoy trabajando mucho, y gracias a eso me he perdido unos festivales muy interesantes, de esos a los que uno no iría nunca, como a la Isla de Pascua, por ejemplo.”

La pregunta clave se impone: “¿Ahora que ganó el Oscar, con que sueña Juan José Campanella? “El Oscar era un sueño, pero no era algo en lo que pensaba todo el día. Ahora mi sueño es mantener el resto de mi vida esto que tengo ahora: mi familia, el trabajo, el saber que si quiero hacer una película tengo muchas más posibilidades de hacerla que hace diez años y, por sobretodo, el reconocimiento de la gente”, enumera y concluye: “La verdad es que no me han quedado sueños. Por lo que pasó con ‘El secreto de sus ojos’, ahora tengo la posibilidad de hacer la película que quiera. Así que seguiré trabajando”. (Reporter)

Nota escrita por Cynthia Sabat para la agencia Reporter Online.

Premios Cóndor 2010: La noche de El secreto de tus ojos

2010-07-08T07:18:00.000-07:00

Premios Cóndor: otra gran noche para “El secreto de sus ojos”

Buenos Aires, 8 de junio (Reporter) La ganadora del Oscar “El secreto de sus ojos”, dirigida por Juan José Campanella, fue la ganadora absoluta en la noche de la 58º entrega de los Premios Cóndor que otorgó la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina en el Teatro Avenida. Acompañada por su elenco y su equipo técnico en pleno, se llevó 11 de los 14 premios a los que estaba nominada.

Los principales rubros técnicos del film protagonizado por Ricardo Darín y Soledad Villamil se quedaron con el preciado Cóndor de Plata, imponiéndose a grandes candidatas como “Felicitas” de Teresa Costantini y “La viuda de los jueves” de Marcelo Piñeyro, ambas con 8 nominaciones cada una. “El secreto de sus ojos” se llevó los premios a Mejor Guión Adaptado (de Juan José Campanella y Eduardo Sacheri, basado en el libro “La pregunta de sus ojos”, de Sacheri); Mejor Fotografía (Félix Monti); Mejor Montaje (Juan José Campanella); Mejor Música Original (Juan Federico Jusid) y Mejor Sonido (José Luis Días Ouzande).

El Teatro Alvear estalló en un aplauso cuando se dio a conocer el premio Revelación Masculina para José Luis Gioia por “El secreto de sus ojos”. El cómico recibió con gran felicidad la estatuilla. Otro gran momento fue el premio al Mejor Actor de Reparto para Guillermo Francella, que brilló en el papel de Sandoval y recibió elogios por un personaje a su medida. El ídolo televisivo agradeció a Campanella y a Darín, y dedicó el premio a “mi mujer, mis hijos, mis compañeros, que son incondicionales”. “Nos miman permanentemente con esta película, es una experiencia indescriptible, es un gran placer. Desde la lectura del guión fue una satisfacción de principio a fin”, expresó emocionado el actor.

Soledad Villamil fue otra de las premiadas como Mejor Actriz Protagónica. La actriz compartió la terna con Ana Celentano (“La viuda de los jueves”); Leonor Manso (“Luisa”); Marilú Marini (“Mentiras piadosas”); y Natalia Oreiro (“Música en espera”). Al subir al escenario recordó con emoción su primer Premio Cóndor por su papel en “El mismo amor, la misma lluvia”, dirigida también por Juan José Campanella.

Uno de los rubros que despertó más expectativas fue el de Mejor Actor Protagónico, en el que estaban nominados Ricardo Darín (“El secreto de sus ojos”); Leonardo Sbaraglia (“Las viudas de los jueves”); Arturo Goetz (“El asaltante”); Diego Peretti (“Música en espera”) y Carlos Portaluppi (“Homero Manzi, un poeta en la tormenta”). La actriz Cecilia Rosetto fue la encargada de abrir el sobre que contenía el nombre del ganador: Ricardo Darín. Con su estilo inconfundible, Darín bromeó diciendo “Juan José, gracias, mi carrera venía para abajo hasta que apareciste vos”. Y agregró: “Siento que la fe que tuvo el público llevó la película hasta donde llegó. Lo siento así y quiero dedicarle parte de este premio.”

Juan José Campanella se llevó el Premio Cóndor al Mejor Director. “Si tengo algún crédito en esto, es el haber elegido a un equipo maravilloso. Con este equipo es muy fácil hacer una película”, expresó. Además, le dedicó el premio a su mujer, Cecilia Monti, y a sus hijos Federico y Lupe.

El premio máximo de la noche, el Cóndor de Plata a la Mejor Película, fue también para “El secreto de sus ojos”. El equipo completo del film recibió emocionado el galardón de los cronistas cinematográficos, cerrando otra noche memorable para la película. (Reporter)

Nota escrita por Cynthia Sabat y publicada por Reporter Online.

Conversaciones con el cine: Anahi Berneri, Erica Rivas y Sergio Wolf sobre Por tu culpa

2010-06-11T13:32:00.000-07:00

Reseña del BAFICI 12 en Film and Festivals - español e inglés

2010-06-04T08:15:00.000-07:00

BAFICI, el faro latinoamericano
X Cynthia Sabat

Los festivales de cine no están al margen del difícil contexto de la crisis económica internacional. Muchos de ellos han tenido que reducirse drásticamente para sobrevivir durante el último año; incluso aquellos que lo visitan año a año aseguran que la reciente edición del Festival de Cannes sufrió ajustes evidentes. El BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente) no fue ajeno al momento de recesión, pero logró sortear con sorprendente naturalidad el impacto de una moneda débil (el peso argentino, muy devaluado con respecto al dólar y al euro), y ofreció en su 12º edición un menú de nada menos que 422 películas.

A pesar de ser un festival joven, el BAFICI se ha ganado ya un lugar muy destacado en el contexto de los festivales latinoamericanos. Su perfil vanguardista, ligado a las nuevas estéticas, pone el foco en seleccionar el cine más radical e independiente del planeta, con una fuerte presencia de films latinoamericanos y, sobre todo, argentinos. Es por eso que atrae a productores, distribuidores y programadores de los festivales más exquisitos, y se ha constituído en un modelo a seguir en la región.

Del 7 al 18 de abril, el BAFICI ofreció una programación gigantesca, difícil de asimilar, pero contó con el apoyo masivo de un público ávido por sus propuestas, que batió el record de la edición pasada (con 200.000 entradas vendidas). Sus tres competencias (la Internacional, la de Cine Argentino y la denominada Cine del Futuro) contaron con una selección atractiva y de alto nivel, mientras que los focos y retrospectivas dieron cuenta de una diversidad muy saludable. Algunos de ellos estuvieron dedicados al director inglés Chris Petit, el director y crítico brasileño Rogério Sganzerla, el director suizo Peter Liechti, al found footage y a los nuevos documentales independientes chinos.

Los nombres que integraron los distintos jurados dieron cuenta tanto del refinamiento que el BAFICI pretende para sí, como de la aceptación por parte de invitados extranjeros: Olivier Pére (flamante director del Festival de Locarno); Raya Martin (al que el BAFICI dedicó un foco en 2007); Joao Pedro Rodrigues (quien presentó su film Morrer como um homem en la sección Cine del Futuro); Angela Bassett; Jim Finn y Christelle Lheureux, que sorprendió con dos films inusualmente extraños (Un sourire malicieux éclaire son visage y Non ricordo il titolo).

La Competencia Argentina es uno de los platos fuertes de este festival. Allí se presentan los films más independientes y originales de la producción local, que marcan la pauta de las temáticas y estéticas que la ocupan. El premio a la Mejor Película fue para Invernadero, de Gonzalo Castro (que retrata a través de largos planos fijos el mundo íntimo de un escritor y sus conflictos), mientras que el premio al Mejor Director fue para Santiago Loza e Iván Fund, directores de Los Labios, el sutil y emotivo film que acaba de ser premiado en la sección Un certain regard de Cannes por la interpretación de sus tres actrices principales (Eva Bianco, Victoria Raposo y Adela Sánchez).

La competencia Cine del futuro ha ganado año a año más prestigio. En esta edición el film ganador, Morrer como un homem de Joao Pedro Rodrigues (un melodrama de intensa y compleja perfección), provocó un curioso boom que agotó todas sus funciones. El film filipino Sewer de Sherad Anthony Sanchez ganó una mención en esta competencia.

La ganadora del máximo premio de la Competencia Internacional fue para Alamar del mexicano Pedro González-Rubio, mientras que el director rumano Corneliu Poromboiu fue elegido como el Mejor Director por Police, Adjective. El premio especial del jurado fue para la italiana La bocca del lupo de Pietro Marcello.

El alto nivel de su programación, sumado a la gran respuesta de público, a la gran convocatoria de invitados (entre los que también estuvo Bruno Dumont, que presentó Hadewijch) y a la realización de eventos como el BAL (Bueno Aires Lab), colocan al BAFICI entre los festivales de cine ineludibles a nivel mundial, y en un verdadero faro para los festivales y el cine que se produce en Latinoamérica.

BAFICI, the Latin American lighthouse
By Cynthia Sabat

Film festivals are not apart from the difficult context of the international economic crisis. Many of them had to reduce drastically to survive during the last year; even those who attend to Cannes every year affirm that the adjustment was clear. BAFICI (Buenos Aires International Independent Film Festival) was not far from the moment of recession, but managed to avoid the impact of a weak currency (Argentinian Peso is very devalued, in comparisson to Dollar and Euro), and offered a menu of 422 films in its 12º edition.

Despite of being a young festival, it has reached a remarkable place among the Latin American festivals. Its avant-gardist profile -closed to the new aesthetics-, focuses on choosing the most radical and independent films of the world, specially from Latin America and Argentina. That is why it attracts producers, distributors and programmers from the most exquisite festivals, and it has became a model for all the festivals of the region.

From April 7th to 18th, BAFICI offered a gigantic program, hard to assimilate, but the public support it massively, breaking the record of the last edition (with 200.000 sold tickets). The three competitions (International, Argentinian and the so-called Cinema of The Future) had an attractive and high level selection, and the focuses and retrospective sections showed a very good diversity. Some of them were dedicated to the English filmmaker Chris Petit, the Brazilian director and film critic Rogélia Sganzerla, the Swiss director Peter Liechti, the found footage and the new independent Chinese documentals.

The names that took part of the jury realise the prestige that BAFICI pretends for itself, as well as the acceptance of foreign guests: Olivier Pére (brand-new director of Locarno Film Festival); Raya Martin (BAFICI dedicated a focus section for him in 2007); Joao Pedro Rodrigues (who presented his film Morrer como um homem in the Cinema of The Future competition); Angela Bassett; Jim Finn and Christelle Lheureux, who surprised the public with two unsual films (Un sourire malicieux éclaire son visage and Non ricordo il titolo).

Argentinian competition is one of the strongest points of this festival. It shows the most independent and original films of the local production, that mark the guideline of the subject matters and aesthetics that occupy them. The award for the Best Film was for Invernadero, by Gonzalo Castro (that paints the intimate world of a writer, through long static takes), as well as the award for Best Director was for Santiago Loza and Ivan Fund, directors of Los Labios, a delicate and emotional film recently awarded in the section A Certain Regard from Cannes, for the work of the main actresses (Eva Bianco, Victoria Raposo y Adela Sánchez).

The Cinema of The Future competition has became more important year after year. On this edition, the winner was Morrer como un homem, by Joao Pedro Rodrigues (an intense and complex melodrama), which was a curious boom of sold out tickets in all its screenings. The Filipino film Sewer by Sherad Anthony Sanchez won a mention in this section.

The winner of the main award of the International Competition was Alamar, by the Mexican Pedro González-Rubio, as well as the Rumanian director Corneliu Poromboiu was awarded as the Best Director for Police, Adjective. The special award of the jury was for the Italian film La bocca del lupo, by Pietro Marcello.

The high level of the program, in adition to the huge response of the public, the important guests (Bruno Dumont also came to present Hadewijch) and the achievement of events such as BAL (Buenos Aires Lab), make BAFICI a true lighthouse for all the festivals from Latin America.

Thanks to Florencia Gasparini Rey and BAFICI Press Office.

Film and Festivals.com

BAFICI 12 - Raya Martin x Cynthia Sabat

2010-06-02T14:21:00.000-07:00

BAFICI 12 - Javier Rebollo sobre La Mujer sin Piano x Cynthia Sabat

2010-06-02T10:48:00.001-07:00

Dioses, de Josué Mendez

2010-05-28T09:34:00.000-07:00

Suena absurdo, pero hay razones políticas y económicas detrás de esta realidad: los latinoamericanos no podemos acceder a nuestro propio cine. Gracias a los festivales nos enteramos del cine independiente que se está produciendo en Chile, Brasil, Venezuela, Colombia, Perú. Pero si analizamos la cantidad de estrenos comerciales latinoamericanos por año, nos daremos cuenta de que tenemos un grave problema. ¿Quien determina el cine que vemos? ¿Depende de la decisión política de los gobiernos, de la implementación de políticas cinematográficas proteccionistas? Sin dudas cualquiera que sea la respuesta, la decisión afectaría intereses de potencias que fomentan el cipayismo en la región, y habría que ir a dar explicaciones al país del Norte.

Mientras tanto sólo podemos celebrar el estreno (en Buenos Aires) de un film peruano como Dioses de Josué Mendez. Al ver la película pensé en la boliviana Zona Sur de Juan Carlos Valdivia (vista en el Bafici 2010), y en la argentina Géminis de Albertina Carri. Las tres películas ponen el foco en una clase alta que da la espalda a los problemas profundos de sus sociedades (que son más o menos los mismos en toda Latinoamérica), y se centran en núcleos familiares desarticulados por la incomunicación, la falta de afecto, la superficialidad y la endogamia, donde los jóvenes son quienes entran en crisis o ponen en duda el modelo de vida para el cual fueron criados, preparados, entrenados.

Diego y Andrea son hermanos, y viven en una casa imponente que da la Océano Pacífico, alejada de Lima, la gran ciudad. Su padre es un poderoso empresario metalúrgico que trae a vivir con ellos a Elisa, su nueva novia veinte años menor que él. Hay un detalle que es inevitable notar: Diego, Andrea y el padre tienen rasgos blancos, más bien europeos; Elisa tiene rasgos indígenas, lo que la hace más parecida a las sirvientas de la casa que a los patrones. Mientras Elisa se esfuerza por "encajar" en el círculo de amistades de su pareja, diluyendo en gestos y tics absurdos su propia identidad, Diego y Andrea acusan recibo de la indiferencia familiar y se abandonan a un ocio asfixiante.

Dioses es el segundo largo de Josué Mendez, un niño mimado de festivales que debutó con Días de Santiago (vista en el Bafici), película elegida para representar a Perú en los Oscars. Josué pasó por la Cinefondation de Cannes, y recibió la Beca Rolex que le permitió pasar una temporada de trabajo intenso con Stephen Frears como mentor (tal como le pasó a nuestra Celina Murga con Martin Scorsese).

Mendez elige utilizar el travelling horizontal como leit motiv. También utiliza encuadres frontales simétricos con zoom muy lentos que se acercan y se alejan del personaje, marcando un ritmo y una intensidad dramática dentro del plano. La estética del film está marcada por la de la casa de la familia, ya que salvo una secuencia toda la película se desarrolla en ese ámbito (remarcando ese mundo cerrado, de publicidad de muebles de diseño, donde viven sus protagonistas). Dioses se aleja claramente del costumbrismo característico de cierto cine latinoamericano, buscando una estética propia del cine moderno en cuanto a los encuadres, la paleta de colores, los movimientos de cámara. La película tiene momentos sumamente cinematográficos, donde lo formal está al servicio de la idea del film (como en la escena en la que Diego visita la fábrica y conversa con su padre mientras caminan: un verdadero hallazgo), pero también irrumpen ciertos momentos televisivos donde los encuadres, los diálogos y hasta el registro de actuación están más cerca de una telenovela que del cine. En este sentido creo que la dirección de actores a veces satura, y las actuaciones están en un registro más alto del apropiado.

A pesar de estos detalles, la película logra transmitir claramente una crítica a cierta clase alta peruana que vive en la mentira, de espaldas no sólo a la realidad social sino a sus propios afectos, ocultando los trapitos sucios hasta límites que rayan lo patológico (como lo demuestra el final). Los toques de humor siempe están teñidos de un patetismo asfixiante, por lo que Dioses no es una película complaciente, sino un film que acierta en trabajar sobre la incomodidad y hasta la repulsión.

BAFICI 12 - Roger Alan Koza sobre la edición 2010 de BAFICI x Cynthia Sabat

2010-05-23T15:27:00.000-07:00

BAFICI 12 Los Labios, un viaje sentimental

2010-05-21T08:39:00.000-07:00

Antes de partir de Cannes, Iván Fund y Santiago Loza ganaron
el premio al Mejor Director de la Competencia Argentina en el BAFICI.

La ovación dura varios minutos. Santiago Loza e Iván Fund están mudos de emoción. Los Labios, la película que codirigieron, acaba de ser estrenada en el BAFICI. El film inaugura la competencia nacional, integrada por trece películas. Ellos aún no lo saben, pero este sería sólo el comienzo de una seguidilla de buenos momentos que les depararía la película.

Los Labios cuenta la historia de tres asistentes sociales (interpretadas por Eva Bianco, Victoria Raposo y Adela Sánchez), que viajan a un pueblo del norte de Santa Fe a hacer un relevamiento de la situación social, a llevar medicamentos, y orientar sobre salud y alimentación. Pero cuando bajan del micro nadie las espera. Es allí cuando tienen su primer encontronazo con la realidad que les depara el viaje.

Las tres mujeres llegan al lugar asignado como base de operaciones de su trabajo. Entran a un viejo hospital abandonado, que parece haber sufrido un bombardeo. El silencio se interrumpe por el sonido constante de las goteras. Un aparato de rayos X acumula una capa de polvo. En un costado seco de la cocina hay tres colchones. Y hay una silla en medio de un gran charco. Ellas se las ingenian con un par de maderas que hacen de puentes para recuperar la silla.

¿Cómo nació el proyecto de filmar Los Labios?

Iván Fund: Con Santiago hace dos años que veníamos trabajando en el proyecto. Empezó ayudándome con el guión y terminamos escribiéndolo juntos. Eso evolucionó naturalmente en la codirección. La película surgió de unas inquietudes mías, de la historia de tres mujeres que viajan al norte de la provincia de Santa Fe para hacer asistencia social. Las hospedan en un hospital abandonado, y comienza una convivencia entre ellas, donde se mezclan también las historias de la gente que conocen mientras hacen su tarea. Este fue el comienzo, el disparador. Después la película fue ganando capas, se fue complejizando.

Santiago Loza: Esa experiencia humana mínima fue el disparador para darnos cuenta de que la película iba a estar teñida de muchos otros elementos que derivaban de nuestras inquietudes estéticas, existenciales, políticas.

¿Cuándo surgió la estructura, la forma de Los labios? Esa mezcla entre documental y ficción, de límites difusos.

SL: Esa idea surgió desde el comienzo. Había un guión escrito, y se trabajó de a ratos con ese guión, pero sabíamos que la película iba a estar atravesada por la realidad que nos encontráramos en el rodaje. Teníamos que ir a esa experiencia, porque había algo de la verdad que queríamos para la película que tenía que suceder ahí, que la teníamos que encontrar. Queríamos que lo ficcional estuviera muy rozado por lo documental. La actuación de las chicas tenía que ver con un tono naturalista, dentro de una película que no era naturalista del todo.

Es casi de noche. La vuelta a la base-hospital es larga. Ellas llegan agotadas. Sobran las palabras. El peso del día vivido, de los rostros vistos, de las voces escuchadas, aturde. Entonces ellas se juntan en el baño, frente al espejo, se pintan unas a otras los labios. Y salen a cenar a un restaurant de pueblo, al borde de la ruta. Después fuman.

¿Cómo fue la etapa del montaje? Da la impresión de que debe haber sido un momento clave del proceso de Los labios, para encontrar el punto de vista, ese tono tan equilibrado.

SL: Ya desde la etapa del guión nos planteábamos la cuestión ética de la película. La forma en la que queríamos abordar una historia que involucraba a la pobreza. Desde el principio se cuidó de no caer en el miserabilismo. Pero naturalmente sucedió que no se filmó desde ese lugar.

IF: Lo que sucedió en el montaje fue que la montajista, Lorena Moriconi, terminó de armar el diseño de la narración. Ella le dio el carácter que tiene, la convirtió en una historia concreta y precisa. Teníamos mucho material filmado, y lo que hizo Lorena, como todo buen montajista, fue ajustar miradas. Estaban nuestras miradas, y también su mirada femenina, que reflexiona sobre el cine. Así se llegó a la mirada de la película.

De noche, cuando las mujeres intentan dormir, las visitan los fantasmas del día. Todos los remedios que les mandaron estaban vencidos. Los recuerdos de sonrisas furtivas de chicos detrás de las polleras de sus madres, de nombres, de perros a los ladridos recibiéndolas en los portales. Instantes frágiles grabados a fuego en la memoria. Ninguna será la misma cuando termine ese viaje.

El estreno estuvo cargado de emoción. ¿Lo vivieron como una confirmación de esas ideas que tenían mientras filmaban?

SL: Para mí fue una emoción muy grande el ver la reacción de la gente. Nosotros teníamos la necesidad de hacer esta película, y sabíamos muy bien por qué queríamos hacerla. Y el rodaje fue un gesto de afirmación acerca de lo que creemos del cine, y de nuestras creencias políticas. Durante el proceso de hacer la película Iván y yo nos cuestionamos el uno a otro nuestras ideas éticas y estéticas. Pero no sabíamos cómo podía reaccionar el público, cómo iba a ser recibida la película.

IF: De alguna manera, aunque estuvimos dos años planeándola, el rodaje terminó siendo un arrebato. Teníamos tanta necesidad de hacerla…

SL: …Aunque había un temor permanente de hacer una película demagógica, con una mirada de conmiseración, de lástima hacia “el otro”. Pero también nos dimos cuenta de que era una reflexión necesaria, que debía hacerse.

IF: Nos preguntábamos por qué la miseria no podía tener alegría, por qué no podía tener su poesía; por qué debía ser sólo fealdad y espanto, algo meramente expositivo, como la muestra la televisión muchas veces.

SL: Nos parecía que esa complejidad, esa ambigüedad de ser pobres pero ser felices de a ratos, generaba espesor para tratar de entender qué es el otro y qué es la pobreza.

Nota publicada originalmente en Revista Babia - mayo 2010.

Fuego en la memoria : las mejores películas vistas en el BAFICI 2010

2010-05-18T17:12:00.000-07:00

Alamar, de Pedro González-Rubio

La 12º edición del BAFICI pasó, y con él, una ráfaga de cine que nos dejó sin aliento. El tiempo pasó, y nos quedaron fogonazos en las retinas, imágenes de esos films que llegaron para quedarse en algún lugar del alma. Aquí, una muestra.

VISAGE de Tsai Ming-liang (Francia, Taiwán, Bélgica, Holanda, 2009)
Fanny Ardant, Lee Kang-sheng, Jean-Pierre Léaud y Laetitia Casta son las piezas de este ajedrez bello, melancólico y extático que juega el maestro taiwanés mientras reflexiona sobre el cine, la vida, el sexo y la muerte. La alta costura (como una de las bellas artes), el museo del Louvre y el mito de Salomé en un film laberíntico, de ardiente imperfección.

LOURDES de Jessica Hausner (Austria, Francia, Alemania, 2009)
La actuación de Sylvie Testud como una mujer que llega a Lourdes en silla de ruedas, con una parálisis irreversible, y de a poco comienza a sentir una mejoría, es de una sutileza arrolladora. El extrañísimo tono que elige Hausner para preguntarse por la naturaleza de la fe y el amor, sitúa a esta película entre lo más perturbador del cine actual.

MARY AND MAX de Adam Elliot (Australia, 2008)
Para los amantes del stop-motion. El encuentro de dos freaks (una nena australiana que tiene todas las de perder, y un obeso neoyorquino con un leve retraso mental) se da por carta, y por azar. El lazo que los une se hace tan fuerte que ella sueña con viajar a conocerlo. Hermanados en la desgracia, Mary y Max hacen las delicias de las almas más sensibles (y oscuras).

GO GET SOME ROSEMARY de Benny y Josh Safdie (US, 2009)
Los hermanos Safdie le hacen honor al indie americano. Su sorprendente primera película The pleasure of being robbed (2008) llamó la atención; su nueva obra, confirmó su sensibilidad cassavetiana para registrar momentos de verdadera intimidad. Una historia de padres e hijos, una carta de amor, y un canto al cine como legado.

LOS CONDENADOS de Isaki Lacuesta (España, 2009)
Una casona en medio de una selva es el punto de reunión de un grupo de ex guerrilleros que buscan los restos de un compañero. Desenterrando huesos, desentierran también una historia de pasiones, ideales, y supuestas traiciones. La complejidad de la memoria cobra una presencia perturbadora en este film protagonizado por Daniel Fanego.

LA MUJER SIN PIANO de Javier Rebollo (España, Francia, 2009)
Una mujer que se dedica a la depilación definitiva, tiene una peluca y una valija armada en su ropero. Espera que su marido taxista se duerma, para salir rumbo a la terminal. Decidida a todo por cambiar su vida, se cruza con un personaje que se la cambiará para siempre. Cóctel de humor seco, extraño y tierno en una tragicomedia inolvidable.

ALAMAR de Pedro González-Rubio (México, 2009)
Padre e hijo pasan los días juntos pescando en un arrecife de coral. Lo particular de esta historia es que Natan tiene cinco años, un padre mexicano y una madre italiana que están separados. La experiencia de amor y pérdida es iniciática para este niño que deberá alejarse del paraíso para vivir con su madre. La ganadora del BAFICI es un film simple y efectivo, donde las emociones están a flor de piel.

Nota publicada en Revista Babia Mayo 2010 www.babia.com.ar

BAFICI 12 - Encuentro con Bruno Dumont y su Hadewijch

2010-05-11T14:57:00.000-07:00

Mi primer encuentro con Dumont fue en 2007, en Mar del Plata. Dumont visitó por pocos días el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, para presentar allí Flandres (2006). En esa oportunidad le hice una larga entrevista que fue publicada en la revista Haciendo Cine Nº72. Mi segundo encuentro con él fue en el último BAFICI (2010), después de la conferencia de prensa en la que Dumont habló de Hadewijch, su nuevo film.

Gracias a estos dos encuentros aprendí algunas cosas de él. Por ejemplo, que se molesta cuando se lo compara con Robert Bresson. Que ataca verbalmente a su entrevistador cuando se siente incomprendido, y ensaya la crueldad con quien se preste a su juego. Sonríe poco, pero cuando sonríe es amable y hasta cálido.

Quien haya visto Hadewijch probablemente se pregunte por qué Dumont eligió que su protagonista intentara suicidarse arrojándose varias veces a un lago, sin conseguirlo. La referencia a Mouchette (1967) de Robert Bresson es obligada; sin embargo Dumont contraataca: “La referencia a Bresson es un facilismo de los periodistas.” El director se justifica diciendo que Bresson es cristiano y él es un ateo; que el método de trabajo de Bresson es completamente distinto al suyo, y que, voilà, “El cine no comenzó con Bresson”. Llego a mi casa, y busco Le diable probablement (1977). Ahí está el plano que tanto me perturbó de Hadewijch: lo utilitario, lo ordinario, lo terrenal, lo humano, lo secular, junto a lo sagrado, lo misterioso, lo silencioso, lo litúrgico. La grúa y el altar (en Hadewijch), y la aspiradora en la alfombra de la iglesia en Le diable probablement (1977), mientras un grupo de gente increpa a un catequista sobre la falta de respuestas del cristianismo ante la vida moderna. La escena se convirtió en el centro, en el corazón de mi Hadewijch.

Hadewijch es una película ambiciosa. Su refinamiento estético, su depurada narrativa es fruto de un trabajo literario (Dumont escribe novelas, y después las convierte en guiones), en el que se manifiestan influencias como la de Georges Bernanos -el novelista y ensayista francés en el que se basó Bresson para sus Journal d'un curé de campagne (1951) y Mouchette (1967)- y la del famoso ensayo de Georges Bataille, El erotismo.

Bruno Dumont es uno de los cineastas clave del cine contemporáneo, un humanista que recupera las preguntas esenciales y le restablece a la imagen cinematográfica su poderoso y violento poder de representación.

Usted asegura que conoce tanto a sus actores que sabe cómo hacerlos llorar, cómo hacerles sentir inquietud, temor. ¿Eso lo hace sentir como un dios?
Es una idea un poco fuerte. Para ser un buen cineasta hay que tener un buen conocimiento de la naturaleza humana. Pero un buen carnicero también puede serlo. Es un poco lo que decía Chaplin: cualquiera que hace un buen trabajo conoce el alma humana.

Cuando lo entrevisté sobre Flandres, comentó que había surgido en el rodaje un enamoramiento del actor Samuel Boidin (André) por Adélaïde Leroux (Barbe), y que usted había sacado ventaja de esa situación para el trabajo actoral. ¿Sucedió algo similar en el set de Hadewijch?
No, no pasó.

Usted filma lo que no conoce, lo que le parece misterioso. Después de filmar, ¿saca conclusiones, responde algunas de sus preguntas, o se generan más interrogantes?
No sé si se generan más preguntas, pero las mismas de antes de filmar siguen presentes. El misterio no se resuelve. Es una manera de acercarse a las cosas, pero no quedan cerradas. Vivo cosas que no comprendo, y eso está bien. Entonces no me interesa tanto conocer, porque hay mucho de la experiencia humana que no tiene que ver con el conocimiento sino con las sensaciones. Lo más importante es vivir las cosas.

¿Cómo se relaciona con la herencia cinematográfica de Bresson? ¿Por qué se molesta cuando lo comparan? Es imposible no pensar en Mouchette, cuando Hadewijch intenta suicidarse arrojándose al lago.
No, me molestó por vos, porque no es así. Bresson y yo trabajamos de forma muy diferente. Bresson es cristiano, yo no. El se basó en textos de Georges Bernanos, un autor que a mí me interesa mucho. Mouchette es Bernanos; Diario de un cura rural también. El cine no comenzó con Robert Bresson. Sous le soleil de Satan (1987) de Maurice Pialat también es Bernanos.

Las ruinas del bombardeo que visita Céline se ven en la pantalla de la televisión de la casa del albañil, cuando este conversa con su madre. Otra vez vuelve sobre el problema de la representación del horror, de la guerra.
Por lo menos intento representarlo. La televisión no lo representa. Uno puede comer mirando ese horror en la televisión; eso no es representación.

Usted insiste en remarcar que es ateo. Pero ¿puede ser que esta película haya sido hecha por un ateo?
Es justamente lo que hizo Pier Paolo Pasolini cuando filmó La pasión según San Mateo (1965). Lo religioso es un tema que pertenece a lo ateo. Los ateos somos los que estamos más habilitados, más capacitados para hablar de lo sagrado. La verdadera realidad de lo sagrado es justamente no ser religioso.

¿Cómo trabajó con su director de fotografía, Yves Cape, para lograr la imagen de Hadewijch?
Yo estoy muy cerca del cuadro. Paso mucho tiempo conversando con él, definiendo cómo será la luz y cuál será el encuadre. En general establecemos el cuadro, y yo filmo con la cámara cuando esta no se mueve. Focalizo mi trabajo con los actores. Pasé mucho tiempo con los técnicos antes del rodaje, por lo tanto ellos saben exactamente lo que tienen que hacer. Los que más tienen necesidad de cuidados en ese momento son los actores.

¿Trabaja sus guiones en solitario? ¿Cómo los trabaja?
Sí, los trabajo solo. El guión de Hadewijch me demandó dos años de trabajo. Mis guiones, antes de ser guiones son textos literarios, novelas. A partir de allí los voy transformando en un guión. El guión es un género menor, no es profundo. La literatura es profunda. Primero hay que trabajar de un modo literario, y luego escribir un guión.

Cuando lo entrevisté en 2008 usted dijo que su próximo proyecto era sobre el amor a Dios. ¿Qué puede adelantar de su próxima película?
Es sobre la presencia del diablo.

Esta entrevista fue originalmente publicada en Grupo Kane, en mayo de 2010. Clikee aquí para leer la edición original.

También sugiero leer la desgrabación completa de la conferencia de prensa que brindó Dumont en BAFICI 12, Buenos Aires abril 2010. Clikee aquí para leer la conferencia completa.

La entrevista realizada en el Festival de Cine de Mar del Plata sobre Flandres puede leerse clikeando aquí.

BAFICI 12 - Carlos Flores Delpino sobre El Charles Bronson chileno x Cynthia Sabat

2010-05-10T11:31:00.001-07:00

BAFICI 12 - Joao Pedro Rodrigues sobre Morrer como um homem x Cynthia Sabat

2010-05-07T11:07:00.001-07:00

BAFICI 12 - Renate Costa sobre Cuchillo de palo

2010-04-29T21:22:00.000-07:00

BAFICI 12 - Santiago Loza e Iván Fund x Cynthia Sabat

2010-04-29T18:18:00.000-07:00

BAFICI 12 - Raúl Perrone x Cynthia Sabat

2010-04-29T18:16:00.000-07:00

BAFICI 12 - Las preferidas de mis amigos y vecinos

2010-04-29T17:52:00.000-07:00

Visage, de Tsai Ming-liang

Cynthia Sabat
1. Visage, 2. Morrer com um homen, 3. Hadewijch, 4. Go get some Rosemary, 5. Un sourire malicieux éclaire son visage, 6. Los labios, 7.Grand Opera, an historial romance, 8. Police, adjective, 9. Cuchillo de palo, 10. La mujer sin piano.

Jack Samu (Subjetiva)
1. Los actos cotidianos, 2. La agonía y el éxtasis de Phil Spector, 3. Velódromo, 4. Exhausted, 5. The emperor nuked army marched going on.

Daniel Castelo (Zonafreak)
1. The Ape, 2. Ajami, 3. Red, White and Blue, 4. Celda 211, 5. La cinta blanca.

Luciana Calcagno (Canal Encuentro)
1. Hadewijch, 2. Los labios, 3. Radio On, 4. A dedicated life, 5. Cooking history.

Paraná Sendrós (Ambito Financiero) Cinco que recuerdo de inmediato, sin orden ni concierto, pero son cinco que vería de nuevo y por las cuales hasta pagaría la entrada:
Perdida (delicia mexicana, deberían haber invitado a la directora); Cooking History (por suerte en este caso invitaron al director); El dirigible robado (la recuerdo del cineclub infantil de Iturralde); La via láctea (pagué cuando se estrenó, hace añares); Stromboli (pagué cuando la reprisaron, también hace añares). Ahora, si me preguntás por el Top5 de las peores, creo que puedo anotarte unas 390 sin problemas.

Irene Blei (Taller de cine El Mate)
Voto por cuatro que elegí y vi muy contenta:
. Police, Adjective, . Max And Mary, . In The Attic, Who has a Birthday Today? y Metrópolis refundada.

María Nuñez
Yo soy contra la corriente y clásica a la vez, ya lo sabes, asi que mis favoritas fueron Alamar, La boca del lupo, Os famosos e os duendes da morte, Perpetuum Mobile, Norteado. Cine argentino no vi porque no tuve tiempo.

Pablo Tesoriere (co-director The Rati Horror Show)
1. Los labios (Loza-Fund), 2 Lo que más quiero (Castagnino), 3. Mary and Max (Adam Elliot), 4. The white ribbon (Haneke), 5. NY Export: Opus Jazz (Robbins)

Florencia Gasparini Rey
1. Los Labios (S. Loza - I. Fund), 2. La mujer sin piano (J. Rebollo), 3. Velódromo (A. Fuguet), 4. El Rati Horror Show (E. Piñeyro - P. Tesoriere), 5. El Sol (Ayar B.)

Roger Alan Koza
1. Morir como un hombre, 2. Police, adjective, 3. Ruinas, 4. La religiosa portuguesa (y Mundo ordinario), 5. Los labios.

Pablo Martire 1. Los Labios, 2. Go get home Rosemary, 3. La mujer sin piano, 4. 66 Seasons, 5. Morir como un hombre.

Jorge Russo
1. Vincere Bellochio, 2. La cinta Blanca Hanecke, 3. Morir como un hombre Joao Pedro Rodrigues, 4. Mary and Max Adam Elliot, 5. La Pivellina Tizza Covi, Rainer Frimmel
6 Like You Know It All Hong Sang-soo, 7 Zona Sur juan carlos Valdivia, 8 You’ve Gone Into My Blood Telvio Tullio, 9 Stromboli Rossellini, 10 Survival in New York Rosa von Praunheim.

Sebastián Santillán
1. Like You Know It All, de Hong Sang-soo, 2. 36 vues du Pic Saint Loup, de Jacques Rivette, 3. La Cinta Blanca, de Michael Haneke, 4. Invernadero, de Gonzalo Castro,
5. Navidad, de Sebastián Lelio.

Martín Crespo (I.Sat)
1. Le roi de l´evasion, 2. Go get some rosemary, 3. The Girl, 4. The Robber, 5. Bummer Summer.

Manuel García (791cine)
1. Morrer como un homem, 2. La boca del luppo, 3. La pivellina, 4. Go get some rosemary, 5. Le roi de l´evasion.

Fausto Balbi
1. Woman on Fire Looks for Water Ming Jin Woo 2009, 2. Susa Rusudan Pirveli 2010, 3. Alamar, 4. Los condenados Isaki Lacuesta 2009, 5. The Forest Piotr Dumala 2009, 6. Cuchillo de palo Renate Costa 2010, 7. Viajo porque preciso, volto porque te amo Gomes/Aïnouz 2009, 8. Paraíso Héctor Gálvez 2009, 9. A religiosa portuguesa Eugène Green 2009, 10. Bummer Summer Zach Weintraub 2010.

Matías Orta (A sala llena online)
1. Mary and Max, 2. El Charles Bronson Chileno (O Idénticamente igual), 3. The Haunted World of El Superbeasto, 4.Velódromo, 5. Zona Sur.

José Luis De Lorenzo (A sala llena online)
1. Alamar, 2. Go get some rosemary, 3. Los labios, 4. Police, adjective, 5. Mary and Max.

Sofía Serbin de Skalon
1. Yuki y Nina, 2. Los Labios, 3. Visage, 4. La mujer sin piano, 5. La bocca di lupo

Ezequiel Obregón (Escribiencine.com)
1. Hadewijch, 2. Alamar, 3. Mary and Max, 4. Vincere, 5. Rompecabezas.

Pablo de Vita (Museo del Cine)
1. Meutres a l'empire state building, 2. La cinta blanca, 3. La bocca del lupo, 4. The boy who wanted to be a bear, 5. El dirigible robado, 6. Due vite per caso
7. The robber, 8. Cooking history, 9. Alamar, 10. Police, adjective.

Jorge Perez (Encerrados afuera)
1. Content, 2. Leslie, my name is evil, 3. Strange Powers, 4. Los famosos y los duendes de la muerte, 5. Les Beaux Gosses.

Matías Piñeyro
1. Hadewijch (Bruno Dumont); 2. Go get some roseary ( Ben Safdie y Joshua Safdie); 3. Like you know it all (Hong Sang Soo); 4. 36 vistas del pico de Saint Loup (Jacques Rivette); 5. RUHR (James Benning)

Rodolfo Weisskirch (A sala llena online)
1.Mary and Max, 2. Like You Know It All, 3. Together, 4. Go Get Some Rosemary, 5. La Pivellina.

Paulo Pécora (Telam)
1.Los Labios, de Iván Fund y Santiago Loza, 2. O bandido da la luz vermelha, de Rogério Sganzerla, 3. Alamar, de Pedro González-Rubio, 4. Elvira en el río Loro, de José Villafañe, 5. Rosa, de Mónica Lairana.

Eduardo Chinaski
1.La cinta blanca, Michael Haneke, 2. Foco Jay Rosemblatt (Cortos de found footage), 3. La Pivellina, Reiner Frimmel, Tizza Covi, 4. Visage, Tsai Ming-Liang. 5. Extreme Private Eros: Love song, Kazuo Hara.

Fernando Varea (Espacio Cine)
1. Alamar, 2. La bocca del lupo, 3. Cuchillo de palo, 4. Go get some rosemary, 5. Reparto este puesto entre cuatro películas argentinas muy distintas que me gustaron por distintos motivos: Los labios, Rompecabezas, El ambulante y Yo, Duras...

Diego Papic (Cinenacional.com / Clarín) 1. Kinatay, 2. Go Get Some Rosemary, 3. The Happiest Girl in the World, 4. Hadewijch, 5. Le Roi de l'évasion

Pantalla Pinamar 2010 en Film and Festivals

2010-04-29T08:38:00.001-07:00

Pantalla Pinamar, a bridge between Argentina and Europe
By Cynthia Sabat

Between all the argentinian film festivals, Pantalla Pinamar stands out for having a very defined style, after only six editions, and for being a bridge between the national cinematography and the European cinemas. From 6th to 13th March, the sixth edition took place in Pinamar, a city by the sea –near Buenos Aires-, the ideal place for a festival that makes a great pleasure out of seen films.

“One of the goals of Pantalla Pinamar is to support the best European films that have the distribution already guaranteed in our country” – affirms Carlos Morelli, director of the event. “We are also interested in showing those films that have a high cinematographic level, but are difficult for being distributed. Pantalla Pinamar is the meeting point for Argentina and Europe”, says Morelli who points out the importance of the support of the main European institutions and promotion agencies such as ICAA (Spain); Unifrance Films (France); German Films (Germany); Anica (Italy); Swiss Films (Swiss) y Holland Films (Holland), and others.

More than a great selection of the best and most recent European cinema, the festival is also a window for the new Argentinian mid-budget films (such as El hombre de al lado, directed by Gastón Duprat and Mariano Cohn, and Aguas verdes, by Mariano de Rosa, which had its world premiere in Berlin Forum), and a unique possibility to access to unknown cinematographies, such as Libanese, Egyptian or Moroccan. The sixth edition had Armenian and Greek cinema as guests of honor.

Some of the remarkable international guests were the french actor Louis-Do de Lencquesaing, who was at the screening of Le pere de mes enfants, by Mia Hansen-Love (winner of the Special Jury Award in the section A certain regard, at Cannes 2009); and the spanish Pablo Pineda, winner of the Concha de Plata for the Best Actor in the last edition of San Sebastián Festival, for his revealing work in Yo, también, directed by Alvaro Pastor and Antonio Naharro.

Argentinian cinema is going through its best international moment. That is why is not surprising that the main winner of Pantalla Pinamar 2010 was El secreto de sus ojos, by Juan José Campanella, the recent Oscar winner for the Best Foreign Language Film. Pantalla Pinamar was the ideal enviroment for making agreements of coproduction and distrubution of films in Argentina and Europe, that is why the result was very positive and there will be a new meeting in March 2011.

Thanks to Pantalla Pinamar Press Office and Florencia Gasparini Rey

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Pantalla Pinamar, un puente con Europa
Por Cynthia Sabat

Entre los festivales de cine argentinos, Pantalla Pinamar se destaca por haber ganado un perfil muy definido en tan solo seis ediciones, y por haberse convertido en el puente entre la cinematografía local y los cines de Europa. Del 6 al 13 de marzo se llevó a cabo la sexta edición, en el bello balneario de Pinamar –cercano a Buenos Aires- que le da un marco ideal a un festival que privilegia el placer de ver cine.

“Uno de los objetivos de Pantalla Pinamar es apoyar las mejores películas europeas que tienen distribución asegurada en el país” – asegura Carlos Morelli, director del encuentro. “Además nos interesa proyectar aquel cine de alto valor cinematográfico, pero de difícil distribución. Pantalla Pinamar es el punto de encuentro de Argentina con Europa”, subraya Morelli, que destaca el apoyo que las principales instituciones y agencias de promoción europeas brindan al festival, como el ICAA (España); Unifrance Films (Francia); German Films (Alemania); Anica (Italia); Swiss Films (Suiza) y Holland Films (Holanda), entre otras.

Además de ofrecer una gran selección del mejor y más reciente cine europeo, el festival es una vidriera del nuevo cine argentino de presupuesto medio (entre las que se destacaron El hombre de al lado de Gastón Duprat y Mariano Cohn, y Aguas verdes de Mariano de Rosa, estrenada en el Forum de Berlín), y la única posibilidad de acceder a cinematografías desconocidas como la del Líbano, Egipto o Marruecos. La sexta edición tuvo como invitados de honor al cine armenio y al cine griego.

Algunas de las presencias internacionales destacadas fueron el actor francés Louis-Do de Lencquesaing, que acompañó la proyección de Le pere de mes enfants de Mia Hansen-Love (ganadora del Premio Especial del Jurado en la sección Un certain regard en Cannes 2009); y el español Pablo Pineda, ganador de la Concha de Plata al Mejor Actor en el último Festival de San Sebastián por su revelador trabajo en Yo, también de Alvaro Pastor y Antonio Naharro.

El cine argentino está pasando por su mejor momento a nivel internacional. Es por eso que no sorprende que la gran ganadora de Pantalla Pinamar 2010 haya sido El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella, la flamante ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera. En un ambiente ideal para la concreción de coproducciones, y para el diálogo acerca de estrenos de films de uno y otro lado, Pantalla Pinamar terminó con un saldo positivo y con la promesa de un reencuentro en marzo de 2011.

Esta nota fue publicada en la revista inglesa Film and Festivals Nº21, abril de 2010.

Recomendaciones BAFICI 12 - Algunos comentarios antes del tsunami

2010-04-06T14:23:00.000-07:00

Morrer como um homem, la primer peli que veré en el Bafici 12

Noche pre-Bafici. Grillas, catálogo, resaltador, entradas desparramadas por todos lados. Acabo de darle una mirada a parte del material, y me surgen estas reflexiones (no esperen revelaciones!)

1. Viví y cubrí cada una de las once ediciones del Bafici hasta el momento. En los últimos años el festival se convirtió para mí en un momento sofocante, asfixiante del año. Mucho stress, aunque no tenga la obligación de una cobertura diaria. Además de la cantidad enorme de películas y de nombres que se escuchan por primera vez, está la tensión que provoca el mal manejo de la oficina de prensa que complica el trabajo. Todo es complicado, todo depende de si uno tiene suerte o no. Comenzamos mal el Bafici 12 : no recibí entrada para la ceremonia de apertura, ni para la película de apertura, ni para la fiesta. No conozco a nadie que haya recibido invitación. Un misterio.

2. Este año cubriré el Bafici para la revista inglesa Film and Festivals, revista en la cual ya publiqué crónicas de Bafici 11, Mar del Plata, Ventana Sur y (próximamente, en April issue) Pantalla Pinamar. Además haré colaboraciones para Grupo Kane, Revista Babia y este blog. Pero quedé fuera del equipo de Otroscines.com, medio para el cual cubrí el año pasado, por cuestiones de presupuesto. Una pena.

3. Apenas comenzado el festival, aparece el invitado más importante de la edición (en mi opinión): Bruno Dumont. El viernes 9 a las 18hs estaré en el Espacio Bafici para la conferencia de prensa, e intentaré entrevistarlo para Grupo Kane. Soy una gran admiradora de su cine; vi sus cuatro films anteriores (antes de Hadewijch), y tuve el placer de entrevistarlo para Haciendo Cine cuando vino a presentar Flandres al Festival de Mar del Plata. Yo creo que pertenece a la elite de directores contemporáneos virtuosos, exquisitos e imprescindibles (entre los que están Haneke y Tsai Ming-liang, sin dudas). Voy a tratar de regalarle cine argentino, quizás una peli de Favio.

4. Una pena que al final no venga Harmony Korine. Me parece interesante especialmente en su relación con Werner Herzog y Larry Clark. Mr. Lonely es caótica y fallida, pero tierna. Vamos a ver como viene su nueva peli, Trash humpers. La foto que vi me da miedo, no lo voy a negar. Una pena que tampoco venga Isaki Lacuesta (director de Los condenados, película de clausura), a quien conocí en un par de Baficis y con quien me escribí por varios años. Refinado como su cine, Isaki es un poeta secreto. Tengo muchas expectativas con respecto a su película.

5. Una visita que me parece interesante es la de los hermanos Safdie (de quienes el año pasado vi The pleasure of being robbed y me encantó). También vienen Raya Martin y Manuel Gomes. Confieso que estoy apabullada por la lista de invitados; pienso que tengo una cámara de video con la que podría hacer cientos de entrevistas y después pienso que hay demasiados nombres que no conozco, o de quienes no vi más de una película. Me hubiera gustado entrevistar a John Gianvito, pero no viene. Su película Vapor Trail dura 264 minutos, ojo cuando saquen la entrada! Gianvito está en la senda de Benning, es un director verdaderamente independiente y radical.

6. La organización: TEMO que se repitan todos los errores del año pasado, que ya describí en la crónica del Bafici 11 en este blog. TEMO que a todo el mundo, desde Sergio Wolf para abajo, le importe un pomo que la gente (periodistas, invitados, público en general) quede excluída de aquí y de allá todo el tiempo, gracias a la implementación (precisamente) de una política de EXCLUSION. Temo que un día se hable un idioma en el Bafici que yo no comprenda en absoluto (y no soy la única).

7. En general, el cine argentino de esta edición no me provoca grandes expectativas. Sólo confirmaciones: Perrone (claro), Loza, Chen. Las películas nacionales de la competencia no me entusiasman. Creo que Ocio (producida por Mariano Llinás) ocupará el mismo lugar de Castro, o sea, de la falsa revelación sostenida por un grupo que impone la estética aceptada. Secuestro y muerte, siento que provoca más rechazos a priori que adhesiones. Veremos qué dicen los críticos más "creíbles" mañana....los que hayan conseguido SU invitación.

8. Acabo de releer mi Posible TOP 40 y veo que estoy muy de acuerdo conmigo misma. Agregaría Lourdes, de Jessica Hausner, que vi en la Semana del Cine Europeo y me pareció muy interesante. Sylvie Testud está impresionante. Traten de verla!

9. No creo que pueda subir crónicas diarias de Bafici a este blog. Quienes quieran seguir mis comentarios pueden hacerlo desde Facebook, donde sí estaré actualizando info constantemente.

10. Mañana comienza el BAFICI 12 y tengo la certeza de que conozco un 10% de las películas, actividades, invitados y etcéteras. Estoy abierta a las sorpresas! Voy a tratar de conversar con gente de la industria, para poder sondear por donde pasa el verdadero festival. Un consejo: no compren el Bafici que les venden; descúbranlo ustedes mismos. Sean críticos, exijan como espectadores que la experiencia sea 100% la que esperaban tener. Yo trataré de huir del Abasto, un lugar nada amigable con el cinéfilo, para instalarme en salas como las del Atlas Santa Fé. Fijense que en la grilla figuran muchísimas funciones por día, pero en muchosss cines distintos (más que en otros años!!! se sumaron cines en Belgrano y Caballito).

Recomendaciones BAFICI 12 - Un posible Top 40

2010-03-30T18:02:00.000-07:00

Police, Adjective

1. Los condenados de Isaki Lacuesta (España-Argentina)
2. Go Get Some Rosemary de Josh & Benny Safdie (EEUU)
3. Police, Adjective de Corneliu Porumboiu (Rumania)
4. Los actos cotidianos de Raúl Perrone
5. Los labios de Santiago Loza e Iván Fund
6. El recuento de los daños de Inés de Oliveira Cézar
7. Rompecabezas de Natalia Smirnoff (Arg. / Francia)
8. Los santos sucios de Luis Ortega (Argentina)
9. Antes de Daniel Gimelberg (Argentina)
10. Carcasses de Denis Côté (Canadá)
11. Norteado de Rigoberto Perezcano de (México / España)
12. 36 vues du Pic Saint Loup de Jacques Rivette (Francia / Italia)
13. Border de Harutyun Khachatryan (Armenia/Holanda)
14. The White Ribbon (La cinta blanca) de Michael Haneke (Austria /Alemania / Francia / Italia)
15. Ruhr de James Benning (Alemania)
16. Hadewijch de Bruno Dumont (Francia)
17. Like You Know It All de Sang-soo Hong (Corea del Sur)
18. Reading Book of Blockade de Alexander Sokurov (Rusia)
19. Trash Humpers de Harmony Korine (EEUU / UK)
20. Vapor Trail (Clark) de John Gianvito (EEUU)
21. Viajo porque preciso, volto porque te amo de Marcelo Gomes / Karim Aïnouz (Brasil)
22. Vincere de Marco Bellocchio (Italia / Francia)
23. Visage de Ming-Liang Tsai (Francia/ Taiwán/ Bélgica/ Holanda)
24. Visitors (Jeonju Digital Project 2009) de Sang-soo Hong / Naomi Kawase / Lav Diaz (Corea del Sur / Japón / Filipinas)
25. Yuki y Nina de Hippolyte Girardot / Nobuhiro Suwa (Francia)
26. Two Projects by Frederick Kiesler de Heinz Emigholz (Austria)
27. Constantin and Elena de Andrei Dascalescu (Rumania)
28. Viaje sentimental de Verónica Chen (Argentina)
29. The Agony and the Ecstasy of Phil Spector de Vikram Jayanti (UK / EEUU)
30. The Haunted World of El Superbeasto de Rob Zombie (EEUU)
31. Kinatay de Brillante Mendoza (Filipinas / Francia)
32. El sol de Ayar Blasco (Argentina)
33. Survival in New York de Rosa von Praunheim (Alemania)
34. New York Memories de Rosa von Praunheim (Alemania)
35. Performance de N. Roeg / D. Cammell (Reino Unido)
36. Yo, Duras… de Gustavo Galuppo (2010) Argentina
37. Respite de Harun Farocki (Alemania)
38. Orphans de Dir. varios (Argentina)
39. Grand Opera, an Historical Romance de James Benning (EEUU)
40. Fire & Rain de James Benning (EEUU)

Mis días con Gloria en Pantalla Pinamar

2010-03-22T09:33:00.000-07:00

Pantalla Pinamar 2010

2010-03-21T16:22:00.000-07:00

Pantalla Pinamar 2010 terminó y, además de dejarnos muy buenos recuerdos, nos dejó un puñado de buenas películas. Una vez más, la ajustada organización y el profesionalismo del equipo de prensa encabezado por Martín Eichelbaum y Eloísa Ibarrola, hicieron que la estadía de los periodistas en Pinamar fuera un placer de principio a fin. A todos los que vieron las fotos de cenas, fiestas y paseos en la playa en Facebook, les aclaro que (también) trabajamos mucho. La agenda de actividades comenzaba a las 10 de la mañana con conferencias de prensa hasta pasado el mediodía, y volvía a arrancar a las 15hs con películas en las salas Bahía y Pinamar hasta pasada la medianoche.

Entre las visitas internacionales que tuve oportunidad de ver pasar por el salón del Hotel Reviens, estuvieron Cuca Escribano (actriz de la española Regreso a Hansala); el francés ("de apellido impronunciable", Paraná dixit) Louis Do de Lencquesaing, actor de El padre de mis hijos de Mia Hansen-Love (que estrenará pronto Distribution Company), y la estrella indiscutida del festival: Pablo Pineda (foto), el actor de Yo, también de Alvaro Pastor y Antonio Naharro. El español se dio el lujo de hacer chistes sobre la Concha de Plata al Mejor Actor que le ganó a Ricardo Darín, y dio muestras de una gran lucidez y un humor encantador. Su film cerró la edición 2010 de Pantalla Pinamar. Otras delegaciones internacionales fueron las de las cinematografías invitadas: la griega (cuya fiesta será recordada por mucho tiempo) y la armenia.

El hecho de llegar a Pinamar para la segunda mitad del festival, hizo que me perdiera de algunas películas que tenía muchas ganas de ver, como Vikingo de José Campusano. Pero tuve la oportunidad de ver algunas que resultaron hallazgos, y otras que fueron confirmaciones. Entre las películas nacionales que vi se destaca Aguas verdes, de Mariano de Rosa, que fue estrenada en el Forum de Berlín 2009. Se trata de una comedia que se corre del humor complaciente para explorar un humor agudo y sarcástico. Uno de los grandes aciertos de la película es haber elegido el punto del vista del protagonista (Alejandro Fiore), un hombre obsesivo que emprende unas vacaciones a la playa junto a su familia y comienza a encerrarse en una espiral de paranoia. Con una estética setentosa, esta comedia ácida logra sus mejores momentos en la segunda mitad, cuando uno logra conectar con el juego y el tono que el director propone. Más allá de algunas desprolijidades técnicas, esta película tiene un guión sólido y unas actuaciones destacables. Aguas verdes tiene producción de Rizoma Films, se estrena en cines en abril, y creo que va a tener sus detractores y sus fans.

Una de las confirmaciones dentro del panorama nacional fue El hombre de al lado, de Cohn-Duprat. La vi en el Festival de Mar del Plata, y en Pinamar comprobé que es una película que crea un consenso absoluto entre público y crítica. No me crucé a nadie al que no le gustara. Lo cierto es que esta película es una pequeña joyita, que marca una gran maduración en la dupla de directores después de El artista (como ya lo dije en este blog). El guión, la puesta en escena y las actuaciones son ajustadísimas, y creo que tendrá mucho éxito en su estreno comercial.

Dentro de los films internacionales que vi, Gigante de Adrián Biniez, fue también una confirmación. La película que ganó el premio Alfred Bauer a la innovación en el Festival de Berlín, no sólo no decepcionó sino que me confirmó lo interesante de la movida uruguaya que encarna el grupo creativo alrededor de la productora Control Z. Recordé a Hiroshima, la película de Pablo Stoll que me interesó y que vi en el pasado Festival de Mar del Plata, y encontré puntos en común con ella. De todos modos me parece que Gigante tiene un humor y un ritmo difícil de asimilar para el gran público; creo que tendrá un estreno acotado y un éxito reducido a un pequeño público.

Otros films internacionales que me gustaron fue la exquisita Singularidades de una muchacha rubia, del maestro Manoel de Oliveira (un cuento moral perfecto de 69 minutos); Borders del director armenio Harutyun Khachatryan (una alegoría sobre la masacre de Armenia, de una belleza y ascetismo formal subyugante que se verá en la sección Trayectorias del Bafici), y Regreso a Hansala de la española Chus Gutiérrez (un drama social que intenta devolverle la identidad y la historia a un grupo de africanos muertos en el naufragio de una patera al sur de España).

Una película homenaje que resultó un descubrimiento para mi fue La patota de Daniel Tinayre (1960), protagonizada por Mirtha Legrand. Tiene una fotografía maravillosa, y una puesta de escena y una historia muy osadas para la época. La señora estuvo presente en la proyección, y se emocionó hasta las lágrimas (sin perder la elegancia, claro).

A la hora de los premios, hubo gran consenso acerca de las películas. El pino de oro fue para...El secreto de sus ojos; el pino de plata para Vikingo; y el pino de bronce fue para la apacible, bella, amable, querida y... entrañable (adjetivación á la Morelli) La Tigra, Chaco.

Una nueva edición de Pinamar terminó, pero la realización de la séptima edición ya fue confirmada, en un momento ya clásico de la clausura, por la presidenta del INCAA Liliana Mazure. Según la organización unas 25.000 personas asistieron a las funciones de Pantalla Pinamar, y las distribuidoras argentinas y los servicios culturales de las embajadas -pilares fundamentales del festival- siguen apoyándolo. La organización fue impecable, y la experiencia fue placentera y estimulante. Lo que quizás resta plantearse acerca de Pinamar es cuáles serían los desafíos más ambiciosos a los que pueda lanzarse, dada su propia naturaleza. ¿Cómo llegar a más público? ¿Cómo sumar pantallas? ¿Cómo multiplicar las estéticas? ¿Cómo crecer?. CS

Gracias a Martín Eichelbaum, Eloísa Ibarrola y equipo de prensa; a Giovanni Sacheto por las fotos.

John Berger, bendito seas - Diario de Lectura

2010-02-02T16:46:00.001-08:00

1. 2 de febrero de 2010

No puedo decirte qué hace el arte y cómo lo hace, pero sé que a menudo el arte ha juzgado a los jueces, vengado a los inocentes y enseñado al futuro los sufrimientos del pasado para que nunca se olviden. Sé también que en ese caso, los poderosos le temen al arte, cualquiera sea su forma, y que esa forma de arte corre entre la gente como un rumor y una leyenda porque encuentra un sentido que las atrocidades no encuentran, un sentido que nos une, porque es finalmente inseparable de la justicia. El arte, cuando obra de ese modo, se vuelve un espacio de encuentro de lo invisible, lo irreductible, lo imperecedero, el valor y el honor.

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El nuestro es el siglo del viaje forzado. Se podría ir más lejos y decir que el nuestro es el siglo de las desapariciones. El siglo en que miles de personas han visto a otras personas muy próximas desaparecer en el horizonte, sin poder evitarlo. "Cada vez que decimos adiós", inmortalizado por John Coltrane. Quizás por eso no resulte tan extraño que el arte narrativo propio de este siglo sea el cine.

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El infinito y la superficie de la tela juegan a las escondidas en una sala en la que un cuadro se exhibe. Hablo de eso cuando digo que la pintura colecciona el mundo y lo trae a casa. Puede hacerlo porque sus imágenes son estáticas e inmutables. (...) El cine, porque sus imágenes están en movimiento, nos transporta desde el lugar en que estamos hasta la escena de la acción. (Acción! murmura o grita el director para poner la escena en movimiento). La pintura nos trae a casa. El cine nos lleva a otra parte.

Mi nota sobre Ventana Sur en Film and Festival.com

2010-01-22T16:52:00.000-08:00

Iraqi Short Films de Mauro Andrizzi, por Cynthia Sabat

2010-01-17T05:53:00.000-08:00

Mi entrevista a Calle 13 (2008)

2010-01-12T15:42:00.000-08:00

Por siempre Sandro (1945-2010)

2010-01-10T09:39:00.000-08:00

Mi entrevista a Lila Downs (2009)

2010-01-09T07:19:00.000-08:00

Entrevista a Buika para Cyloop.com (2008)

2010-01-07T08:04:00.000-08:00

Lhasa de Sela (1972-2010)

2010-01-07T05:44:00.000-08:00

El año no comenzó bien. Nos enteramos de la muerte de Lhasa de Sela tres días después, pero ella murió apenas comenzado el 2010: el 1 de enero. Se apagó absurdamente temprano la vida de una de las artistas más sensibles y secretas de la música (algunos aclararán "world music").

Lhasa de Sela murió de cáncer de mama. Una muerte absurda para una mujer que vivía en el primer mundo, en el siglo XXI. Pensé que ya nadie moría a ese edad de eso. ¿Estaría demasiado sola, demasiada lejos de sí, para no cuidarse? ¿Se habrá olvidado de sí toda su corta vida?

Lhasa de Sela fue un perfume, un pájaro demasiado pequeño y frágil que se rompe con sólo rozarlo. Nació en Nueva York, su padre era un escritor mexicano y su madre una fotógrafa estadounidense que la llevaron por caminos errantes durante toda su caótica y bohemia infancia.

La vida le alcanzó para editar tres bellos discos, cantados en francés, inglés y español:

La llorona (1998, WEA)

The living road (2003, Nettwerk)

Lhasa (2009, Nettwerk)

Es inútil tratar de traducir en palabras la esencia de su arte. Me doy por vencida. No hay mejor homenaje y regalo de la vida que escucharla. Un beso y un abrazo que lleguen hasta el cielo para Lhasa.

Calendario 2010 y brindis del Museo del Cine

2009-12-28T07:03:00.000-08:00

Como ya es tradición, el año de la industria del cine terminó con el Brindis del Museo del Cine en Cinecolor. Es la primera vez que me invitan, así que no puedo comparar con otros años, pero puedo decir que estaba todo-el-mundo, o casi. Paula Felix Didier y otras autoridades del Museo tomaron el micrófono para hablar de la difícil situación por la que pasan, y lo importante que es contar con el apoyo y el aporte de la industria. Es fácil imaginar que un Museo del Cine ni siquiera figure en la agenda de los gobernantes de turno.

La importancia del Museo del Cine tomó gran relevancia el año pasado cuando su nombre saltó a las páginas de los grandes medios internacionales especializados en cine, como la institución responsable de haber rescatado una copia de Metrópolis con fragmentos que estaban desaparecidos. Este año el Museo editó la caja de DVDs Mosaico Criollo, una edición que rescata el cine argentino mudo, en un esfuerzo muy loable ya que la institución cuenta con pocos recursos.

El calendario 2010 cuenta en su tapa con un fotograma de LA película del año: El secreto de sus ojos. Estuvieron presentes Ricardo Darín, Guillermo Francella y Mónica Villa para presentarlo y apoyar al Museo.

Mientras degustaba el escaso catering (hay que decirlo... sería bueno que Cinecolor lo mejore para el año que viene, porque deslució al evento), conversé con muchos directores, periodistas y jefes de prensa de películas. La sensación era la misma: más allá de que El secreto de tus ojos haya alcanzado una cifra record de espectadores en la historia del cine argentino, y se haya convertido en el "caballito de batalla" del INCAA, la realidad es que el resto de los films nacionales estrenados este año han tenido una performance lamentable. Películas estrenadas en 2 salas que han hecho 2.000 espectadores; otras estrenadas en 19 salas que han hecho alrededor de 15.000. ¿Qué pasa en la industria, para que exista esta brecha tan grande? ¿Cuál es el eslabón de la cadena que falla? ¿Es bueno alentar la producción de films que llegarán a las 2 semanas en cartel, como máximo?

Me parece que las autoridades del INCAA junto a las cámaras que representan a los productores, exhibidores y distribuidores tienen un desafío para el 2010: encontrar una solución para este terrible problema, y no esperar que el Malba y el circuito alternativo se hagan cargo del cine que los exhibidores más importantes se niegan a exhibir.

Gracias a Pablo de Vita.

Elogio de la independencia: Farsa Producciones

2009-12-21T12:25:00.000-08:00

El año que se va (2009) quedará en la historia no oficial del cine argentino como el año en que Farsa Producciones, colectivo creativo y productora independiente que no para de crecer y producir, estrenó tres largometrajes: 100% lucha, el amo de los clones (dirigida por Pablo Parés y Paulo Soria); Kapanga todoterreno (con dirección de Pablo Parés, Paulo Soria y Hernán Saez sobre una idea de Kapanga) y Nunca más asistas a este tipo de fiestas, secuela de su film de 2000 Nunca asistas a este tipo de fiestas.

El fenómeno de Farsa es un caso que merece un estudio. Los orígenes de Farsa se remontan al conurbano bonaerense, donde un grupo de chicos inquietos (Pablo, Hernán, Berta, Paulo y Walter) de Haedo y Ramos Mejía comenzaron a juntarse a hacer películas de zombies en las calles de sus barrios. Era el año 1997, y los futuros farsas no le daban descanso a la cámara VHS ni a la ropa en harapos ni a la sangre falsa. Su primer largo, Plaga Zombie (1997), se convirtió en un film de culto y trascendió las fronteras para convertirse en un fenómeno internacional junto a su secuela Plaga Zombie Zona Mutante (2001).

Lo que encontramos en los films de Farsa desde sus primeros cortos a esta parte, es una cinefilia rabiosa, un pulso preciso para la parodia y el horror, un conocimiento profundo de los códigos que caracterizan a cada género cinematográfico, y una identidad clara que se reafirma en cada una de sus producciones.

Como de algo había que vivir, los farsas encontraron una veta interesante en la producción de videoclips de bandas, y les fue tan bien que impusieron su estética y se convirtieron en una verdadera factoría. Mientras tanto, siguieron produciendo y creando sin esperar un crédito del INCAA ni detenerse a quejarse de la terrible pesadilla por la que debe pasar un director de cine indie para estrenar un film. La consagración llegó con Filmatron (2007): su exhibición en la competencia argentina del BAFICI, el Premio del Público y el posterior estreno en el Malba, fueron conquistas que Farsa ganó para sí y para el cine independiente.

Tuve oportunidad de ver Nunca más asistas a este tipo de fiestas y Kapanga Todoterreno en un lapso de pocos días. Farsa vuelve a demostrar que el cine independiente no tiene por qué ser sinónimo de baja calidad técnica, y que "las buenas intensiones" no tienen que justificar una mala película por haber sido producida de forma independiente. La alta calidad técnica y la precisión narrativa se conjugan con la pasión y el desenfado más desprejuiciado, en estos films que suben el listón de calidad del cine independiente argentino, incluso de aquel que producen escuelas de cine como la FUC o la ENERC.

Los films de Farsa parecen hacer realidad esa utopía del cine independiente de ser masivo, de llegar al público y conquistarlo, en definitiva, salir del ghetto.

Nunca más asistas a este tipo de fiestas vuelve al escenario de su antecesora, Nunca asistas a este tipo de fiestas (2000), esta vez para mostrar el choque fatal de dos fuerzas opuestas: un equipo de TV y dos militantes por los derechos humanos por un lado, y Fito Santoro (el niño de la primera que creció, y ahora interpreta Berta Muñiz) y su psicoanalista (Sebastián de Caro), que llegan a la casa de Cascallares donde se produjo la masacre en busca del cuerpo de Miguel Monforte (!!!). El delirio, los gags, la acción, el absurdo se conjugan con los años de plomo de la dictadura y el ataque a las Torres Gemelas, en una película que no da respiro y donde brota mucha sangre.

Kapanga todoterreno es una película que ya otros colegas han definido como "una mezcla de Anochecer de un día agitado con Todo por $2". La trama es más o menos esta: un grupo de albañiles que trabaja a desgano en una obra en construcción decide presentarse a un concurso de bandas para convertirse en músicos, pero terminan midiendo talento con los Daft Punk en un concurso de asados. La película es un musical donde los integrantes de Kapanga se lucen como actores cómicos, donde las referencias cinéfilas abundan (El exorcista, la saga de James Bond, eXistenZ, etc.) y donde aparecen (y brillan) en roles secundarios Pablo Echarri, Pablo Lescano, Alejandro Nagy, Sr. Flavio y y el querido Pedemonti (Dr. Diango). En Kapanga Todoterreno se combinan mitos bíblicos y griegos; la estética de los videojuegos de los 80s con videoclips de la banda, todo al mismo nivel y.... ¡todo por 2 pesos!. Este film está destinado a abrir una puerta para que otras bandas se animen a vivir su propia aventura.

Estuve (junto a mi amiga Flor Gasparini Rey) con los chicos de Farsa para felicitarlos por sus logros, y alentarlos a que sigan adelante. Recordamos juntos que yo estuve en la primera proyección de Nunca asistas a este tipo de fiestas en el Festival Cinencuadre de Mar del Plata en 2000, un festival pionero dirigido por... Miguel Monforte.

Sus films ya tienen un lugar en el circuito independiente y cada vez van a llegar a más gente, que engrosará las filas de su club de fans. Además, una buena noticia: sus películas están siendo editadas en DVD por el sello ultraindie Videoflims, que hace posible que sus producciones (además de las de Paura Flics, las de Néstor Frenkel y muchas otras), lleguen a su público en cajitas.

Farsa Producciones
http://www.farsaproducciones.com.ar/

Gracias a Ludovico y Matías Orta por las fotos!

Balance del Festival In Edit 02

2009-12-21T10:42:00.000-08:00

La segunda edición del Festival In-Edit Cinzano Argentina que se desarrolló del 10 al 14 de diciembre en los cines Atlas Santa Fe y Atlas Recoleta de Buenos Aires, nos dejó un par de buenas películas, algunas decepciones, y la sensación de que a pesar de la importante campaña publicitaria, no muchos se enteraron del evento.

Quizás pueda atribuirse a la fecha, en la que todo el mundo está enloquecido con exámenes finales o compras navideñas, o a la crisis económica (las entradas valían $12, un precio alto para proyecciones en el marco de un festival de cine, donde se supone que uno va a ver por lo menos 5 o 6 films), pero la falta de público fue bastante notoria. Las salas elegidas son enormes, por lo que algunas funciones brindaron un paisaje desolador.

De todas formas, podemos decir que hubo cosas muy interesantes y algunos desaciertos en su programación y en su producción. El comienzo no fue muy alentador: la película elegida para la apertura, Who killed Nancy?, es un documental aburrido que utiliza recursos berretas para reconstruir la misteriosa muerte de la novia de Sid. Aunque la temática era interesante, este film deja mucho que desear en su factura y en su concepción. Para muestra, un detalle: no se escucha un solo tema de los Sex Pistols ni de Sid Vicious en todo el film.

Entre la programación también encontré perlas como Soundtrack of a revolution (2009), que recorre la historia de la lucha de los derechos de los negros en USA a través de sus canciones emblemáticas (e incluye impresionante material de archivo, y temas interpretados por Joss Stone, The roots, Johnny Legend, etc.); Favela on Blast (2008) co-dirigida por el DJ star DIPLO, que recorre las favelas de Río en busca de su música y sus DJs; Bananaz (2008), sobre Gorillaz y el proceso creativo de sus discos y performance en vivo, y Madness: The liberty of Norton Folgate (2009), dirigido por nuestro amigo Julien Temple, un frenético viaje visual y sonoro que retrata un espectáculo brindado por la banda inglesa en 2008. Otros dos films para remarcar son la delirante nac & pop Kapanga todoterreno (2009), y The posters came from the wall (2007), sobre el fanatismo que despierta Depeche Mode en todo el mundo.

Me quedé sin ver la de Kerouac y Beyond Ipanema (ambas con muy buenos comentarios de mis colegas); y me desilusioné con la muy televisiva y superficial Fiebre Stone y con Miranda directo!, registro de un show de la banda de Ale Sergi que repite recursos y efectos y se olvida de los fans. Una pena.

Y la ganadora de la competencia argentina fue... Surdesarrollo Capítulo 1 de José María Lartirigoyen. ¿Como definirla? No es un documental, más bien es un musical que toma como excusa una casona antigua donde una elite especialmente (y caprichosamente) recortada del indie pop y rock argento se da cita para tocar un par de temas. Ellos son Onda Vaga, El mató a un policía motorizado, Los peyotes y Prietto viaja al cosmos con Mariano. También podríamos definirla como una Mono (film de Andrizzi, programador del festival, y Goldrob, de similar propuesta), de estética más minimalista. El propio director confesó en una función que es un film sin pretensiones, muy pequeño. Y así es. Pero el jurado encargado de elegir la mejor peli argenta de este fest se quedó con ella, quizás más por afinidad musical que por premiar en un documental el riesgo, la producción, la mirada, etc.

Un año más de In Edit en el que me crucé con amigos y compartí tragos y buenos momentos.

www.in-editcinzano.com.ar

Futuras películas preferidas del 2010

2009-12-14T08:21:00.000-08:00

COMING ATTRACTIONS
Estuvimos presentes en la 24º edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Fuimos, vimos y elegimos las películas que dejaron su marca, y que vale la pena esperar. Aquí un avance de las películas que nos harán felices (pronto).

Antichrist de Lars Von Trier (Dinamarca, Alemania, Francia, 2009)
El enfant terrible del cine contemporáneo se supera a sí mismo con cada nueva película. Para muestra basta este cuentito de terror hogareño, con sexo explícito, un zorro parlante, y la muerte de un niño ad hoc. Charlotte Gainsbourg deja todo en pantalla, y Willen Dafoe no se queda atrás. Para tomar o dejar.

Moon de Duncan Jones (UK, 2009)
Sci-fi de exquisita confección, con un guión impecable y doble dosis del gran Sam Rockwell en el papel de Sam y su clon, un astronauta solo en la cara oscura de la luna, que sueña con volver a casa. Con elegante banda de sonido a cargo de Clint Mansell. Duncan es el hijo de David Bowie, pero brilla con luz propia.

Life during wartime de Todd Solondz (USA, 2009)
Mientras gran parte del cine independiente americano pierde el rumbo, Solondz sigue fiel a su estilo impiadoso, y en cada uno de sus films va por más. Este drama con toques de humor negro continúa la historia de las hermanas de Felicidad, y pone el foco en una familia marcada por un padre pedófilo que intenta (pero no puede) superar el trauma. La aparición de Charlotte Rampling es de lo mejor del film.

Nanayo de Naomi Kawase (Japón, Francia, 2009)
La gran realizadora japonesa detrás de Shara y El secreto del bosque, cuenta la historia de una mujer que viaja a Tailandia y encuentra por casualidad una nueva familia que le revela el poder de lo sagrado. Bella, luminosa, sutil. Con la actuación de Gregoire Colin, y un plano final memorable.

Unmade beds de Alexis Dos Santos (UK, 2009)
El director argentino que vive en Londres, y se hizo conocido aquí por su encantadora opera prima Glue (donde brillaban unos jovencísimos Nahuel Pérez Biscayart, Inés Efrón y Nahuel Viale), cuenta una historia de dos adolescentes solos y tristes que insisten en buscar el amor. Estilizada y melancólica, con soundtrack memorable que incluye a Tindersticks, Daniel Johnston y perlas desconocidas de la escena under londinense.

Yuki & Nina de Nobuhiro Suwa & Hippolyte Girardot (Francia, 2009)
Un díptico embriagador: en la primera parte, los padres de Yuki (un matrimonio franco-japonés que vive en París) decide separarse, y la madre planea llevarla a vivir a Japón; en la segunda, Yuki se interna en un bosque y llega a un lugar inesperado. El conflicto entre occidente y oriente, muy caro al cine de Suwa, se combina con cierto aire kawaseano, casi fantástico, donde las emociones están a flor de piel.

Nota publicada en la revista Babia Dic-Ene 2010.

Seminarios 2009 y opiniones de alumnos

2009-12-10T14:48:00.000-08:00

Entrevista a Michael Shapiro en el Festival de Mar del Plata

2009-12-10T10:58:00.000-08:00

Estrenos y recomendaciones en DVD : Rosetta, Home y Frozen River

2009-12-08T18:03:00.000-08:00

De la guerra
Rosetta de Jean-Pierre y Luc DardenneFrancia-Bélgica, (1999)

Algo así como la “justicia cinematográfica” (si eso existiera) viene a cumplirse con el estreno en cines de Rosetta. Diez años pasaron desde su producción, y una década también desde que ganara la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Diez años que no hicieron sino intensificar su sentido, recrudecer sus imágenes. Émilie Dequenne (quien ganó la Palma de Oro como Mejor Actriz) es Rosetta, una chica que vive en un camping con su madre alcohólica, y que está dispuesta a hacer lo que sea por un trabajo. El rostro de Rosetta es el rostro de la soledad, de la desesperación. Hace tiempo que perdió la inocencia, arrojada a vivir en un mundo que no la contiene. Rosetta sale a buscar un trabajo como si fuera a la guerra. Se ha hecho fuerte a fuerza de golpes. Ni siquiera una amistad a punto de nacer podrá detenerla. Jean-Pierre y Luc Dardenne, dos veces ganadores de la Palma de Oro (la otra fue con El niño, en 2005) lograron sintetizar en Rosetta (quizás mejor que en sus otras películas) ese oscuro mundo que la burguesía europea esconde bajo la alfombra: el de los marginados, el de los jóvenes sin futuro, y el de los inmigrantes que viven refugiados del hambre en los suburbios. Hay algo de la Mouchette de Robert Bresson en Rosetta: las dos están solas y cargan sobre sus hombros un peso demasiado pesado para su edad. Ninguna de las dos habla mucho. Las dos intentan quitarse la vida. Y un solo intento no les alcanza. La desesperación de Rosetta por sobrevivir es también la de Lorna; el silencio de Rosetta es también el de Lorna.

HOME, de Ursula MeierSuiza, Francia, Bélgica, 2008
Lanzamiento en DVD por Transeuropa

Si toda familia, por definición, es disfuncional, esta familia lo es mucho más. Marthe y Michel viven con sus tres hijos en una casa en medio del campo, al borde de una autopista a medio construir que nunca se inauguró. Un día llega un camión con obreros, y la estabilidad emocional de la familia sufre un sacudón. El tránsito y el ruido comienzan a crecer, y la familia empieza un proceso de alienación que culmina cuando tapan puertas y ventanas y deciden vivir encerrados. La fotografía de Agnes Godard es exquisita; Isabelle Huppert y Olivier Gourmet están memorables, y la banda de sonido incluye Wild is the Wind de Nina Simone.

RIO CONGELADO, de Courtney Hunt, USA, 2008
Lanzamiento en DVD por Sony

Dentro del desparejo panorama del reciente cine independiente norteamericano, hay algunas películas que se destacan por su potencia y economía de recursos. Esta es una de ellas. Río congelado cuenta la historia de Ray Eddy, una mujer abandonada por su marido que lucha para mantener y criar como puede a sus dos hijos, y Lila, una joven india mohawk que vive en una casa rodante, y sobrevive haciendo trabajos ilegales. Aunque entre las dos hay una rivalidad racial, Ray termina trabajando como socia de Lila, transportando en su auto a inmigrantes ilegales de noche, a través de un río congelado. La inquietante atmósfera llena de suspenso, y la ambigua relación entre las dos mujeres, son los hallazgos de este pequeño film indie que ganó el Premio Especial del Jurado en Sundance, y que aquí fue directo a DVD, sin pasar por los cines.

Nota publicada en la Revista Babia Dic-Enero 2010.

A Mar del Plata en alpargatas

2009-12-06T17:32:00.000-08:00

A Mar del Plata en alpargatas
Reflexiones sobre un festival de cine en peligro de extinción
por Cynthia Sabat

Mar del Plata es una ciudad extraña, donde conviven lo bello y lo bizarro. La imponente arquitectura de la Rambla, del Casino y del resucitado Hotel Provincial contrasta violentamente con las señoras pasadas de sol y kilos buscando almejas, o la feria de productos ilegales que se instaló a pasos de la Bristol, y que no tiene nada que envidiarle a La Salada. El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, aquel que en los años 50s nació como una glamorosa muestra de cine, refleja de alguna manera esta curiosa naturaleza. Algunos recuerdan todavía la Era Maharbiz, cuya impronta menemista tuvo al despilfarro como insignia, y a Gérard Depardieu, Gina Lollobrigida y Maria Grazia Cucinotta como estrellas invitadas, a un precio demasiado alto. Pero también exquisitos directores de bajo perfil pasaron por Mar del Plata; basta nombrar a un Abbas Kiarostami, a un Olivier Assayas, a un Volker Schlöndorff, o a un Bruno Dumont. Incluso Abel Ferrara, Michael Winterbotton, Juliette Binoche, Susan Sarandon y Tim Robbins coincidieron en 2006, en una misma (memorable) edición.

La 24º edición del festival, que se realizó del 7 al 15 de noviembre, dejó en claro que hoy el evento está muy lejos de esa imagen glamorosa e internacional. El cambio de rumbo no se dio de un día para otro, pero es inevitable pensar que Mar del Plata se encuentra en un momento decisivo de su historia: debe encontrar su propio perfil dentro del nuevo panorama de festivales locales (con Bafici y el flamante mercado Ventana Sur en alza). De otro modo quedaría expuesto a su posible desaparición.

La austeridad fue el signo de la última edición. Podría decirse que Mar del Plata se achicó para sobrevivir. Las razones son económicas y políticas, pero sobretodo políticas. No era difícil imaginar que la crisis internacional y la desventaja del peso frente al euro y al dólar, haría muy difícil la realización de un evento de la talla de Mar del Plata. Pero la decisión política del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales) de acotar su apoyo económico a la Muestra, y sumar a los gobiernos provinciales y municipales como socios, ya estaba tomada desde el año pasado, cuando su Presidenta, Liliana Mazure, lo anunció en conferencia de prensa al finalizar la 23º edición.

Mar del Plata tomó algunas decisiones para no morir en el intento: redujo su staff de programadores; acotó la selección de películas (a 220, entre largos y cortos); redujo la duración del festival (tuvo dos días menos), y eliminó el tradicional Diario del festival. Además redujo al mínimo la cantidad de invitados internacionales, y (en un gesto muy objetable) eliminó la fiesta de apertura y cierre, e incluso la película de clausura anunciada (Taking Woodstock, de Ang Lee).

¿Cuál es el peligro de esta reducción radical? El Festival de Cine de Mar del Plata es un festival Categoría A, calificación que otorga la FIAPF, (la entidad internacional que regula los festivales de cine), y que lo emparenta a eventos del calibre de Cannes, Berlín, Venecia y San Sebastián. Mar del Plata es el único festival Clase A de la región, pero podría perder esa calificación si no cumple ciertos requisitos.

Frente al difícil panorama, el director del festival, José Martínez Suárez, aportó su inteligencia, su gusto y su carácter para remontar la edición y resolver el ajuste con ideas. La elección de la película de apertura, A serious man, lo nuevo de los Hermanos Coen, fue sin dudas uno de los aciertos. Pero varias secciones tuvieron como eje el cine masivo, en desmedro del cine hermético, radical y experimental, ese que suelen buscar los cinéfilos de la rama dura. Secciones como A sala llena (que concentró al cine nacional más taquillero, con la infaltable El secreto de sus ojos de Juan José Campanella) estuvieron destinadas a agotar funciones y a acercar a un público menos festivaleros al evento. Además la sección 3D reunió a películas como Up, Bolt y Boogie el aceitoso en una flamante sala digital 3D.

¿Qué nos quedó a los cinéfilos que año a año vamos a buscar descubrimientos, perlas, hallazgos? A algunos, el perfil del festival nos hizo extrañar tiempos pasados y no muy lejanos, en los que la sección Heterodoxia, Cerca de lo oscuro, e incluso Ventana documental nos deparaba rarezas, films radicales e independientes, que no tendrían ni por asomo un estreno comercial. Este año el porcentaje de films que ya contaban con distribución asegurada en la Argentina fue considerablemente mayor.

Mar del Plata cumplirá en 2010, año del Bicentenario, sus 25 años, sus Bodas de Plata. ¿Cuál es el futuro que le espera? Es difícil decirlo hoy, pero lo que sí es cierto, es que este Festival cuenta con una historia de 60 años en los que al igual que el país sufrió todo tipo de vaivenes políticos y económicos, de los que hasta hoy logró sobrevivir. Si desaparece, desaparecerá con él una parte importante de nuestra historia cultural, y habremos dado un paso más en arrojar al olvido la Historia. Parece contradictorio temer su desaparición justamente en el año del Bicentenario. Pero Mar del Plata ha perdido todo interés de la industria del cine y, más peligroso aún para su destino, es que ha perdido todo interés institucional y político por parte del gobierno, que durante años lo consideró una plataforma de anuncios estratégica y un bastión cultural de gran importancia. Ayer nomás la Presidenta Cristina Kirchner se hacía presente en el Festival para premiar la trayectoria de figuras emblemáticas como Pino Solanas, Gustavo Santaolalla y Leonardo Favio.

Escuela de cine para algunos, evento decadente y poco fashion para otros, Mar del Plata tiene en sus manos (¿o no?) su propio destino. Algunos esperamos que lo encuentre, para volver otra vez a La feliz en busca de buenas dosis de cine. Aunque sea en alpargatas.

Nota publicada en www.fonoscopio.com.ar

Balance 24º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en Film and Festivals

2009-12-05T06:25:00.000-08:00

Mar del Plata se achica para seguir brillando
por Cynthia Sabat

Los festivales de cine y el mar parecen tener una secreta relación de afinidad. El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata tiene como sede a una de los más bellos destinos turísticos de la Argentina, distante a 400 kilómetros de la ciudad capital, Buenos Aires. Sus extensas playas invitan a largas caminatas, en esta época en la que el verano no tardará en llegar.

El festival es el único calificado por la FIAPF como Clase A en América Latina, y sus orígenes se remontan a mediados de la década del 50, cuando nació como una glamorosa muestra de cine. Su historia está íntimamente unida a los devenires políticos, económicos y sociales de un país con constantes altibajos.

La 24º edición del Festival de Mar del Plata no fue ajena a esta complicada historia. Este año sus organizadores tuvieron el desafío de brindar un interesante panorama cinematográfico, contando con limitados recursos. La austeridad fue el signo de esta edición que, afectada por la crisis internacional y la desventaja económica del peso, puso el énfasis en la programación y redujo drásticamente la cantidad de invitados internacionales.

A pesar de contar con una selección de films de realizadores consagrados (lo nuevo de Francois Ozon, Elia Suleiman, Jacques Audiard, Naomi Kawase, Todd Solondz, Jacques Rivette, y Bong Joon Ho, entre otros), el festival apostó por su selección de cine latinoamericano y argentino. Tras la proyección de A serious man de Joel y Ethan Coen, este festival eminentemente popular comenzó a desarrollarse e intentó satisfacer como cada año a un público conformado más por cinéfilos y estudiantes de cine (Argentina tiene una cantidad inédita de escuelas de cine), que por representantes de la industria.

Los fuertes ajustes realizados en el festival tuvieron sus ventajas y sus desventajas, aunque las desventajas fueron mucho más notorias para quienes conocen de cerca el festival. Este año el evento duró dos días menos (nueve días en vez de los tradicionales once), contó con menos salas de proyección y con la mitad de películas que en años anteriores (unas 220, entre cortos y largometrajes). El cambio de política del INCAA, el ente estatal que regula a la industria cinematográfica, obligó al festival a reclutar como nuevos socios a los gobiernos provinciales y municipales, para no desaparecer.

Es bastante llamativo que el INCAA haya restado apoyo a un evento tan tradicional y, al mismo tiempo, haya decidido apostar fuerte y embarcarse en la organización, junto al Marché Du Film del Festival de Cannes, de Ventana Sur, el primer encuentro dirigido al mercado profesional cinematográfico de América Latina, del 27 al 30 de noviembre en Buenos Aires.

Sin embargo, Mar del Plata ofreció una buena experiencia cinematográfica. Este año se sumó una sala 3D; los cines volvieron a estar llenos, y el ajuste redundó en una organización con menos imprevistos. Sus tres competencias (la internacional, la latinoamericana y la argentina) presentaron un buen nivel de films, así como las actividades especiales, entre las que se destacaron un Seminario de trailers dictado por el gurú Michael Shapiro (también miembro del jurado), y un Taller de Marionetas dictado por John Kennedy, colaborador de Jim Henson, el genio de los Muppets.

El premio mayor, el Astor de Oro, quedó en América Latina. La mexicana Cinco días sin Nora, opera prima de Mariana Chenillo, fue la ganadora de la Competencia Internacional. El palestino Elia Suleiman resultó ganador como Mejor Director por The time that remains, y V.O.S, del español Cesc Gay, obtuvo el premio al Mejor Guión. El jurado decidió entregar un premio especial al elenco del film cubano El cuerno de la abundancia, de Juan Carlos Tabío. Allison Janney (actriz de Life during wartime de Todd Solondz) y Gary Piquer (actor de Mal día para pescar, del uruguayo Alvaro Brechner), se llevaron los premios a la mejor actuación.
La ganadora de la competencia latinoamericana fue La hora de la siesta, el film argentino dirigido por Sofía Mora, y la competencia dedicada al cine nacional tuvo dos ganadores: El hombre de al lado, dirigido por Gastón Duprat y Mariano Cohn, y TL-2 La felicidad es una leyenda urbana, de Tetsuo Lumière.

Aunque no se llevó más que una mención del jurado internacional, la argentina Vikingo de José Celestino Campusano, fue el film más polémico del festival. Su retrato de la marginalidad a través de la vida de un grupo de motoqueros despertó tanto odios como amores, y se llevó nada menos que el Premio FIPRESCI, uno de los premios no oficiales más importantes.

Mar del Plata Film Festivalwww.mardelplatafilmfest.com

Agradecimientos: Mar del Plata Film Fest Press Office and Florencia Gasparini Rey

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Mar del Plata: smaller but still shining
By Cynthia Sabat

Film festivals and sea seem to have a secret relationship of affinity. Mar del Plata International Film Fest takes place in one of the most beautiful touristic destinies of Argentina, 400 kilometers far from the Capital City, Buenos Aires. Its wide beaches are special for long treks, at this time of the year when summer is about to come.

The Festival is the only qualified by FIAPF with Category A in Latin America, and its origins come from the mid 50s, when it appeared as a glamourous film event. Its history is very closed to economical, political and social crisis of a country which is in continuous ups and downs.
The 24° edition of Mar del Plata International Film Fest wasn’t far from these problems. This year, its organizers took the challenge of giving an interesting cinematographic offer with limited resources. Austerity signed this edition that was affected by the international crisis and the economical disadvantages of “peso”, but emphasized on the programming and reduced drastically the number of international visits.

Despite of having a selection of films from world prestigious auteurs (the new films of Francois Ozon, Elia Suleiman, Jacques Audiard, Naomi Kawase, Todd Solondz, Jacques Rivette, Bong Joon Ho, and more) the festival chose to do a special selection of Latin American and Argentine films. After the screening of A Serious Man, by Joel and Ethan Coen, this popular festival started to develop and tried to satisfy its every year audience, mainly composed by movie fans and films students (Argentina has a huge number of film colleges), more than members of the industry.

The strong economic adjustments made on the festival had its advantages and disadvantages, though the disadvantages were much more notorious for those who know the festival closely. This year the event had two days less (nine days instead of the traditional eleven), less screens and a half of movies comparing to other editions (almost 220, in movies and shorts). The changes in the politics of INCAA, the state entity that rules the cinematographic industry, forced the festival to recruit the provincial and local government of Mar del Plata as economic associates, in order not to disappear.

It is quite alarming that INCAA had removed its support to such a traditional event, and at the same time, it had decided to make a strong bet at organizing –in association with Marché du Film, from Cannes Film Festival- Ventana Sur, the first encounter for professional cinematographic market of Latin America, which will take place from 27 – 30 November, in Buenos Aires.

Nevertheless, Mar del Plata offered a good cinematographic experience. This year added a 3D screen, cinemas were full again and the adjustments made an organization with less unforeseen. Its three competitions (International, Latin American and Argentine) showed a good level of films, so did the special activities, where the most remarkable were a Trailer Seminary, by the “guru” Michael Shapiro (also member of the jury) and a Master Class of John Kennedy –Jim Henson’s collaborator- who teached the audience how to make its own puppets.

The main award –Golden Astor- remained in Latin America. The Mexican film Cinco días sin Nora (Nora’s Will), the first work of Mariana Chenillo, was the winner of the International Competition. The Palestine Elia Suleiman won as Best Director, for its film The time that remains, and V.O.S., from the Spanish filmmaker Cesc Gay, won as Best Script. The jury decided to give a special award to the cast of the Cuban film El cuerno de la abundancia (The horn of plenty), directed by Juan Carlos Tabío. Allison Janey (from Todd Solondz’s film Life during wartime) and Gary Piquer (from Mal día para pescar, by the Uruguayan filmmaker Alvaro Brechner) were awarded as Best Actors.

The winner of the Latin American Competition was La hora de la siesta (Siesta), the Argentine film directed by Sofía Mora, and the Argentine Competition had two winners: El hombre de al lado (The man next door) directed by Mariano Cohn and Gastón Duprat, and TL-2: La felicidad es una leyenda urbana (TL-2: Happiness is a urban legend), by Tetsuo Lumiere.

Though it only won a special mention from the international jury, the Argentine film Vikingo (Viking), by José Celestino Campusano, was the most controversial film of the festival. Its portrait of marginal life through a group of motorcycle men generated lovers and haters and was awarded with the FIPRESCI prize, one of the most important non-official awards.

Special thanks to: Mar del Plata Film Fest Press Office and Florencia Gasparini Rey.

Film and Festivals - Issue 18, Dic. 2009

www.filmandfestivals.com

Balance 24º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

2009-12-01T10:23:00.001-08:00

Me tomé unos cuantos días para pensar este balance, mientras caminaba los pasillos del Harrods, intentando entender de qué iba Ventana Sur. Creo que fue bueno dejar pasar un tiempo, porque las emociones se ordenan y uno puede ver más claramente lo que pasó. Aquí van algunas ideas.

- Es indiscutible que el Festival de Mar del Plata está en un momento clave de su historia. La sensación es que el achicamiento que sufrió en esta 24º edición no respondió solamente a motivos económicos, sino (y fundamentalmente) a una decisión política. Es claro que ha perdido todo interés para la industria del cine (interés que se concentra en Ventana Sur y Bafici), y que su perfil es hoy el de un festival popular, que reune a cinéfilos pero que ha perdido todo nervio, todo glamour, y sobre todo, todo interés institucional. Pensemos que el año pasado la mismísima Presidenta estuvo en el escenario entregando un premio a Leonardo Favio... ¿cómo puede ser que en un año se haya perdido el interés en apoyarlo? Así es la Argentina. Quizás, aunque suene duro, el festival ya no sea funcional a ningún funcionario de turno. El problema es que Mar del Plata tiene una historia riquísima detrás, y que esto quizás demuestra cierta impotencia del INCAA, que en vez de pensar ideas creativas de acuerdo al escenario que plantea el cine actual, le suelta la mano y prefiere empezar otros proyectos desde cero.

-La selección de películas (220, entre cortos y largos) fue extraña. Si tenemos en cuenta los programas de trailers, la curiosa (¿para qué sirvió?) sección A sala llena, el programa de pelis de los Muppets, la sección Omisiones de la academia, etc...el espacio para los descubrimientos cinéfilos fue casi nulo. Yo particularmente extrañé la sección Heterodoxia (programada por Mauro Andrizzi), los descubrimientos de Cerca de lo oscuro (de Mariano Goldrob), y los documentales radicales de la era Mazzola. Creo que el criterio fue el de un cine doméstico, lejos de lo radical, de lo perturbador y de lo híbrido. Acordémonos que en un momento se lo acusó al Festival de Mar del Plata de "querer parecerse al Bafici". Hoy esa idea parece impensable. Nunca Mar del Plata se alejó tanto del Bafici. ¿Motivos? Cambio de programadores, que vienen con un interesante background, pero un estilo muy diferente. Y también el gusto de un director como José Martínez Suárez, cuyo gusto tiende al cine clásico. No se puede objetar, sin embargo, su buen tacto para elegir A serious man de los Hnos. Coen como película de apertura.

- Muchos periodistas históricos que hace años que lo cubren, no pudieron viajar a Mar del Plata. El recorte se hizo sentir. Faltaban caras familiares, caras de gente que trabaja cubriendo el festival para sus radios o sitios webs. Esa es una pena, porque uno siente que la trayectoria no sirve para nada, cuando cambian los equipos de trabajo. Cuando mandé el pedido de acreditación, me contestaron que me la otorgaban pero sin alojamiento ni pasajes. Mi editor tuvo que interceder por mí, y mandar un mail a Colombo. Finalmente conseguí pasajes y alojamiento por 4 días (al final me ofrecieron ir todo el festival, pero no podía por motivos laborales), pero mi pregunta es: ¿por qué esa arbitrariedad en la oficina de prensa? El trabajo de la oficina del festival, desde mi experiencia personal, fue muy superior en otras épocas, como la de Bucky Butcovic. El año pasado me tocó trabajar como redactora de la sala de prensa, y el trabajo era enorme. Este año no se generaron fichas técnicas, y muy poco material extra para los periodistas presentes. Fue todo un problema tener acceso a entrevistas y fotos del dia, ya que en vez de contratar al sitio Image.net (como todos los años), se utilizó un sitio alemán (!!!), donde los links a las carpetas de fotos no funcionaban. En resumen: no fue fácil trabajar como periodista en la última edición de Mar del Plata. Sin desmerecer el empeño que ponían algunos en solucionar problemas (Gabys, Sebastián, Matías) el servicio fue muy acotado, quizás por la falta de recursos, o quizás por la falta de experiencia de la oficina en eventos de la embergadura de este festival (de cine, no de espectáculos).

- El aspecto protocolar fue bastante bochornoso. El hecho de eliminar la fiesta de apertura y cierre, y reemplazarlo por empanadas y vino (ambos horribles) en el Foyer del Auditorium fue un papelón. ¿Cómo lo habrán tomado los invitados extranjeros, a los que le deben haber dicho que este era un festival Clase A? ¿Hacía falta desmerecer así el protocolo? ¿Por qué se anuló la película de cierre, Taking Woodstock? Este es un aspecto en el que Mar del Plata restó muchos puntos.

- Los premios fueron muy pertinentes al perfil del festival. La ganadora, Cinco días sin Nora, es un film clásico, una comedia negra costumbrista, con bastantes estereotipos (el ex marido intelectual, gruñón y ateo, etc etc). Convengamos que Mar del Plata difícilmente caiga en premiar el riesgo, las estéticas arriesgadas. Por otro lado Vikingo, película de Campusano que no vi aún, se llevó el Premio Fipresci, el premio no oficial más respetado. No se puede negar que Vikingo despertó amores y odios. Habrá que verla para poder hablar. Un film de gran riesgo, Hiroshima de Pablo Stoll, logró llevarse una mención en la Competencia Latinoamericana. Sólo una mención. Me alegró el premio ex aequo de la sección Argentina para El hombre de al lado (que ya tiene distribuidor y estreno asegurado en 2010), y TL 2, el ultraindependiente Buster Keaton argento.

- ¿Qué pasará en 2010, cuando Mar del Plata cumpla nada menos que sus Bodas de Plata? Creo que el desafío de quienes tienen que definir su destino es encontrar EL perfil que lo salve de la extinción, y de los vaivenes políticos y caprichos de los funcionarios. Yo quiero que Mar del Plata sobreviva a esta crisis, y salga fortalecido encontrando el perfil más apropiado para un festival de estas caraterísticas.

Mar del Plata Film Fest : Mi día de película Nº4

2009-11-23T09:24:00.000-08:00

Cuatro días de festival se pasan volando. Por eso, en mi último día, me debatí entre invertir mi tiempo entre el anuncio de los premios y la premiación, o priorizar las películas. Y finalmente me decidí por las pelis. Fui a ver El hombre de al lado, pese a que no me había gustado nada El artista. Aquella película tan sobrevalorada de Cohn y Duprat, a mi entender era superficial y esquemática, demasiado obvia y nada cinematográfica (más bien televisiva). Además, había sido producida por Costa Films (léase Costantini, léase Malba). Todo el conjunto volvía inocuo todo afán de crítica disfrazada de humor... o de diagnóstico, o de apunte sagaz sobre el arte.

Pero me llevé una sorpresa. El hombre de al lado muestra una gran superación en el tandem de directores. Es de una precisión notable en el humor, las actuaciones y la puesta en escena. El guión es un modelo de simpleza y eficacia. Además, me reí muchísimo. Creo que va gozar de buenas críticas y de una gran aceptación en su estreno. Cris Zurutuza me confirmó que la estrenará Primer Plano en 2010, pero que aún preveen que viaje por festivales. Están geniales los actores (Daniel Araoz y -ah, bello!- Rafael Spregelburg) y, además, es imposible no remitirse a La ventana indiscreta. Es una película sobre el mirar y el ser mirado. Y la paranoia.

A la hora señalada, estuve presente en la antesala del Auditorium, que fue lo más parecido a un 60 en hora pico, pero con mozas con platos llenos de empanadas recalentadas y vino del peor. La verdad sea dicha: no había razón para caer tan bajo. Espantada por el lunch y por el retraso exagerado en el comienzo de la ceremonia (y por los rumores de que no había película de cierre, y que ya sabía quienes eran los ganadores...), tomé una buena decisión: fui hasta el Ambassador para ver Camino de Javier Fesser.

Gran director Javier Fesser. El milagro de P. Tinto me pareció un desparpajo total. Me habían contado casi toda Camino, así que fui predispuesta a no llorar. Me enfoqué en los aspectos técnicos, visuales, narrativos. Es una película muy provocativa, casi podría compararla a la gran provocación que es Antichrist de Lars Von Trier. Fesser mezcla el drama más absoluto de una niña que en la flor de su edad contrae un cáncer galopante mientras va adquiriendo un sentido místico (el film podría llamarse también La niña santa), con escenas musicales que parecen extraídas del Disney Channel, o de Hannah Montana, o de Hight School Musical. La niña, Camino, se evade de su agonía mediante su imaginación, y en los momentos en que está anestesiada baila y expresa su amor al chico que la enamora. Fesser usa dramáticamente la feroz dicotomía, y crea un film osado, políticamente incorrecto (que incluye tomas quirúrgicas de las operaciones a la pobre chica, no aptas para personas impresionables), de esos que uno ama u odia. Me imagino cómo debe haber caído este film en el público español más pacato y ultracatólico. Bien por Fesser, cada vez lo banco más!

El último film de mi festival no fue gran cosa, pero quería verlo. Accident, dirigido por un discípulo de Johnny To, no le llega ni a los talones al cine del master. Parece un film de los 90s lleno de clichés y de una inocencia grande con respecto al género. ¡Volví a casa con ganas de ver todo Johnnny To! Ese fue su efecto positivo.

Mar del Plata Film Fest : Mi día de película Nº3

2009-11-23T07:54:00.000-08:00

La mañana comenzó con una sorpresa: al pasar cerca del Hermitage vi una multitud en la vereda de las estrellas, y allí estaba Juan José Campanella, el hombre de los dos millones y medio de espectadores, poniendo las manos en el cemento. Un grupo de señoras hacía cola para saludarlo y sacarse una foto con él. Juan José, siempre bien dispuesto con sus fans, no tuvo problemas en conversar con ellos. Lo saludé y le dije que quería entrevistarlo, pero al final del festival no habíamos podido coincidir con un rato para hacerla. Otra vez será. Debo decir que soy muy crítica con El secreto de sus ojos. No me gustaron nada algunas cosas que muchos marcan como lo mejor del film, como la famosa escena en la cancha de Huracán (que formalmente no tiene nada que ver con la película, y su justificación es dudosa...), o la historia de amor postergado entre Soledad Villamil y Ricardo Darín. Sus anteriores películas tampoco me convencieron, pero hay que admitir que tiene un don: todo lo que filma llega a millones de personas.

Más tarde fui a ver The times that remains, de Elia Suleiman. No me sorprendió comprobar que se trata de un muy buen film que sigue en la línea de los anteriores. Conocí el cine de Suleiman en un BAFICI que realizó una retrospectiva, y me maravilló su sentido del humor político, y su capacidad de sintetizar en una escena muda, puramente física, un conflicto complejísimo (palertino-israelí). Un film autobiográfico muy bello, muy humano, que me emocionó. La presencia de Suleiman en pantalla es algo para recordar.

Comprobé más tarde que era mi día de suerte: Life during wartime está dentro de lo mejor que vi en el festival. Lo nuevo de Solondz quizás no sea lo mejor de su filmografía, pero Todd sigue teniendo un pulso único para combinar el humor negro con el drama más terrible. Soy muy fan de Solondz (es más, la primera crítica que escribí en mi vida fue sobre Happiness, film muy relacionado con este, ya que de alguna forma continúa con las historias de sus personajes femeninos). Son especialmente recordables la primera escena (con esa gran frase: "me siento un poco....dejá vú"); la aparición de la imponente Charlotte Rampling ("¡decime que sos heterosexual!"), y la escena en la que el padre (Ciaran Hinds) visita al hijo que violó años antes. Memorables diálogos, memorables actuaciones, memorables climas. Me acaban de comentar que CDI films la estrenará en febrero o marzo de 2010.

Recomendada por Pablo Conde, Antoine resultó una linda sorpresa de la sección Nuevos Autores. Se trata de un film con mirada documental sobre la vida de un niño ciego con una imaginación desbordante, que presenta como un ficción la historia detectivesca que arman en sus juegos Antoine y sus amiguitas. Me resultó encantador, un film muy libre que busca romper los moldes y prejuicios del doc. Por momentos corre el riesgo de dispersarse demasiado, siguiendo acciones que se alejan de su centro narrativo, pero aún así fue una bocanada de aire fresco. Había muy poca gente en la sala...supongo que lo que habrán leído como sinopsis habrá asustado a muchos. Antoine dista mucho de una mirada depresiva de la ceguera infantil; más bien apunta a mostrar cómo la imaginación y las ganas de vivir ayudan a superar la falta de visión.

Finalmente, una delicia: Yuki and Nina, de Nobuhiro Suwa y Hippolyte Girardot. Un film con dos partes muy diferenciadas. La primera, muy Suwa (el conflicto y la seducción entre Occidente y Oriente, representado por un matrimonio franco-japonés que se separa), y la segunda muy Kawase (la hija del matrimonio, Yuki, se interna en un bosque desviándose de su camino, y llega a un lugar inesperado). Maravillosa cámara, actuaciones, escenas, climas... es uno de los films más bellos que vi en este festival. Zetafilms ya lo compró y lo estrenará durante 2010.

Mar del Plata Film Fest : Mi día de película Nº2

2009-11-13T05:21:00.001-08:00

Mi segundo día de película (la expresión es un homenaje a esos periodistas que hoy, y sin ninguna verguenza, siguen titulando así...) comenzó con la proyección de Francia, de Israel Adrián Caetano. Gran expectativa rodeó la proyección a sala llena.

Tras la proyección, Caetano, Natalia Oreiro (la protagonista), Mónica Ayos y Daniel Valenzuela, brindaron una conferencia de prensa para muchísimos colegas periodistas y fotógrafos, deslumbrados por la cuota de glamour que había estado ausente en el fest...hasta que la Oreiro se hizo presente.

La película cuenta la historia de una familia rota por la separación de los padres que, aunque pasan por una situación económica y afectiva muy complicada, intentan mantener protegida a su hija, y tratan de brindarle amor a pesar de todo. La niña protagonista es Milagros, hija de Caetano, una niña rara de unos 12 años. Hay cosas que son poco creíbles en el film, empezando por el hecho de que la nena no se parece en nada a la Oreiro. Tiene apuntes muy básicos y trillados sobre el deteríoro de las instituciones (la escuela, el psicólogo, etc), y sobre la soledad y el aislamiento de esa gente en tiempos difíciles. La pelicula no me gustó; rescato sólo algunas escenas logradas (como la escena en la que el personaje de la Oreiro renuncia a su trabajo de mucama). El film (con su happy end a todo trapo) fue descripto por el propio Caetano como peronista...y por algún crítico (Quintín) como kirschnerista.

Me encontré con Matías y Jose en el Ambassador, antes de la proyección de Unmade beds de Alexis Dos Santos. Le agradecí a Jose el haberme hospedado en su petit hotel, donde el staff completo del sitio A sala llena para, y haberme hecho sentir como en mi casa. Teníamos todos mucha expectativa con la nueva peli de Alexis, que nos había deslumbrado con Glue hace algunos años.

La sala estaba llenísima, y Alexis estuvo allí para presentar el film. Alexis balbucea, no se le entiende muy bien lo que dice, pero se lo veia muy emocionado (creo que sigue viviendo en Londres, y en la sala estaba presente su familia). Unmade beds fue muy recibida por el público, compuesto por mucha gente joven, que aplaudió el final. Como en su peli anterior, la banda de sonido es IM PRE SIO NAN TE, y la fotografía también. Me gustó mucho, el guión y las actuaciones me parecieron muy ajustadas...lo único que puedo objetarle es que por momentos está al borde de caer en la pura estilización, de ser un gran videoclip, como si la cámara se enamorara de las imágenes y la música y se detuviera demasiado para girar en torno a algo intrascendente. Me gustaron mucho los protagonistas (la hermosa barbie Deborah Francois, y un clon de Nahuelito Perez Bizcayart, pero español).

Alexis nunca se despegó de su mochila, que ya es un clásico de festivales. Una señora impertinente le preguntó su edad...y él se puso muy coqueto, pero al final reveló que tiene mucho más de lo que parece! Me alegró mucho ver la peli y ver a Alexis, a quien saludé ya que nos comunicamos via email desde hace unos años.

Del Ambassador partí hacia el Colón, al encuentro de Hiroshima, de Pablo Stoll. Película rara, utiliza intertítulos, como en las pelis mudas, para plasmar la incomunicación del personaje central, al que la cámara sigue durante todo el film. Me pareció arriesgada, sorprendente, por momentos de difícil visión, por momentos casi experimental. Tiene hallazgos, como la escena del encuentro del protagonista con su padre en la calle. Un prodigio esa escena. Síntesis, impacto. La película está dedicada a su fallecido co-equiper Rebella. Tengo ganas de entrevistar a Stoll, saldré a buscarlo por ahi. ¡Vamos el cine uruguayo!

Mar del Plata Film Fest : Mi día de película Nº1

2009-11-13T04:41:00.000-08:00

Siempre es una felicidad volver al Festival de Mardel. Con mejores o peores películas, con mejor o peor organización, ya se volvió uno de mis momentos favoritos del año. Este año mi visita es más corta de lo normal (sólo 4 dias), por eso quise aprovecharla al máximo. Apenas llegada a La Feliz, me dirigí al Provincial porque me moría de ganas de participar del Taller de Marionetas que dictó John Kennedy. La experiencia fue genial.

En un gran salón (lo que en otras ediciones era la sala de prensa), estaban dispuestas grandes mesas, con pistolas de pegamento. Todo invitaba al trabajo de realizar una marioneta...un muppet, bah. Pensé que este era un buen desafío para mí, ya que no me caracterizó por mi habilidad en tareas manuales...Kennedy mostró un storyboard, y luego el corto que realizó con ovejitas hechas con mangas de buzos...el resultado era impresionante.

Un corto animado que mostraba una imaginación y una gracia desbordantes, en el que Kennedy (además), había realizado todas las voces... El taller nos invitaba a INTENTAR hacer una oveja parecida.

Había desde adultos con sus hijos, hasta señores y señoras mayores, todos entusiasmadísimos siguiendo el paso-a-paso de la oveja, poniendo manos a la obra, y sobretodo, pasandola muy bien. Todo el mundo colaboraba con el que estaba al lado, y le elogiaba la oveja para levantarle el ánimo..jaja.

Después de mucho batallar con las telas y el pegamento, me salió algo más parecido a un Gremling que a una oveja. Pero bueno, tenía una cara y daba un poco de ternura. Me sentí realizada y feliz, fue una experiencia hermosa, muy bien planeada desde la organización del festival. Partí contenta a ver un film llamado Dogtooth, de la competencia internacional.

Dogtooth resultó un inquietante y perturbador retrato de una familia disfuncional (sí, ¡el colmo de la flia disfuncional!), en la que la madre favorece el incesto; el padre le pega con todas sus fuerzas a sus hijas, y una chica se destroza la boca con una mancuerna. Todo esto y mucho más es la griega Dogtooth: como una versión reloaded de Home, de Ursula Meier. Me gustó muchísimo. Tiene un gran trabajo de imagen, una fotografía cuidadísima. El director estuvo presente en la conferencia, pero sus respuestas no dieron cuenta del caracter extremo de su film.

Después de llorar como pocas veces con la conmovedora Letters to Father Jacob, y de pasear un rato por Mardel, me dirigí al Seminario de Trailers dictado por Michael Shapiro, miembro del jurado y gurú de la industria del trailer en Hollywood. Muy interesante su exposición, y muy buenas las preguntas del público. Shapiro contestó con muy buen disposición, se lo vio muy exultante y al final largó un (sí, demagógico, pero se hizo querer) "I love Mar del Plata!".

Para terminar el día bien arriba, fui a las salas Del Paseo para ver Ricky de Francois Ozon. ¿Qué decir de este film? Algunos lo toman como un cuento de hadas...es una lectura posible, pero la primera impresión fue de un delirio de un chico burgués que trata de huir del vacío absoluto. Como si quisiera contestar la pregunta acerca de qué se puede contar que no haya sido contado. Es la historia de un bebé al que le salen alas...y vuela, y se pierde en el cielo. Y de una familia, con todos sus conflictos. Ozon ya me perdió como espectadora...extraño su época de Bajo la arena.

Algunos la vieron como un cuento de hadas, y otros como un film que bordea lo kitsch, y que rehuye a darle un código al espectador a partir del cual mirarla. ¡¿Qué otra cosa puede filmar un director que se pone ese pañuelo en el cuello?! Ozon, estás hecho una loca.

Seminario Tsai Ming-liang

2009-10-07T10:27:00.000-07:00

Seminario Tsai Ming-liang
A cargo de Cynthia Sabat*

El seminario propone un viaje por la filmografía de uno de los más exquisitos directores orientales, y un exhaustivo análisis de su obra. Como bonus-track presentaremos el film Help Me Eros, producido por Tsai Ming-liang y dirigido por su actor fetiche, Lee Khang-sheng.
Costo: $ 120 mensual.

Módulo 1:
Jueves 15-10: Rebels of the Neon God (1992)
Jueves 22-10: Vive L'Amour (1994)
Jueves 29-10: The river (1997)
Jueves 5-11: The Hole (1998)

Módulo 2:
Jueves 12-11: The Skywalk Is Gone (2002) + Good Bye, Dragon Inn (2003)
Jueves 19-11: I Don't Want to Sleep Alone (2006)
Jueves 26-11: Film a confirmar.
Jueves 3-12: Bonus track: Help Me Eros, de Lee Khan-sheng

La organización se reserva el derecho de cambiar las fechas de proyección o los films programados, si así fuere necesario.

*Cynthia Sabat
Es docente y periodista de cine. Fue la editora responsable del sitio cineindependiente.com.ar,un portal pionero que acompañó el nacimiento del Nuevo Cine Argentino (1997 a 2001). Fue directora y editora del Diario Oficial del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata durante tres ediciones (2003 a 2005), y redactora de la sala de prensa en 2008. Trabajó como editora de la revista Haciendo Cine (2005 a 2008). Estudió Filosofía y Edición Colaboró con medios especializados como Otroscines.com y la revista inglesa Film & Festivals. Actualmente escribe en su blog habiaunavezunachica.blogspot.com. Ha coordinado cineclubes; ha participado como jurado en festivales (Imágenes de la Patagonia 2007, Fesaalp 2007, Gualeguaychú 2009), y ha dictado seminarios de periodismo y crítica de cine, análisis de films y estrategias de comunicación para películas independientes (Programa País, INCAA-Salta 2007, Imágenes de la Patagonia 2007, Muestra Lucas Demare 2009, Fesaalp 2008 y 2009).

Cineclub Buenos Aires Mon Amour – San Telmo

Reservas: info@cineclubmonamour.com

La invención de la carne, Almodóvar y Iosseliani

2009-09-29T11:23:00.000-07:00

A FLOR DE PIEL

La invención de la carne
de Santiago Loza
Argentina (2009)

Santiago Loza es un artesano de la imagen, la palabra y el silencio. Su nueva película es la demostración de que, de todos los caminos posibles, eligió el más arriesgado, el que se interna más profundo en el misterio. La invención de la carne es un film de sensaciones corporales: de la soledad como ese frío que anida en los cuerpos; de la ansiedad como un peso insoportable en la espalda. La historia que cuenta propone al espectador sumergirse en el relato para descubrir sentidos múltiples, ambiguos, escurridizos. María (Umbra Colombo) abre sus piernas ante un grupo de estudiantes de medicina que la estudian como a un cadáver. Es una mujer que ya no tiene nada que perder. Se deja llevar por la ciudad; se entrega a los hombres en el camino. De pronto, ocurre lo inesperado: uno de los estudiantes la reconoce en la calle y la sigue. Mateo (Diego Benedetto) se le acerca y le pide que lo acompañe en un largo viaje en auto al interior del país, a cambio de dinero. Juntos parten hacia un encuentro de dos soledades en el que sus vidas apenas se rozan.
Después de Extraño, su opera prima protagonizada por Julio Chavez y Valeria Bertuccelli; su segundo film Cuatro mujeres descalzas, y la fallida Artico, Santiago Loza vuelve a plantear sus preguntas sobre la condición humana y el problema del cuerpo, a través de imágenes a veces dolorosas, a veces temblorosas, intentando hacer visible lo invisible por la gracia del cine: el deseo, la orfandad, la piedad y la compasión. Loza pone al servicio de la historia su sensibilidad exquisita, y logra una película oscura y viva.

LOS ABRAZOS ROTOS de Pedro Almodóvar (España, 2009)
Nadie puede acusar a Almodóvar de autoplagio, de repetirse hasta el cansancio. Porque eso, precisamente (y ostensiblemente) es Los abrazos rotos. Este thriller de tono melodramático, colores chillones, encuadres perfectos y sobreactuaciones varias, utiliza como excusa un triángulo pasional para abordar el tema que siempre le ha interesado al director: el cine. Las falsas identidades, los secretos filiales y las historias dentro de la historia del film son marcas recurrentes en el cine almodovariano, que por momentos (en esta película) se extraña, pero en otros irrumpe con violenta belleza. La escena en la que Lena le revela su engaño a su marido, y la escena en la que Harry, un director ciego, descubre en un video que ha quedado inmortalizado su último beso con la mujer amada, justifican toda la película. Para llorar, siempre tendremos Almodóvar.

JARDINES EN OTOÑO de Otar Iosseliani (Italia, Francia, Rusia, 2006) DVD
Para aquellos que sufran de ansiedad cinematográfica, este es el mejor remedio para desintoxicarse de Hollywood. El veterano director georgiano hace gala de su refinadísimo humor con aires de Tati en esta pequeña gran obra donde nada grandilocuente sucede, pero donde se reflexiona sobre el poder, el placer y las relaciones humanas. Las escenas son absurdas y encantadoras, y no faltan el buen vino, la amistad, la bohemia, las mujeres y el gran Michel Piccoli interpretando a la madre del protagonista, al mejor estilo mamá Cora. El cine de Iosseliani, a sus 75 años, goza de la frescura y la vitalidad que muchos veinteañeros no tienen.

Comentarios escritos para la revista Babia, oct-nov 2009.

Desafíos del cine y de la crítica en la era de las redes sociales

2009-09-29T07:27:00.001-07:00

Por Cynthia Sabat*

Nuestra relación con la época que nos toca vivir podría definirse por la inclusión o exclusión que medie entre nosotros y la tecnología de uso doméstico. Quienes no somos nativos digitales tenemos el desafío de poner a prueba nuestra capacidad de acercarnos, adaptarnos y servirnos de un universo que nos es, por naturaleza, ajeno: el mundo digital. Leer el diario en la notebook cada mañana; compartir con miles de usuarios nuestros comentarios sobre una noticia; subir a Facebook una foto de lo que acabamos de hacer; o calificar en un blog de cine una película que nos gustó con 5 estrellas, son para muchos (cada vez más) prácticas diarias (y naturalizadas) de nuestra vida digital. Pensemos en el acceso a pantallas y productos audiovisuales que tenemos diariamente, comenzando por el televisor, siguiendo por el iPhone y terminando en Youtube o en un videochat con algún amigo a través de Skype. La web 2.0, plataforma digital en la que los sitios actúan como lugares de encuentro; donde los consumidores se convierten también en productores (prosumers) y donde se puede compartir imágenes, audio, video y texto en forma instantánea con miles de usuarios alrededor del planeta, nos impone desafíos a cada instante. ¿Cómo saber quien se esconde detrás de un nombre de usuario? ¿Cómo saber que un dato levantado de Wikipedia es verdadero? ¿Cómo comprobar que un video subido por un usuario no es trucado? ¿Cómo conocer la fuente de una información que fue replicada miles de veces como un virus? La masificación exponencial de Internet y su relativa democratización (no olvidemos a los más de mil millones de pobres en el mundo que difícilmente tengan alguna vez acceso a ella), dio como resultado un verdadero caos de contenido que tiende a mezclar y unificar todo lo escrito a un mismo nivel. Comentarios de usuarios, cables de agencias de noticias, opiniones de bloggers, todo tiende a ser (y parecer) la misma cosa en la web. Esto plantea un doble reto: para quienes buscan información, el desafío es saber “leer” una búsqueda (más allá de los links que nos devuelva Google); para quienes la producen, es llegar a los lectores con la máxima precisión y fidelidad.

La revolución social: la crítica en jaque
El periodismo en general, y en particular la crítica cinematográfica, no escapa a los peligros que imponen las redes sociales. Los beneficios que ofrecen Facebook, Myspace, Twitter o Sonico a la hora de diseminar información de forma casi instantánea están claros, pero no así sus riesgos.Aclaremos antes un concepto. La crítica cinematográfica se divide en dos tipos con características distintas. Por un lado, la crítica académica, que apunta a un lector experto, y realiza un análisis metódico a partir de saberes como la teoría y la estética cinematográfica. Este tipo de crítica se encuentra en publicaciones académicas y especializadas, y no apunta a crear en el lector la expectativa de ver el film ni se rige por la actualidad. Por otro, la crítica periodística, que se publica en diarios, revistas y blogs, y suele apuntar a un lector que pretende enterarse de los estrenos. El lector busca información y opinión, que muchas veces se ve graficada (y reducida) en las cuestionadas estrellas que acompañan el texto, o acompañadas de las carteleras de cine, para saber dónde ir a ver determinado film. De estos dos tipos de crítica, la crítica periodística es la que fue puesta en crisis por la web 2.0. La incansable actividad de los prosumers puso en jaque a los periodistas especializados y a los críticos, al presentar batalla con una bandera tan estimulante como perturbadora: todos somos críticos de cine. Esta afirmación parece verdadera, pero ¿lo es realmente? La libertad que cada usuario tiene de dar su opinión sobre determinado film, pone en juego la responsabilidad que le cabe al crítico a la hora de defender su tarea: los críticos cinematográficos tienen el gran desafío de formarse y de producir textos de alta calidad, alejados del maniqueísmo del “me gustó-no me gustó”, donde el lector encuentre una visión, una argumentación y un análisis a la vez rico y profundo. La firma es de vital importancia en una crítica cinematográfica; el lector-usuario de la web debe saber “leer” quién es la persona que firma un texto crítico. Por otra parte, el periodista de cine tiene en la web 2.0 un lugar privilegiado para hacer circular sus textos. No es raro encontrar que la mayoría de los críticos de cine de los medios masivos de comunicación tengan sus propios blogs, donde no suelen reproducir lo que publican en sus respectivos medios, sino que experimentan una saludable libertad al escribir textos originales, sin la presión de tener que responder a una línea editorial o entrar en conflicto con determinados intereses como, por ejemplo, los del departamento de marketing.

La crisis de las pantallas
Con su capacidad de reproducción instantánea e infinita, la web 2.0 y sus nuevos dispositivos, los smartphones, no sólo pusieron en crisis a la crítica cinematográfica sino a su propio objeto: el cine. La pregunta acerca de qué es el cine hoy parece más pertinente que nunca, mientras es cada vez más intensa la certeza de que circula entre nosotros una cantidad inédita e inabarcable de producción audiovisual. El mismo nivel de democratización de la información que trajo Internet, llegó en los 90s a la producción audiovisual de la mano del video digital. Lo que vino después ya es historia. Hoy son cada vez más las salas que proyectan en Alta Definición; películas enteras pueden verse gratis en Youtube o en sitios especializados como The Auteurs, y nanopelículas realizadas con celulares son objetos de festivales y muestras que compiten en popularidad con los festivales de cine tradicionales. Mientras algunas ideas que creíamos eternas pasan a ser relativas o directamente obsoletas (como la “propiedad intelectual”, o el concepto de “original”), el negocio del cine se redefine para no morir en el intento. Las salas 3D son ahora la clave de la supervivencia de los multicines. Y mientras el cine de autor y el cine arte continúa su lento camino de difusión a través del DVD o de las descargas, los “tanques” de Hollywood apuestan a megaestrenos globales, y apuran el lanzamiento de sus ventanas (la televisación y la salida en Blu-ray), para darle batalla, aunque sea un poco, a la piratería y los downloads.Hace pocos días apareció una nota en un diario que da cuenta de esta crisis. La nota se titulaba Twitter,el enemigo número uno del cine, y alertaba acerca de la velocidad que da el microblogging (140 caracteres que responden a la pregunta de qué estás haciendo ahora, y que puede enviarse desde un celular) a grandes audiencias para emitir sus opiniones y socializarlas con millones de usuarios alrededor del mundo de forma instantánea. Más allá del tono escatológico de la nota, la preocupación de las majors (las grandes distribuidoras que manejan el negocio cinematográfico mundial) se sustenta en que sus principales estrenos están destinados a los jóvenes (se sabe: el segmento de consumidores más rentable del mercado), y que su acceso a las redes sociales es tan alto que, ante una mala recepción, temen que colapsen sus expectativas de ganancias. Si alguna vez fue cierto aquello de que todo lo sólido se desvanece en el aire, hoy lo es mucho más. A una realidad social de compleja lectura, se le suma la pregunta acerca de qué hablamos hoy cuando hablamos de analfabetismo, de educación, de lectura y de inclusión. Una última noticia del futuro digital que ya se vislumbra. La segunda generación de la web ya tiene sucesora: la web 3.0 o web semántica será más intuitiva, los buscadores brindarán información personalizada para cada usuario, y tendrán acceso de una base de datos global. Los futuristas piensan en una web más inteligente respecto de los deseos, intereses y necesidades de los usuarios. Pero para comprobarlo habrá que esperar.

+ Blogs y sitios de crítica de Cine

micropsia.blogspot.com
ojosabiertos.wordpress.com
http://www.lalectoraprovisoria.com.ar/
http://www.grupokane.com.ar/
http://www.otroscines.com/

Julio 2009

*Cynthia Sabat es docente, periodista de cine y especialista en social media. Esta nota fue publicada originalmente en la revista La Rotonda del Espacio Cultural El Sábato de la Facultad de Ciencias Económicas de la UBA, septiembre 2009.

Gira por festivales

2009-09-29T07:14:00.001-07:00

Mi gira por festivales amigos (nuevos y viejos) terminó con mucha felicidad. Estuve en el FESAALP, en su cuarta edición. Es un festival muy querido, la paso muy bien y veo muy buenas pelis independientes y cortos. Este año volví a dar mi Seminario de Periodismo y Crítica de cine corregido y aumentado. Hubo menos concurrencia que la que se esperaba, porque a la hora de comenzar la actividad llovía torrencialmente y hacía un frío tremendo. Una pena, pero igual salió muy bien, los concurrentes eran todos periodistas de radio platenses, hicieron preguntas, propuestas varias y se llevaron el diploma que certifica que hicieron el seminario.

Estuve con Fede, Lia, Sebastián y Juan Manuel. Todos me recibieron como siempre, muy divinos, con todas las ganas de apoyar el cine y las actividades formativas. Este año sumaron un hermoso meeting point, que no tiene nada que envidiarle al del Bafici, bravo chicos!

A pesar del frío inédito para esta época del año, la pasamos muy bien tomando vinitos en el coqueto meeting point y hablando de cine. También conversé con los chicos de Videofilms, la nueva distribuidora indie, y con Marcelo Galves, profe del Taller de Guión, del que participaron directores de Brasil y Colombia. A la noche vi No moriré sola, de Adrián García Bogliano. Me hubiera gustado quedarme más tiempo, pero tuve que partir directamente a la Muestra de Cine Lucas Demare, en Olavarría, donde Marina me esperaba.

En Olavarría di una charla de Introducción al Análisis de Films. Me sorprendió la cantidad de asistentes, y su gran interés por la actividad. Era domingo, y la tarde estaba divina, con mucho sol y calor. Pero adentro del bar La Gaviota la charla fue muy bien recibida, y fui muy bien presentada por Jorge Arabito, y muy bien asistida por un chico (no sé el nombre) que operaba la parte técnica. Al final de la parte teórica, proyecté el premiadísimo corto Túneles en el río, del platense Igor Galuk (que acababa de ganar el Premio del Público en el FESAALP), y entre todos analizamos y aplicamos todos los conceptos teóricos esbozados en el seminario. El público se fue contento, y el corto les encantó.

Esta es una nota que publicó el diario El popular de Olavarría sobre el seminario (muchas gracias a la periodista que me hizo el reportaje!):

La Lucas Demare sigue sumando películas y otras actividades
El seminario de Apreciación Cinematográfica resultó ser una interesante propuesta, ayer a la tarde. Jóvenes y adultos disfrutaron y analizaron un interesante cortometraje.

La 12ª Muestra de Cine Nacional Lucas Demare continúa ofreciendo cine para todos los gustos en el Teatro Municipal, y charlas y seminarios como actividades paralelas.En este marco, La Gaviota fue centro del seminario de Apreciación Cinematográfica, a cargo de Cynthia Sabat, docente, periodista de cine, poeta y productora de TV; además de responsable del sitio cineindependiente.com.ar, un portal pionero que acompañó el nacimiento del Nuevo Cine Argentino.

Pasadas las 17, el tradicional bar de la ciudad abrió sus puertas para recibir a gente de todas las edades dispuestos a aprender un poco más sobre nuestro cine. La intención de la propuesta fue la de ofrecer algunas herramientas que permitan disfrutar más y mejor una película. El puntapié inicial lo representó un viaje sobre los orígenes del cine. Sabat ofreció una charla a modo de introducción sobre los modelos de cine que abarca el primitivo, clásico, moderno y pos moderno, y el contexto histórico de su surgimiento.

Luego se proyectó el corto "Túneles en el río", del platense Igor Galuk: todos los veranos más un centenar de personas desaparecen en las aguas del Río de la Plata. Los ribereños dicen que "se los traga el río y no los devuelve". Igor convirtió este suceso en una propuesta cinematográfica que encarnan Juan y sus dos hijos.

"Es un corto que está ganando en muchos festivales. Es muy interesante y a diferencia de otros cortos, éste tiene mucha elaboración a nivel cinematográfico, a nivel imagen y lenguaje; entonces es un cortometraje que permite tener muchos elementos para el análisis", definió Cynthia Sabat en diálogo con EL POPULAR Medios. "La idea es que entre todos podamos analizar el cortometraje. Que el público pueda opinar, reflexionar y también preguntar".Muy vinculada al cine independiente, Cynthia ejerció el periodismo de cine en medios como Canal (á), Revista Nueva, Rumbos, First, Para Ti y Hombre. Fue directora y editora del Diario Oficial del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata durante tres ediciones, y trabajó en la sala de prensa de la edición 2008. Fue editora de la revista Haciendo Cine durante tres años. Colaboró con medios radiales. Actualmente escribe en su blog habiaunavezunachica.blogspot.com, colabora con medios especializados (como Otroscines.com), y es convocada como jurado de distintos festivales. Además dicta un taller de apreciación cinematográfica para adolescentes.

-¿Cómo ve el cine independiente en la actualidad, en la Argentina?

-Me parece que tiene un valor importantísimo, se trata de gente que está haciendo cine por amor al cine porque realmente lo hace con mínimos elementos, a veces los técnicos trabajan sin cobrar. Dentro de ese panorama hay muy buenos trabajos, justamente este tipo de festivales son muy importantes porque hacen de puente entre la obra independiente y el público que, de otra forma, no podría acceder a este cine porque si alguien quiere ver un corto no tiene un video club donde pueda alquilarlo. Por eso los festivales son muy importantes para la difusión de los cortometrajes.

-¿Se ha ido incrementando la cantidad de público, en general, en este tipo de festivales en los últimos años?

-Sí. Los festivales tienen una tarea que es de a poco, año tras año ir creando su propio público. No es que en una ciudad se crea un festival y se va a llenar. El público, de a poco va sabiendo que existe algo, un lugar donde va a ver un cine distinto y el festival tiene la tarea de crear la expectativa en el público de su propia ciudad.

A partir de la medianoche, La Gaviota tuvo su tradicional ciclo "Cine en los bordes", con la proyección del filme independiente "Grité una noche" de Adrián García Bogliano. Lo cierto es que la Muestra Lucas Demare continúa ofreciendo a los olavarrienses no sólo buen cine, sino también otras actividades que permiten un mayor acercamiento de la gente a la cinematografía. Durante la tarde, el Teatro sirvió de marco para la proyección de distintos filmes. A las 16 tuvo lugar el estreno de la película infantil de Néstor Paternostro "El tesoro del portugués". "Amorosa soledad" de Martín Carranza y Victoria Galardi llegó a las 18, "El niño pez" de Lucía Puenzo a las 20.15 y "La sangre brota" de Pablo Fendrik, a las 22.30.

Gracias a todos, y especialmente a Fede Ambrosis, Lia Gómez y Marina González Hueso! Nos vemos el próximo año!