Había una vez una chica

Entrevista a Buika para Cyloop.com (2008)

2010-01-07T08:04:00.000-08:00

Lhasa de Sela (1972-2010)

2010-01-07T05:44:00.000-08:00

El año no comenzó bien. Nos enteramos de la muerte de Lhasa de Sela tres días después, pero ella murió apenas comenzado el 2010: el 1 de enero. Se apagó absurdamente temprano la vida de una de las artistas más sensibles y secretas de la música (algunos aclararán "world music").

Lhasa de Sela murió de cáncer de mama. Una muerte absurda para una mujer que vivía en el primer mundo, en el siglo XXI. Pensé que ya nadie moría a ese edad de eso. ¿Estaría demasiado sola, demasiada lejos de sí, para no cuidarse? ¿Se habrá olvidado de sí toda su corta vida?

Lhasa de Sela fue un perfume, un pájaro demasiado pequeño y frágil que se rompe con sólo rozarlo. Nació en Nueva York, su padre era un escritor mexicano y su madre una fotógrafa estadounidense que la llevaron por caminos errantes durante toda su caótica y bohemia infancia.

La vida le alcanzó para editar tres bellos discos, cantados en francés, inglés y español:

La llorona (1998, WEA)

The living road (2003, Nettwerk)

Lhasa (2009, Nettwerk)

Es inútil tratar de traducir en palabras la esencia de su arte. Me doy por vencida. No hay mejor homenaje y regalo de la vida que escucharla. Un beso y un abrazo que lleguen hasta el cielo para Lhasa.

Calendario 2010 y brindis del Museo del Cine

2009-12-28T07:03:00.000-08:00

Como ya es tradición, el año de la industria del cine terminó con el Brindis del Museo del Cine en Cinecolor. Es la primera vez que me invitan, así que no puedo comparar con otros años, pero puedo decir que estaba todo-el-mundo, o casi. Paula Felix Didier y otras autoridades del Museo tomaron el micrófono para hablar de la difícil situación por la que pasan, y lo importante que es contar con el apoyo y el aporte de la industria. Es fácil imaginar que un Museo del Cine ni siquiera figure en la agenda de los gobernantes de turno.

La importancia del Museo del Cine tomó gran relevancia el año pasado cuando su nombre saltó a las páginas de los grandes medios internacionales especializados en cine, como la institución responsable de haber rescatado una copia de Metrópolis con fragmentos que estaban desaparecidos. Este año el Museo editó la caja de DVDs Mosaico Criollo, una edición que rescata el cine argentino mudo, en un esfuerzo muy loable ya que la institución cuenta con pocos recursos.

El calendario 2010 cuenta en su tapa con un fotograma de LA película del año: El secreto de sus ojos. Estuvieron presentes Ricardo Darín, Guillermo Francella y Mónica Villa para presentarlo y apoyar al Museo.

Mientras degustaba el escaso catering (hay que decirlo... sería bueno que Cinecolor lo mejore para el año que viene, porque deslució al evento), conversé con muchos directores, periodistas y jefes de prensa de películas. La sensación era la misma: más allá de que El secreto de tus ojos haya alcanzado una cifra record de espectadores en la historia del cine argentino, y se haya convertido en el "caballito de batalla" del INCAA, la realidad es que el resto de los films nacionales estrenados este año han tenido una performance lamentable. Películas estrenadas en 2 salas que han hecho 2.000 espectadores; otras estrenadas en 19 salas que han hecho alrededor de 15.000. ¿Qué pasa en la industria, para que exista esta brecha tan grande? ¿Cuál es el eslabón de la cadena que falla? ¿Es bueno alentar la producción de films que llegarán a las 2 semanas en cartel, como máximo?

Me parece que las autoridades del INCAA junto a las cámaras que representan a los productores, exhibidores y distribuidores tienen un desafío para el 2010: encontrar una solución para este terrible problema, y no esperar que el Malba y el circuito alternativo se hagan cargo del cine que los exhibidores más importantes se niegan a exhibir.

Gracias a Pablo de Vita.

Elogio de la independencia: Farsa Producciones

2009-12-21T12:25:00.000-08:00

El año que se va (2009) quedará en la historia no oficial del cine argentino como el año en que Farsa Producciones, colectivo creativo y productora independiente que no para de crecer y producir, estrenó tres largometrajes: 100% lucha, el amo de los clones (dirigida por Pablo Parés y Paulo Soria); Kapanga todoterreno (con dirección de Pablo Parés, Paulo Soria y Hernán Saez sobre una idea de Kapanga) y Nunca más asistas a este tipo de fiestas, secuela de su film de 2000 Nunca asistas a este tipo de fiestas.

El fenómeno de Farsa es un caso que merece un estudio. Los orígenes de Farsa se remontan al conurbano bonaerense, donde un grupo de chicos inquietos (Pablo, Hernán, Berta, Paulo y Walter) de Haedo y Ramos Mejía comenzaron a juntarse a hacer películas de zombies en las calles de sus barrios. Era el año 1997, y los futuros farsas no le daban descanso a la cámara VHS ni a la ropa en harapos ni a la sangre falsa. Su primer largo, Plaga Zombie (1997), se convirtió en un film de culto y trascendió las fronteras para convertirse en un fenómeno internacional junto a su secuela Plaga Zombie Zona Mutante (2001).

Lo que encontramos en los films de Farsa desde sus primeros cortos a esta parte, es una cinefilia rabiosa, un pulso preciso para la parodia y el horror, un conocimiento profundo de los códigos que caracterizan a cada género cinematográfico, y una identidad clara que se reafirma en cada una de sus producciones.

Como de algo había que vivir, los farsas encontraron una veta interesante en la producción de videoclips de bandas, y les fue tan bien que impusieron su estética y se convirtieron en una verdadera factoría. Mientras tanto, siguieron produciendo y creando sin esperar un crédito del INCAA ni detenerse a quejarse de la terrible pesadilla por la que debe pasar un director de cine indie para estrenar un film. La consagración llegó con Filmatron (2007): su exhibición en la competencia argentina del BAFICI, el Premio del Público y el posterior estreno en el Malba, fueron conquistas que Farsa ganó para sí y para el cine independiente.

Tuve oportunidad de ver Nunca más asistas a este tipo de fiestas y Kapanga Todoterreno en un lapso de pocos días. Farsa vuelve a demostrar que el cine independiente no tiene por qué ser sinónimo de baja calidad técnica, y que "las buenas intensiones" no tienen que justificar una mala película por haber sido producida de forma independiente. La alta calidad técnica y la precisión narrativa se conjugan con la pasión y el desenfado más desprejuiciado, en estos films que suben el listón de calidad del cine independiente argentino, incluso de aquel que producen escuelas de cine como la FUC o la ENERC.

Los films de Farsa parecen hacer realidad esa utopía del cine independiente de ser masivo, de llegar al público y conquistarlo, en definitiva, salir del ghetto.

Nunca más asistas a este tipo de fiestas vuelve al escenario de su antecesora, Nunca asistas a este tipo de fiestas (2000), esta vez para mostrar el choque fatal de dos fuerzas opuestas: un equipo de TV y dos militantes por los derechos humanos por un lado, y Fito Santoro (el niño de la primera que creció, y ahora interpreta Berta Muñiz) y su psicoanalista (Sebastián de Caro), que llegan a la casa de Cascallares donde se produjo la masacre en busca del cuerpo de Miguel Monforte (!!!). El delirio, los gags, la acción, el absurdo se conjugan con los años de plomo de la dictadura y el ataque a las Torres Gemelas, en una película que no da respiro y donde brota mucha sangre.

Kapanga todoterreno es una película que ya otros colegas han definido como "una mezcla de Anochecer de un día agitado con Todo por $2". La trama es más o menos esta: un grupo de albañiles que trabaja a desgano en una obra en construcción decide presentarse a un concurso de bandas para convertirse en músicos, pero terminan midiendo talento con los Daft Punk en un concurso de asados. La película es un musical donde los integrantes de Kapanga se lucen como actores cómicos, donde las referencias cinéfilas abundan (El exorcista, la saga de James Bond, eXistenZ, etc.) y donde aparecen (y brillan) en roles secundarios Pablo Echarri, Pablo Lescano, Alejandro Nagy, Sr. Flavio y y el querido Pedemonti (Dr. Diango). En Kapanga Todoterreno se combinan mitos bíblicos y griegos; la estética de los videojuegos de los 80s con videoclips de la banda, todo al mismo nivel y.... ¡todo por 2 pesos!. Este film está destinado a abrir una puerta para que otras bandas se animen a vivir su propia aventura.

Estuve (junto a mi amiga Flor Gasparini Rey) con los chicos de Farsa para felicitarlos por sus logros, y alentarlos a que sigan adelante. Recordamos juntos que yo estuve en la primera proyección de Nunca asistas a este tipo de fiestas en el Festival Cinencuadre de Mar del Plata en 2000, un festival pionero dirigido por... Miguel Monforte.

Sus films ya tienen un lugar en el circuito independiente y cada vez van a llegar a más gente, que engrosará las filas de su club de fans. Además, una buena noticia: sus películas están siendo editadas en DVD por el sello ultraindie Videoflims, que hace posible que sus producciones (además de las de Paura Flics, las de Néstor Frenkel y muchas otras), lleguen a su público en cajitas.

Farsa Producciones
http://www.farsaproducciones.com.ar/

Gracias a Ludovico y Matías Orta por las fotos!

Balance del Festival In Edit 02

2009-12-21T10:42:00.000-08:00

La segunda edición del Festival In-Edit Cinzano Argentina que se desarrolló del 10 al 14 de diciembre en los cines Atlas Santa Fe y Atlas Recoleta de Buenos Aires, nos dejó un par de buenas películas, algunas decepciones, y la sensación de que a pesar de la importante campaña publicitaria, no muchos se enteraron del evento.

Quizás pueda atribuirse a la fecha, en la que todo el mundo está enloquecido con exámenes finales o compras navideñas, o a la crisis económica (las entradas valían $12, un precio alto para proyecciones en el marco de un festival de cine, donde se supone que uno va a ver por lo menos 5 o 6 films), pero la falta de público fue bastante notoria. Las salas elegidas son enormes, por lo que algunas funciones brindaron un paisaje desolador.

De todas formas, podemos decir que hubo cosas muy interesantes y algunos desaciertos en su programación y en su producción. El comienzo no fue muy alentador: la película elegida para la apertura, Who killed Nancy?, es un documental aburrido que utiliza recursos berretas para reconstruir la misteriosa muerte de la novia de Sid. Aunque la temática era interesante, este film deja mucho que desear en su factura y en su concepción. Para muestra, un detalle: no se escucha un solo tema de los Sex Pistols ni de Sid Vicious en todo el film.

Entre la programación también encontré perlas como Soundtrack of a revolution (2009), que recorre la historia de la lucha de los derechos de los negros en USA a través de sus canciones emblemáticas (e incluye impresionante material de archivo, y temas interpretados por Joss Stone, The roots, Johnny Legend, etc.); Favela on Blast (2008) co-dirigida por el DJ star DIPLO, que recorre las favelas de Río en busca de su música y sus DJs; Bananaz (2008), sobre Gorillaz y el proceso creativo de sus discos y performance en vivo, y Madness: The liberty of Norton Folgate (2009), dirigido por nuestro amigo Julien Temple, un frenético viaje visual y sonoro que retrata un espectáculo brindado por la banda inglesa en 2008. Otros dos films para remarcar son la delirante nac & pop Kapanga todoterreno (2009), y The posters came from the wall (2007), sobre el fanatismo que despierta Depeche Mode en todo el mundo.

Me quedé sin ver la de Kerouac y Beyond Ipanema (ambas con muy buenos comentarios de mis colegas); y me desilusioné con la muy televisiva y superficial Fiebre Stone y con Miranda directo!, registro de un show de la banda de Ale Sergi que repite recursos y efectos y se olvida de los fans. Una pena.

Y la ganadora de la competencia argentina fue... Surdesarrollo Capítulo 1 de José María Lartirigoyen. ¿Como definirla? No es un documental, más bien es un musical que toma como excusa una casona antigua donde una elite especialmente (y caprichosamente) recortada del indie pop y rock argento se da cita para tocar un par de temas. Ellos son Onda Vaga, El mató a un policía motorizado, Los peyotes y Prietto viaja al cosmos con Mariano. También podríamos definirla como una Mono (film de Andrizzi, programador del festival, y Goldrob, de similar propuesta), de estética más minimalista. El propio director confesó en una función que es un film sin pretensiones, muy pequeño. Y así es. Pero el jurado encargado de elegir la mejor peli argenta de este fest se quedó con ella, quizás más por afinidad musical que por premiar en un documental el riesgo, la producción, la mirada, etc.

Un año más de In Edit en el que me crucé con amigos y compartí tragos y buenos momentos.

www.in-editcinzano.com.ar

Seminarios 2009 y opiniones de alumnos

2009-12-10T14:48:00.000-08:00

Entrevista a Michael Shapiro en el Festival de Mar del Plata

2009-12-10T10:58:00.000-08:00

Balance 24º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en Film and Festivals

2009-12-05T06:25:00.000-08:00

Mar del Plata se achica para seguir brillando
por Cynthia Sabat

Los festivales de cine y el mar parecen tener una secreta relación de afinidad. El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata tiene como sede a una de los más bellos destinos turísticos de la Argentina, distante a 400 kilómetros de la ciudad capital, Buenos Aires. Sus extensas playas invitan a largas caminatas, en esta época en la que el verano no tardará en llegar.

El festival es el único calificado por la FIAPF como Clase A en América Latina, y sus orígenes se remontan a mediados de la década del 50, cuando nació como una glamorosa muestra de cine. Su historia está íntimamente unida a los devenires políticos, económicos y sociales de un país con constantes altibajos.

La 24º edición del Festival de Mar del Plata no fue ajena a esta complicada historia. Este año sus organizadores tuvieron el desafío de brindar un interesante panorama cinematográfico, contando con limitados recursos. La austeridad fue el signo de esta edición que, afectada por la crisis internacional y la desventaja económica del peso, puso el énfasis en la programación y redujo drásticamente la cantidad de invitados internacionales.

A pesar de contar con una selección de films de realizadores consagrados (lo nuevo de Francois Ozon, Elia Suleiman, Jacques Audiard, Naomi Kawase, Todd Solondz, Jacques Rivette, y Bong Joon Ho, entre otros), el festival apostó por su selección de cine latinoamericano y argentino. Tras la proyección de A serious man de Joel y Ethan Coen, este festival eminentemente popular comenzó a desarrollarse e intentó satisfacer como cada año a un público conformado más por cinéfilos y estudiantes de cine (Argentina tiene una cantidad inédita de escuelas de cine), que por representantes de la industria.

Los fuertes ajustes realizados en el festival tuvieron sus ventajas y sus desventajas, aunque las desventajas fueron mucho más notorias para quienes conocen de cerca el festival. Este año el evento duró dos días menos (nueve días en vez de los tradicionales once), contó con menos salas de proyección y con la mitad de películas que en años anteriores (unas 220, entre cortos y largometrajes). El cambio de política del INCAA, el ente estatal que regula a la industria cinematográfica, obligó al festival a reclutar como nuevos socios a los gobiernos provinciales y municipales, para no desaparecer.

Es bastante llamativo que el INCAA haya restado apoyo a un evento tan tradicional y, al mismo tiempo, haya decidido apostar fuerte y embarcarse en la organización, junto al Marché Du Film del Festival de Cannes, de Ventana Sur, el primer encuentro dirigido al mercado profesional cinematográfico de América Latina, del 27 al 30 de noviembre en Buenos Aires.

Sin embargo, Mar del Plata ofreció una buena experiencia cinematográfica. Este año se sumó una sala 3D; los cines volvieron a estar llenos, y el ajuste redundó en una organización con menos imprevistos. Sus tres competencias (la internacional, la latinoamericana y la argentina) presentaron un buen nivel de films, así como las actividades especiales, entre las que se destacaron un Seminario de trailers dictado por el gurú Michael Shapiro (también miembro del jurado), y un Taller de Marionetas dictado por John Kennedy, colaborador de Jim Henson, el genio de los Muppets.

El premio mayor, el Astor de Oro, quedó en América Latina. La mexicana Cinco días sin Nora, opera prima de Mariana Chenillo, fue la ganadora de la Competencia Internacional. El palestino Elia Suleiman resultó ganador como Mejor Director por The time that remains, y V.O.S, del español Cesc Gay, obtuvo el premio al Mejor Guión. El jurado decidió entregar un premio especial al elenco del film cubano El cuerno de la abundancia, de Juan Carlos Tabío. Allison Janney (actriz de Life during wartime de Todd Solondz) y Gary Piquer (actor de Mal día para pescar, del uruguayo Alvaro Brechner), se llevaron los premios a la mejor actuación.
La ganadora de la competencia latinoamericana fue La hora de la siesta, el film argentino dirigido por Sofía Mora, y la competencia dedicada al cine nacional tuvo dos ganadores: El hombre de al lado, dirigido por Gastón Duprat y Mariano Cohn, y TL-2 La felicidad es una leyenda urbana, de Tetsuo Lumière.

Aunque no se llevó más que una mención del jurado internacional, la argentina Vikingo de José Celestino Campusano, fue el film más polémico del festival. Su retrato de la marginalidad a través de la vida de un grupo de motoqueros despertó tanto odios como amores, y se llevó nada menos que el Premio FIPRESCI, uno de los premios no oficiales más importantes.

Mar del Plata Film Festivalwww.mardelplatafilmfest.com

Agradecimientos: Mar del Plata Film Fest Press Office and Florencia Gasparini Rey

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Mar del Plata: smaller but still shining
By Cynthia Sabat

Film festivals and sea seem to have a secret relationship of affinity. Mar del Plata International Film Fest takes place in one of the most beautiful touristic destinies of Argentina, 400 kilometers far from the Capital City, Buenos Aires. Its wide beaches are special for long treks, at this time of the year when summer is about to come.

The Festival is the only qualified by FIAPF with Category A in Latin America, and its origins come from the mid 50s, when it appeared as a glamourous film event. Its history is very closed to economical, political and social crisis of a country which is in continuous ups and downs.
The 24° edition of Mar del Plata International Film Fest wasn’t far from these problems. This year, its organizers took the challenge of giving an interesting cinematographic offer with limited resources. Austerity signed this edition that was affected by the international crisis and the economical disadvantages of “peso”, but emphasized on the programming and reduced drastically the number of international visits.

Despite of having a selection of films from world prestigious auteurs (the new films of Francois Ozon, Elia Suleiman, Jacques Audiard, Naomi Kawase, Todd Solondz, Jacques Rivette, Bong Joon Ho, and more) the festival chose to do a special selection of Latin American and Argentine films. After the screening of A Serious Man, by Joel and Ethan Coen, this popular festival started to develop and tried to satisfy its every year audience, mainly composed by movie fans and films students (Argentina has a huge number of film colleges), more than members of the industry.

The strong economic adjustments made on the festival had its advantages and disadvantages, though the disadvantages were much more notorious for those who know the festival closely. This year the event had two days less (nine days instead of the traditional eleven), less screens and a half of movies comparing to other editions (almost 220, in movies and shorts). The changes in the politics of INCAA, the state entity that rules the cinematographic industry, forced the festival to recruit the provincial and local government of Mar del Plata as economic associates, in order not to disappear.

It is quite alarming that INCAA had removed its support to such a traditional event, and at the same time, it had decided to make a strong bet at organizing –in association with Marché du Film, from Cannes Film Festival- Ventana Sur, the first encounter for professional cinematographic market of Latin America, which will take place from 27 – 30 November, in Buenos Aires.

Nevertheless, Mar del Plata offered a good cinematographic experience. This year added a 3D screen, cinemas were full again and the adjustments made an organization with less unforeseen. Its three competitions (International, Latin American and Argentine) showed a good level of films, so did the special activities, where the most remarkable were a Trailer Seminary, by the “guru” Michael Shapiro (also member of the jury) and a Master Class of John Kennedy –Jim Henson’s collaborator- who teached the audience how to make its own puppets.

The main award –Golden Astor- remained in Latin America. The Mexican film Cinco días sin Nora (Nora’s Will), the first work of Mariana Chenillo, was the winner of the International Competition. The Palestine Elia Suleiman won as Best Director, for its film The time that remains, and V.O.S., from the Spanish filmmaker Cesc Gay, won as Best Script. The jury decided to give a special award to the cast of the Cuban film El cuerno de la abundancia (The horn of plenty), directed by Juan Carlos Tabío. Allison Janey (from Todd Solondz’s film Life during wartime) and Gary Piquer (from Mal día para pescar, by the Uruguayan filmmaker Alvaro Brechner) were awarded as Best Actors.

The winner of the Latin American Competition was La hora de la siesta (Siesta), the Argentine film directed by Sofía Mora, and the Argentine Competition had two winners: El hombre de al lado (The man next door) directed by Mariano Cohn and Gastón Duprat, and TL-2: La felicidad es una leyenda urbana (TL-2: Happiness is a urban legend), by Tetsuo Lumiere.

Though it only won a special mention from the international jury, the Argentine film Vikingo (Viking), by José Celestino Campusano, was the most controversial film of the festival. Its portrait of marginal life through a group of motorcycle men generated lovers and haters and was awarded with the FIPRESCI prize, one of the most important non-official awards.

Special thanks to: Mar del Plata Film Fest Press Office and Florencia Gasparini Rey.

Film and Festivals - Issue 18, Dic. 2009

www.filmandfestivals.com

A Mar del Plata en alpargatas

2009-12-06T17:32:00.000-08:00

A Mar del Plata en alpargatas
Reflexiones sobre un festival de cine en peligro de extinción
por Cynthia Sabat

Mar del Plata es una ciudad extraña, donde conviven lo bello y lo bizarro. La imponente arquitectura de la Rambla, del Casino y del resucitado Hotel Provincial contrasta violentamente con las señoras pasadas de sol y kilos buscando almejas, o la feria de productos ilegales que se instaló a pasos de la Bristol, y que no tiene nada que envidiarle a La Salada. El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, aquel que en los años 50s nació como una glamorosa muestra de cine, refleja de alguna manera esta curiosa naturaleza. Algunos recuerdan todavía la Era Maharbiz, cuya impronta menemista tuvo al despilfarro como insignia, y a Gérard Depardieu, Gina Lollobrigida y Maria Grazia Cucinotta como estrellas invitadas, a un precio demasiado alto. Pero también exquisitos directores de bajo perfil pasaron por Mar del Plata; basta nombrar a un Abbas Kiarostami, a un Olivier Assayas, a un Volker Schlöndorff, o a un Bruno Dumont. Incluso Abel Ferrara, Michael Winterbotton, Juliette Binoche, Susan Sarandon y Tim Robbins coincidieron en 2006, en una misma (memorable) edición.

La 24º edición del festival, que se realizó del 7 al 15 de noviembre, dejó en claro que hoy el evento está muy lejos de esa imagen glamorosa e internacional. El cambio de rumbo no se dio de un día para otro, pero es inevitable pensar que Mar del Plata se encuentra en un momento decisivo de su historia: debe encontrar su propio perfil dentro del nuevo panorama de festivales locales (con Bafici y el flamante mercado Ventana Sur en alza). De otro modo quedaría expuesto a su posible desaparición.

La austeridad fue el signo de la última edición. Podría decirse que Mar del Plata se achicó para sobrevivir. Las razones son económicas y políticas, pero sobretodo políticas. No era difícil imaginar que la crisis internacional y la desventaja del peso frente al euro y al dólar, haría muy difícil la realización de un evento de la talla de Mar del Plata. Pero la decisión política del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales) de acotar su apoyo económico a la Muestra, y sumar a los gobiernos provinciales y municipales como socios, ya estaba tomada desde el año pasado, cuando su Presidenta, Liliana Mazure, lo anunció en conferencia de prensa al finalizar la 23º edición.

Mar del Plata tomó algunas decisiones para no morir en el intento: redujo su staff de programadores; acotó la selección de películas (a 220, entre largos y cortos); redujo la duración del festival (tuvo dos días menos), y eliminó el tradicional Diario del festival. Además redujo al mínimo la cantidad de invitados internacionales, y (en un gesto muy objetable) eliminó la fiesta de apertura y cierre, e incluso la película de clausura anunciada (Taking Woodstock, de Ang Lee).

¿Cuál es el peligro de esta reducción radical? El Festival de Cine de Mar del Plata es un festival Categoría A, calificación que otorga la FIAPF, (la entidad internacional que regula los festivales de cine), y que lo emparenta a eventos del calibre de Cannes, Berlín, Venecia y San Sebastián. Mar del Plata es el único festival Clase A de la región, pero podría perder esa calificación si no cumple ciertos requisitos.

Frente al difícil panorama, el director del festival, José Martínez Suárez, aportó su inteligencia, su gusto y su carácter para remontar la edición y resolver el ajuste con ideas. La elección de la película de apertura, A serious man, lo nuevo de los Hermanos Coen, fue sin dudas uno de los aciertos. Pero varias secciones tuvieron como eje el cine masivo, en desmedro del cine hermético, radical y experimental, ese que suelen buscar los cinéfilos de la rama dura. Secciones como A sala llena (que concentró al cine nacional más taquillero, con la infaltable El secreto de sus ojos de Juan José Campanella) estuvieron destinadas a agotar funciones y a acercar a un público menos festivaleros al evento. Además la sección 3D reunió a películas como Up, Bolt y Boogie el aceitoso en una flamante sala digital 3D.

¿Qué nos quedó a los cinéfilos que año a año vamos a buscar descubrimientos, perlas, hallazgos? A algunos, el perfil del festival nos hizo extrañar tiempos pasados y no muy lejanos, en los que la sección Heterodoxia, Cerca de lo oscuro, e incluso Ventana documental nos deparaba rarezas, films radicales e independientes, que no tendrían ni por asomo un estreno comercial. Este año el porcentaje de films que ya contaban con distribución asegurada en la Argentina fue considerablemente mayor.

Mar del Plata cumplirá en 2010, año del Bicentenario, sus 25 años, sus Bodas de Plata. ¿Cuál es el futuro que le espera? Es difícil decirlo hoy, pero lo que sí es cierto, es que este Festival cuenta con una historia de 60 años en los que al igual que el país sufrió todo tipo de vaivenes políticos y económicos, de los que hasta hoy logró sobrevivir. Si desaparece, desaparecerá con él una parte importante de nuestra historia cultural, y habremos dado un paso más en arrojar al olvido la Historia. Parece contradictorio temer su desaparición justamente en el año del Bicentenario. Pero Mar del Plata ha perdido todo interés de la industria del cine y, más peligroso aún para su destino, es que ha perdido todo interés institucional y político por parte del gobierno, que durante años lo consideró una plataforma de anuncios estratégica y un bastión cultural de gran importancia. Ayer nomás la Presidenta Cristina Kirchner se hacía presente en el Festival para premiar la trayectoria de figuras emblemáticas como Pino Solanas, Gustavo Santaolalla y Leonardo Favio.

Escuela de cine para algunos, evento decadente y poco fashion para otros, Mar del Plata tiene en sus manos (¿o no?) su propio destino. Algunos esperamos que lo encuentre, para volver otra vez a La feliz en busca de buenas dosis de cine. Aunque sea en alpargatas.

Nota publicada en www.fonoscopio.com.ar

Estrenos y recomendaciones en DVD : Rosetta, Home y Frozen River

2009-12-08T18:03:00.000-08:00

De la guerra
Rosetta de Jean-Pierre y Luc DardenneFrancia-Bélgica, (1999)

Algo así como la “justicia cinematográfica” (si eso existiera) viene a cumplirse con el estreno en cines de Rosetta. Diez años pasaron desde su producción, y una década también desde que ganara la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Diez años que no hicieron sino intensificar su sentido, recrudecer sus imágenes. Émilie Dequenne (quien ganó la Palma de Oro como Mejor Actriz) es Rosetta, una chica que vive en un camping con su madre alcohólica, y que está dispuesta a hacer lo que sea por un trabajo. El rostro de Rosetta es el rostro de la soledad, de la desesperación. Hace tiempo que perdió la inocencia, arrojada a vivir en un mundo que no la contiene. Rosetta sale a buscar un trabajo como si fuera a la guerra. Se ha hecho fuerte a fuerza de golpes. Ni siquiera una amistad a punto de nacer podrá detenerla. Jean-Pierre y Luc Dardenne, dos veces ganadores de la Palma de Oro (la otra fue con El niño, en 2005) lograron sintetizar en Rosetta (quizás mejor que en sus otras películas) ese oscuro mundo que la burguesía europea esconde bajo la alfombra: el de los marginados, el de los jóvenes sin futuro, y el de los inmigrantes que viven refugiados del hambre en los suburbios. Hay algo de la Mouchette de Robert Bresson en Rosetta: las dos están solas y cargan sobre sus hombros un peso demasiado pesado para su edad. Ninguna de las dos habla mucho. Las dos intentan quitarse la vida. Y un solo intento no les alcanza. La desesperación de Rosetta por sobrevivir es también la de Lorna; el silencio de Rosetta es también el de Lorna.

HOME, de Ursula MeierSuiza, Francia, Bélgica, 2008
Lanzamiento en DVD por Transeuropa

Si toda familia, por definición, es disfuncional, esta familia lo es mucho más. Marthe y Michel viven con sus tres hijos en una casa en medio del campo, al borde de una autopista a medio construir que nunca se inauguró. Un día llega un camión con obreros, y la estabilidad emocional de la familia sufre un sacudón. El tránsito y el ruido comienzan a crecer, y la familia empieza un proceso de alienación que culmina cuando tapan puertas y ventanas y deciden vivir encerrados. La fotografía de Agnes Godard es exquisita; Isabelle Huppert y Olivier Gourmet están memorables, y la banda de sonido incluye Wild is the Wind de Nina Simone.

RIO CONGELADO, de Courtney Hunt, USA, 2008
Lanzamiento en DVD por Sony

Dentro del desparejo panorama del reciente cine independiente norteamericano, hay algunas películas que se destacan por su potencia y economía de recursos. Esta es una de ellas. Río congelado cuenta la historia de Ray Eddy, una mujer abandonada por su marido que lucha para mantener y criar como puede a sus dos hijos, y Lila, una joven india mohawk que vive en una casa rodante, y sobrevive haciendo trabajos ilegales. Aunque entre las dos hay una rivalidad racial, Ray termina trabajando como socia de Lila, transportando en su auto a inmigrantes ilegales de noche, a través de un río congelado. La inquietante atmósfera llena de suspenso, y la ambigua relación entre las dos mujeres, son los hallazgos de este pequeño film indie que ganó el Premio Especial del Jurado en Sundance, y que aquí fue directo a DVD, sin pasar por los cines.

Nota publicada en la Revista Babia Dic-Enero 2010.

SIMIAN MOBILE DISCO : Hustler

2009-04-14T13:58:00.000-07:00

Futuras películas preferidas del 2010

2009-12-14T08:21:00.000-08:00

COMING ATTRACTIONS
Estuvimos presentes en la 24º edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Fuimos, vimos y elegimos las películas que dejaron su marca, y que vale la pena esperar. Aquí un avance de las películas que nos harán felices (pronto).

Antichrist de Lars Von Trier (Dinamarca, Alemania, Francia, 2009)
El enfant terrible del cine contemporáneo se supera a sí mismo con cada nueva película. Para muestra basta este cuentito de terror hogareño, con sexo explícito, un zorro parlante, y la muerte de un niño ad hoc. Charlotte Gainsbourg deja todo en pantalla, y Willen Dafoe no se queda atrás. Para tomar o dejar.

Moon de Duncan Jones (UK, 2009)
Sci-fi de exquisita confección, con un guión impecable y doble dosis del gran Sam Rockwell en el papel de Sam y su clon, un astronauta solo en la cara oscura de la luna, que sueña con volver a casa. Con elegante banda de sonido a cargo de Clint Mansell. Duncan es el hijo de David Bowie, pero brilla con luz propia.

Life during wartime de Todd Solondz (USA, 2009)
Mientras gran parte del cine independiente americano pierde el rumbo, Solondz sigue fiel a su estilo impiadoso, y en cada uno de sus films va por más. Este drama con toques de humor negro continúa la historia de las hermanas de Felicidad, y pone el foco en una familia marcada por un padre pedófilo que intenta (pero no puede) superar el trauma. La aparición de Charlotte Rampling es de lo mejor del film.

Nanayo de Naomi Kawase (Japón, Francia, 2009)
La gran realizadora japonesa detrás de Shara y El secreto del bosque, cuenta la historia de una mujer que viaja a Tailandia y encuentra por casualidad una nueva familia que le revela el poder de lo sagrado. Bella, luminosa, sutil. Con la actuación de Gregoire Colin, y un plano final memorable.

Unmade beds de Alexis Dos Santos (UK, 2009)
El director argentino que vive en Londres, y se hizo conocido aquí por su encantadora opera prima Glue (donde brillaban unos jovencísimos Nahuel Pérez Biscayart, Inés Efrón y Nahuel Viale), cuenta una historia de dos adolescentes solos y tristes que insisten en buscar el amor. Estilizada y melancólica, con soundtrack memorable que incluye a Tindersticks, Daniel Johnston y perlas desconocidas de la escena under londinense.

Yuki & Nina de Nobuhiro Suwa & Hippolyte Girardot (Francia, 2009)
Un díptico embriagador: en la primera parte, los padres de Yuki (un matrimonio franco-japonés que vive en París) decide separarse, y la madre planea llevarla a vivir a Japón; en la segunda, Yuki se interna en un bosque y llega a un lugar inesperado. El conflicto entre occidente y oriente, muy caro al cine de Suwa, se combina con cierto aire kawaseano, casi fantástico, donde las emociones están a flor de piel.

Nota publicada en la revista Babia Dic-Ene 2010.

Balance 24º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

2009-12-01T10:23:00.001-08:00

Me tomé unos cuantos días para pensar este balance, mientras caminaba los pasillos del Harrods, intentando entender de qué iba Ventana Sur. Creo que fue bueno dejar pasar un tiempo, porque las emociones se ordenan y uno puede ver más claramente lo que pasó. Aquí van algunas ideas.

- Es indiscutible que el Festival de Mar del Plata está en un momento clave de su historia. La sensación es que el achicamiento que sufrió en esta 24º edición no respondió solamente a motivos económicos, sino (y fundamentalmente) a una decisión política. Es claro que ha perdido todo interés para la industria del cine (interés que se concentra en Ventana Sur y Bafici), y que su perfil es hoy el de un festival popular, que reune a cinéfilos pero que ha perdido todo nervio, todo glamour, y sobre todo, todo interés institucional. Pensemos que el año pasado la mismísima Presidenta estuvo en el escenario entregando un premio a Leonardo Favio... ¿cómo puede ser que en un año se haya perdido el interés en apoyarlo? Así es la Argentina. Quizás, aunque suene duro, el festival ya no sea funcional a ningún funcionario de turno. El problema es que Mar del Plata tiene una historia riquísima detrás, y que esto quizás demuestra cierta impotencia del INCAA, que en vez de pensar ideas creativas de acuerdo al escenario que plantea el cine actual, le suelta la mano y prefiere empezar otros proyectos desde cero.

-La selección de películas (220, entre cortos y largos) fue extraña. Si tenemos en cuenta los programas de trailers, la curiosa (¿para qué sirvió?) sección A sala llena, el programa de pelis de los Muppets, la sección Omisiones de la academia, etc...el espacio para los descubrimientos cinéfilos fue casi nulo. Yo particularmente extrañé la sección Heterodoxia (programada por Mauro Andrizzi), los descubrimientos de Cerca de lo oscuro (de Mariano Goldrob), y los documentales radicales de la era Mazzola. Creo que el criterio fue el de un cine doméstico, lejos de lo radical, de lo perturbador y de lo híbrido. Acordémonos que en un momento se lo acusó al Festival de Mar del Plata de "querer parecerse al Bafici". Hoy esa idea parece impensable. Nunca Mar del Plata se alejó tanto del Bafici. ¿Motivos? Cambio de programadores, que vienen con un interesante background, pero un estilo muy diferente. Y también el gusto de un director como José Martínez Suárez, cuyo gusto tiende al cine clásico. No se puede objetar, sin embargo, su buen tacto para elegir A serious man de los Hnos. Coen como película de apertura.

- Muchos periodistas históricos que hace años que lo cubren, no pudieron viajar a Mar del Plata. El recorte se hizo sentir. Faltaban caras familiares, caras de gente que trabaja cubriendo el festival para sus radios o sitios webs. Esa es una pena, porque uno siente que la trayectoria no sirve para nada, cuando cambian los equipos de trabajo. Cuando mandé el pedido de acreditación, me contestaron que me la otorgaban pero sin alojamiento ni pasajes. Mi editor tuvo que interceder por mí, y mandar un mail a Colombo. Finalmente conseguí pasajes y alojamiento por 4 días (al final me ofrecieron ir todo el festival, pero no podía por motivos laborales), pero mi pregunta es: ¿por qué esa arbitrariedad en la oficina de prensa? El trabajo de la oficina del festival, desde mi experiencia personal, fue muy superior en otras épocas, como la de Bucky Butcovic. El año pasado me tocó trabajar como redactora de la sala de prensa, y el trabajo era enorme. Este año no se generaron fichas técnicas, y muy poco material extra para los periodistas presentes. Fue todo un problema tener acceso a entrevistas y fotos del dia, ya que en vez de contratar al sitio Image.net (como todos los años), se utilizó un sitio alemán (!!!), donde los links a las carpetas de fotos no funcionaban. En resumen: no fue fácil trabajar como periodista en la última edición de Mar del Plata. Sin desmerecer el empeño que ponían algunos en solucionar problemas (Gabys, Sebastián, Matías) el servicio fue muy acotado, quizás por la falta de recursos, o quizás por la falta de experiencia de la oficina en eventos de la embergadura de este festival (de cine, no de espectáculos).

- El aspecto protocolar fue bastante bochornoso. El hecho de eliminar la fiesta de apertura y cierre, y reemplazarlo por empanadas y vino (ambos horribles) en el Foyer del Auditorium fue un papelón. ¿Cómo lo habrán tomado los invitados extranjeros, a los que le deben haber dicho que este era un festival Clase A? ¿Hacía falta desmerecer así el protocolo? ¿Por qué se anuló la película de cierre, Taking Woodstock? Este es un aspecto en el que Mar del Plata restó muchos puntos.

- Los premios fueron muy pertinentes al perfil del festival. La ganadora, Cinco días sin Nora, es un film clásico, una comedia negra costumbrista, con bastantes estereotipos (el ex marido intelectual, gruñón y ateo, etc etc). Convengamos que Mar del Plata difícilmente caiga en premiar el riesgo, las estéticas arriesgadas. Por otro lado Vikingo, película de Campusano que no vi aún, se llevó el Premio Fipresci, el premio no oficial más respetado. No se puede negar que Vikingo despertó amores y odios. Habrá que verla para poder hablar. Un film de gran riesgo, Hiroshima de Pablo Stoll, logró llevarse una mención en la Competencia Latinoamericana. Sólo una mención. Me alegró el premio ex aequo de la sección Argentina para El hombre de al lado (que ya tiene distribuidor y estreno asegurado en 2010), y TL 2, el ultraindependiente Buster Keaton argento.

- ¿Qué pasará en 2010, cuando Mar del Plata cumpla nada menos que sus Bodas de Plata? Creo que el desafío de quienes tienen que definir su destino es encontrar EL perfil que lo salve de la extinción, y de los vaivenes políticos y caprichos de los funcionarios. Yo quiero que Mar del Plata sobreviva a esta crisis, y salga fortalecido encontrando el perfil más apropiado para un festival de estas caraterísticas.

Mar del Plata Film Fest : Mi día de película Nº3

2009-11-23T07:54:00.000-08:00

La mañana comenzó con una sorpresa: al pasar cerca del Hermitage vi una multitud en la vereda de las estrellas, y allí estaba Juan José Campanella, el hombre de los dos millones y medio de espectadores, poniendo las manos en el cemento. Un grupo de señoras hacía cola para saludarlo y sacarse una foto con él. Juan José, siempre bien dispuesto con sus fans, no tuvo problemas en conversar con ellos. Lo saludé y le dije que quería entrevistarlo, pero al final del festival no habíamos podido coincidir con un rato para hacerla. Otra vez será. Debo decir que soy muy crítica con El secreto de sus ojos. No me gustaron nada algunas cosas que muchos marcan como lo mejor del film, como la famosa escena en la cancha de Huracán (que formalmente no tiene nada que ver con la película, y su justificación es dudosa...), o la historia de amor postergado entre Soledad Villamil y Ricardo Darín. Sus anteriores películas tampoco me convencieron, pero hay que admitir que tiene un don: todo lo que filma llega a millones de personas.

Más tarde fui a ver The times that remains, de Elia Suleiman. No me sorprendió comprobar que se trata de un muy buen film que sigue en la línea de los anteriores. Conocí el cine de Suleiman en un BAFICI que realizó una retrospectiva, y me maravilló su sentido del humor político, y su capacidad de sintetizar en una escena muda, puramente física, un conflicto complejísimo (palertino-israelí). Un film autobiográfico muy bello, muy humano, que me emocionó. La presencia de Suleiman en pantalla es algo para recordar.

Comprobé más tarde que era mi día de suerte: Life during wartime está dentro de lo mejor que vi en el festival. Lo nuevo de Solondz quizás no sea lo mejor de su filmografía, pero Todd sigue teniendo un pulso único para combinar el humor negro con el drama más terrible. Soy muy fan de Solondz (es más, la primera crítica que escribí en mi vida fue sobre Happiness, film muy relacionado con este, ya que de alguna forma continúa con las historias de sus personajes femeninos). Son especialmente recordables la primera escena (con esa gran frase: "me siento un poco....dejá vú"); la aparición de la imponente Charlotte Rampling ("¡decime que sos heterosexual!"), y la escena en la que el padre (Ciaran Hinds) visita al hijo que violó años antes. Memorables diálogos, memorables actuaciones, memorables climas. Me acaban de comentar que CDI films la estrenará en febrero o marzo de 2010.

Recomendada por Pablo Conde, Antoine resultó una linda sorpresa de la sección Nuevos Autores. Se trata de un film con mirada documental sobre la vida de un niño ciego con una imaginación desbordante, que presenta como un ficción la historia detectivesca que arman en sus juegos Antoine y sus amiguitas. Me resultó encantador, un film muy libre que busca romper los moldes y prejuicios del doc. Por momentos corre el riesgo de dispersarse demasiado, siguiendo acciones que se alejan de su centro narrativo, pero aún así fue una bocanada de aire fresco. Había muy poca gente en la sala...supongo que lo que habrán leído como sinopsis habrá asustado a muchos. Antoine dista mucho de una mirada depresiva de la ceguera infantil; más bien apunta a mostrar cómo la imaginación y las ganas de vivir ayudan a superar la falta de visión.

Finalmente, una delicia: Yuki and Nina, de Nobuhiro Suwa y Hippolyte Girardot. Un film con dos partes muy diferenciadas. La primera, muy Suwa (el conflicto y la seducción entre Occidente y Oriente, representado por un matrimonio franco-japonés que se separa), y la segunda muy Kawase (la hija del matrimonio, Yuki, se interna en un bosque desviándose de su camino, y llega a un lugar inesperado). Maravillosa cámara, actuaciones, escenas, climas... es uno de los films más bellos que vi en este festival. Zetafilms ya lo compró y lo estrenará durante 2010.

Mar del Plata Film Fest : Mi día de película Nº1

2009-11-13T04:41:00.000-08:00

Siempre es una felicidad volver al Festival de Mardel. Con mejores o peores películas, con mejor o peor organización, ya se volvió uno de mis momentos favoritos del año. Este año mi visita es más corta de lo normal (sólo 4 dias), por eso quise aprovecharla al máximo. Apenas llegada a La Feliz, me dirigí al Provincial porque me moría de ganas de participar del Taller de Marionetas que dictó John Kennedy. La experiencia fue genial.

En un gran salón (lo que en otras ediciones era la sala de prensa), estaban dispuestas grandes mesas, con pistolas de pegamento. Todo invitaba al trabajo de realizar una marioneta...un muppet, bah. Pensé que este era un buen desafío para mí, ya que no me caracterizó por mi habilidad en tareas manuales...Kennedy mostró un storyboard, y luego el corto que realizó con ovejitas hechas con mangas de buzos...el resultado era impresionante.

Un corto animado que mostraba una imaginación y una gracia desbordantes, en el que Kennedy (además), había realizado todas las voces... El taller nos invitaba a INTENTAR hacer una oveja parecida.

Había desde adultos con sus hijos, hasta señores y señoras mayores, todos entusiasmadísimos siguiendo el paso-a-paso de la oveja, poniendo manos a la obra, y sobretodo, pasandola muy bien. Todo el mundo colaboraba con el que estaba al lado, y le elogiaba la oveja para levantarle el ánimo..jaja.

Después de mucho batallar con las telas y el pegamento, me salió algo más parecido a un Gremling que a una oveja. Pero bueno, tenía una cara y daba un poco de ternura. Me sentí realizada y feliz, fue una experiencia hermosa, muy bien planeada desde la organización del festival. Partí contenta a ver un film llamado Dogtooth, de la competencia internacional.

Dogtooth resultó un inquietante y perturbador retrato de una familia disfuncional (sí, ¡el colmo de la flia disfuncional!), en la que la madre favorece el incesto; el padre le pega con todas sus fuerzas a sus hijas, y una chica se destroza la boca con una mancuerna. Todo esto y mucho más es la griega Dogtooth: como una versión reloaded de Home, de Ursula Meier. Me gustó muchísimo. Tiene un gran trabajo de imagen, una fotografía cuidadísima. El director estuvo presente en la conferencia, pero sus respuestas no dieron cuenta del caracter extremo de su film.

Después de llorar como pocas veces con la conmovedora Letters to Father Jacob, y de pasear un rato por Mardel, me dirigí al Seminario de Trailers dictado por Michael Shapiro, miembro del jurado y gurú de la industria del trailer en Hollywood. Muy interesante su exposición, y muy buenas las preguntas del público. Shapiro contestó con muy buen disposición, se lo vio muy exultante y al final largó un (sí, demagógico, pero se hizo querer) "I love Mar del Plata!".

Para terminar el día bien arriba, fui a las salas Del Paseo para ver Ricky de Francois Ozon. ¿Qué decir de este film? Algunos lo toman como un cuento de hadas...es una lectura posible, pero la primera impresión fue de un delirio de un chico burgués que trata de huir del vacío absoluto. Como si quisiera contestar la pregunta acerca de qué se puede contar que no haya sido contado. Es la historia de un bebé al que le salen alas...y vuela, y se pierde en el cielo. Y de una familia, con todos sus conflictos. Ozon ya me perdió como espectadora...extraño su época de Bajo la arena.

Algunos la vieron como un cuento de hadas, y otros como un film que bordea lo kitsch, y que rehuye a darle un código al espectador a partir del cual mirarla. ¡¿Qué otra cosa puede filmar un director que se pone ese pañuelo en el cuello?! Ozon, estás hecho una loca.

Mar del Plata Film Fest : Mi día de película Nº2

2009-11-13T05:21:00.001-08:00

Mi segundo día de película (la expresión es un homenaje a esos periodistas que hoy, y sin ninguna verguenza, siguen titulando así...) comenzó con la proyección de Francia, de Israel Adrián Caetano. Gran expectativa rodeó la proyección a sala llena.

Tras la proyección, Caetano, Natalia Oreiro (la protagonista), Mónica Ayos y Daniel Valenzuela, brindaron una conferencia de prensa para muchísimos colegas periodistas y fotógrafos, deslumbrados por la cuota de glamour que había estado ausente en el fest...hasta que la Oreiro se hizo presente.

La película cuenta la historia de una familia rota por la separación de los padres que, aunque pasan por una situación económica y afectiva muy complicada, intentan mantener protegida a su hija, y tratan de brindarle amor a pesar de todo. La niña protagonista es Milagros, hija de Caetano, una niña rara de unos 12 años. Hay cosas que son poco creíbles en el film, empezando por el hecho de que la nena no se parece en nada a la Oreiro. Tiene apuntes muy básicos y trillados sobre el deteríoro de las instituciones (la escuela, el psicólogo, etc), y sobre la soledad y el aislamiento de esa gente en tiempos difíciles. La pelicula no me gustó; rescato sólo algunas escenas logradas (como la escena en la que el personaje de la Oreiro renuncia a su trabajo de mucama). El film (con su happy end a todo trapo) fue descripto por el propio Caetano como peronista...y por algún crítico (Quintín) como kirschnerista.

Me encontré con Matías y Jose en el Ambassador, antes de la proyección de Unmade beds de Alexis Dos Santos. Le agradecí a Jose el haberme hospedado en su petit hotel, donde el staff completo del sitio A sala llena para, y haberme hecho sentir como en mi casa. Teníamos todos mucha expectativa con la nueva peli de Alexis, que nos había deslumbrado con Glue hace algunos años.

La sala estaba llenísima, y Alexis estuvo allí para presentar el film. Alexis balbucea, no se le entiende muy bien lo que dice, pero se lo veia muy emocionado (creo que sigue viviendo en Londres, y en la sala estaba presente su familia). Unmade beds fue muy recibida por el público, compuesto por mucha gente joven, que aplaudió el final. Como en su peli anterior, la banda de sonido es IM PRE SIO NAN TE, y la fotografía también. Me gustó mucho, el guión y las actuaciones me parecieron muy ajustadas...lo único que puedo objetarle es que por momentos está al borde de caer en la pura estilización, de ser un gran videoclip, como si la cámara se enamorara de las imágenes y la música y se detuviera demasiado para girar en torno a algo intrascendente. Me gustaron mucho los protagonistas (la hermosa barbie Deborah Francois, y un clon de Nahuelito Perez Bizcayart, pero español).

Alexis nunca se despegó de su mochila, que ya es un clásico de festivales. Una señora impertinente le preguntó su edad...y él se puso muy coqueto, pero al final reveló que tiene mucho más de lo que parece! Me alegró mucho ver la peli y ver a Alexis, a quien saludé ya que nos comunicamos via email desde hace unos años.

Del Ambassador partí hacia el Colón, al encuentro de Hiroshima, de Pablo Stoll. Película rara, utiliza intertítulos, como en las pelis mudas, para plasmar la incomunicación del personaje central, al que la cámara sigue durante todo el film. Me pareció arriesgada, sorprendente, por momentos de difícil visión, por momentos casi experimental. Tiene hallazgos, como la escena del encuentro del protagonista con su padre en la calle. Un prodigio esa escena. Síntesis, impacto. La película está dedicada a su fallecido co-equiper Rebella. Tengo ganas de entrevistar a Stoll, saldré a buscarlo por ahi. ¡Vamos el cine uruguayo!

Mar del Plata Film Fest : Mi día de película Nº4

2009-11-23T09:24:00.000-08:00

Cuatro días de festival se pasan volando. Por eso, en mi último día, me debatí entre invertir mi tiempo entre el anuncio de los premios y la premiación, o priorizar las películas. Y finalmente me decidí por las pelis. Fui a ver El hombre de al lado, pese a que no me había gustado nada El artista. Aquella película tan sobrevalorada de Cohn y Duprat, a mi entender era superficial y esquemática, demasiado obvia y nada cinematográfica (más bien televisiva). Además, había sido producida por Costa Films (léase Costantini, léase Malba). Todo el conjunto volvía inocuo todo afán de crítica disfrazada de humor... o de diagnóstico, o de apunte sagaz sobre el arte.

Pero me llevé una sorpresa. El hombre de al lado muestra una gran superación en el tandem de directores. Es de una precisión notable en el humor, las actuaciones y la puesta en escena. El guión es un modelo de simpleza y eficacia. Además, me reí muchísimo. Creo que va gozar de buenas críticas y de una gran aceptación en su estreno. Cris Zurutuza me confirmó que la estrenará Primer Plano en 2010, pero que aún preveen que viaje por festivales. Están geniales los actores (Daniel Araoz y -ah, bello!- Rafael Spregelburg) y, además, es imposible no remitirse a La ventana indiscreta. Es una película sobre el mirar y el ser mirado. Y la paranoia.

A la hora señalada, estuve presente en la antesala del Auditorium, que fue lo más parecido a un 60 en hora pico, pero con mozas con platos llenos de empanadas recalentadas y vino del peor. La verdad sea dicha: no había razón para caer tan bajo. Espantada por el lunch y por el retraso exagerado en el comienzo de la ceremonia (y por los rumores de que no había película de cierre, y que ya sabía quienes eran los ganadores...), tomé una buena decisión: fui hasta el Ambassador para ver Camino de Javier Fesser.

Gran director Javier Fesser. El milagro de P. Tinto me pareció un desparpajo total. Me habían contado casi toda Camino, así que fui predispuesta a no llorar. Me enfoqué en los aspectos técnicos, visuales, narrativos. Es una película muy provocativa, casi podría compararla a la gran provocación que es Antichrist de Lars Von Trier. Fesser mezcla el drama más absoluto de una niña que en la flor de su edad contrae un cáncer galopante mientras va adquiriendo un sentido místico (el film podría llamarse también La niña santa), con escenas musicales que parecen extraídas del Disney Channel, o de Hannah Montana, o de Hight School Musical. La niña, Camino, se evade de su agonía mediante su imaginación, y en los momentos en que está anestesiada baila y expresa su amor al chico que la enamora. Fesser usa dramáticamente la feroz dicotomía, y crea un film osado, políticamente incorrecto (que incluye tomas quirúrgicas de las operaciones a la pobre chica, no aptas para personas impresionables), de esos que uno ama u odia. Me imagino cómo debe haber caído este film en el público español más pacato y ultracatólico. Bien por Fesser, cada vez lo banco más!

El último film de mi festival no fue gran cosa, pero quería verlo. Accident, dirigido por un discípulo de Johnny To, no le llega ni a los talones al cine del master. Parece un film de los 90s lleno de clichés y de una inocencia grande con respecto al género. ¡Volví a casa con ganas de ver todo Johnnny To! Ese fue su efecto positivo.

Seminario Tsai Ming-liang

2009-10-07T10:27:00.000-07:00

Seminario Tsai Ming-liang
A cargo de Cynthia Sabat*

El seminario propone un viaje por la filmografía de uno de los más exquisitos directores orientales, y un exhaustivo análisis de su obra. Como bonus-track presentaremos el film Help Me Eros, producido por Tsai Ming-liang y dirigido por su actor fetiche, Lee Khang-sheng.
Costo: $ 120 mensual.

Módulo 1:
Jueves 15-10: Rebels of the Neon God (1992)
Jueves 22-10: Vive L'Amour (1994)
Jueves 29-10: The river (1997)
Jueves 5-11: The Hole (1998)

Módulo 2:
Jueves 12-11: The Skywalk Is Gone (2002) + Good Bye, Dragon Inn (2003)
Jueves 19-11: I Don't Want to Sleep Alone (2006)
Jueves 26-11: Film a confirmar.
Jueves 3-12: Bonus track: Help Me Eros, de Lee Khan-sheng

La organización se reserva el derecho de cambiar las fechas de proyección o los films programados, si así fuere necesario.

*Cynthia Sabat
Es docente y periodista de cine. Fue la editora responsable del sitio cineindependiente.com.ar,un portal pionero que acompañó el nacimiento del Nuevo Cine Argentino (1997 a 2001). Fue directora y editora del Diario Oficial del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata durante tres ediciones (2003 a 2005), y redactora de la sala de prensa en 2008. Trabajó como editora de la revista Haciendo Cine (2005 a 2008). Estudió Filosofía y Edición Colaboró con medios especializados como Otroscines.com y la revista inglesa Film & Festivals. Actualmente escribe en su blog habiaunavezunachica.blogspot.com. Ha coordinado cineclubes; ha participado como jurado en festivales (Imágenes de la Patagonia 2007, Fesaalp 2007, Gualeguaychú 2009), y ha dictado seminarios de periodismo y crítica de cine, análisis de films y estrategias de comunicación para películas independientes (Programa País, INCAA-Salta 2007, Imágenes de la Patagonia 2007, Muestra Lucas Demare 2009, Fesaalp 2008 y 2009).

Cineclub Buenos Aires Mon Amour – San Telmo

Reservas: info@cineclubmonamour.com

Gira por festivales

2009-09-29T07:14:00.001-07:00

Mi gira por festivales amigos (nuevos y viejos) terminó con mucha felicidad. Estuve en el FESAALP, en su cuarta edición. Es un festival muy querido, la paso muy bien y veo muy buenas pelis independientes y cortos. Este año volví a dar mi Seminario de Periodismo y Crítica de cine corregido y aumentado. Hubo menos concurrencia que la que se esperaba, porque a la hora de comenzar la actividad llovía torrencialmente y hacía un frío tremendo. Una pena, pero igual salió muy bien, los concurrentes eran todos periodistas de radio platenses, hicieron preguntas, propuestas varias y se llevaron el diploma que certifica que hicieron el seminario.

Estuve con Fede, Lia, Sebastián y Juan Manuel. Todos me recibieron como siempre, muy divinos, con todas las ganas de apoyar el cine y las actividades formativas. Este año sumaron un hermoso meeting point, que no tiene nada que envidiarle al del Bafici, bravo chicos!

A pesar del frío inédito para esta época del año, la pasamos muy bien tomando vinitos en el coqueto meeting point y hablando de cine. También conversé con los chicos de Videofilms, la nueva distribuidora indie, y con Marcelo Galves, profe del Taller de Guión, del que participaron directores de Brasil y Colombia. A la noche vi No moriré sola, de Adrián García Bogliano. Me hubiera gustado quedarme más tiempo, pero tuve que partir directamente a la Muestra de Cine Lucas Demare, en Olavarría, donde Marina me esperaba.

En Olavarría di una charla de Introducción al Análisis de Films. Me sorprendió la cantidad de asistentes, y su gran interés por la actividad. Era domingo, y la tarde estaba divina, con mucho sol y calor. Pero adentro del bar La Gaviota la charla fue muy bien recibida, y fui muy bien presentada por Jorge Arabito, y muy bien asistida por un chico (no sé el nombre) que operaba la parte técnica. Al final de la parte teórica, proyecté el premiadísimo corto Túneles en el río, del platense Igor Galuk (que acababa de ganar el Premio del Público en el FESAALP), y entre todos analizamos y aplicamos todos los conceptos teóricos esbozados en el seminario. El público se fue contento, y el corto les encantó.

Esta es una nota que publicó el diario El popular de Olavarría sobre el seminario (muchas gracias a la periodista que me hizo el reportaje!):

La Lucas Demare sigue sumando películas y otras actividades
El seminario de Apreciación Cinematográfica resultó ser una interesante propuesta, ayer a la tarde. Jóvenes y adultos disfrutaron y analizaron un interesante cortometraje.

La 12ª Muestra de Cine Nacional Lucas Demare continúa ofreciendo cine para todos los gustos en el Teatro Municipal, y charlas y seminarios como actividades paralelas.En este marco, La Gaviota fue centro del seminario de Apreciación Cinematográfica, a cargo de Cynthia Sabat, docente, periodista de cine, poeta y productora de TV; además de responsable del sitio cineindependiente.com.ar, un portal pionero que acompañó el nacimiento del Nuevo Cine Argentino.

Pasadas las 17, el tradicional bar de la ciudad abrió sus puertas para recibir a gente de todas las edades dispuestos a aprender un poco más sobre nuestro cine. La intención de la propuesta fue la de ofrecer algunas herramientas que permitan disfrutar más y mejor una película. El puntapié inicial lo representó un viaje sobre los orígenes del cine. Sabat ofreció una charla a modo de introducción sobre los modelos de cine que abarca el primitivo, clásico, moderno y pos moderno, y el contexto histórico de su surgimiento.

Luego se proyectó el corto "Túneles en el río", del platense Igor Galuk: todos los veranos más un centenar de personas desaparecen en las aguas del Río de la Plata. Los ribereños dicen que "se los traga el río y no los devuelve". Igor convirtió este suceso en una propuesta cinematográfica que encarnan Juan y sus dos hijos.

"Es un corto que está ganando en muchos festivales. Es muy interesante y a diferencia de otros cortos, éste tiene mucha elaboración a nivel cinematográfico, a nivel imagen y lenguaje; entonces es un cortometraje que permite tener muchos elementos para el análisis", definió Cynthia Sabat en diálogo con EL POPULAR Medios. "La idea es que entre todos podamos analizar el cortometraje. Que el público pueda opinar, reflexionar y también preguntar".Muy vinculada al cine independiente, Cynthia ejerció el periodismo de cine en medios como Canal (á), Revista Nueva, Rumbos, First, Para Ti y Hombre. Fue directora y editora del Diario Oficial del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata durante tres ediciones, y trabajó en la sala de prensa de la edición 2008. Fue editora de la revista Haciendo Cine durante tres años. Colaboró con medios radiales. Actualmente escribe en su blog habiaunavezunachica.blogspot.com, colabora con medios especializados (como Otroscines.com), y es convocada como jurado de distintos festivales. Además dicta un taller de apreciación cinematográfica para adolescentes.

-¿Cómo ve el cine independiente en la actualidad, en la Argentina?

-Me parece que tiene un valor importantísimo, se trata de gente que está haciendo cine por amor al cine porque realmente lo hace con mínimos elementos, a veces los técnicos trabajan sin cobrar. Dentro de ese panorama hay muy buenos trabajos, justamente este tipo de festivales son muy importantes porque hacen de puente entre la obra independiente y el público que, de otra forma, no podría acceder a este cine porque si alguien quiere ver un corto no tiene un video club donde pueda alquilarlo. Por eso los festivales son muy importantes para la difusión de los cortometrajes.

-¿Se ha ido incrementando la cantidad de público, en general, en este tipo de festivales en los últimos años?

-Sí. Los festivales tienen una tarea que es de a poco, año tras año ir creando su propio público. No es que en una ciudad se crea un festival y se va a llenar. El público, de a poco va sabiendo que existe algo, un lugar donde va a ver un cine distinto y el festival tiene la tarea de crear la expectativa en el público de su propia ciudad.

A partir de la medianoche, La Gaviota tuvo su tradicional ciclo "Cine en los bordes", con la proyección del filme independiente "Grité una noche" de Adrián García Bogliano. Lo cierto es que la Muestra Lucas Demare continúa ofreciendo a los olavarrienses no sólo buen cine, sino también otras actividades que permiten un mayor acercamiento de la gente a la cinematografía. Durante la tarde, el Teatro sirvió de marco para la proyección de distintos filmes. A las 16 tuvo lugar el estreno de la película infantil de Néstor Paternostro "El tesoro del portugués". "Amorosa soledad" de Martín Carranza y Victoria Galardi llegó a las 18, "El niño pez" de Lucía Puenzo a las 20.15 y "La sangre brota" de Pablo Fendrik, a las 22.30.

Gracias a todos, y especialmente a Fede Ambrosis, Lia Gómez y Marina González Hueso! Nos vemos el próximo año!

Muestra Lucas Demare - Mi seminario

2009-09-12T16:58:00.001-07:00

Del 18 al 24 de septiembre

LA 12ª MUESTRA LUCAS DEMARE EN EL MARCO DE LOS 100 AÑOS DE FICCIÓN ARGENTINA

El Gobierno Municipal a través de la Subsecretaria de Cultura, Educación y Turismo anunció la realización de la 12ª edición de la Muestra de Cine Nacional “Lucas Demare” entre el 18 y 24 de septiembre próximo en el Teatro Municipal. La muestra, cuya entrada es de $3, con promociones para jubilados y entrada gratuita para estudiantes de la UniCen, contará en esta edición con alrededor de 30 títulos destacados, homenajes, invitados especiales, charlas y una ambientación que apuntan a revalorizar los 100 años de ficción en nuestro país.

En la programación se destaca la retrospectiva de Raymundo Gleyzer, documentalista social desaparecido por la última dictadura que será presentada por su compañera, Juana Sapire. Gleyzer fue el fundador del grupo “Cine de Base”, y sus películas trataron temas tales como la miseria de los campesinos en el noroeste de Brasil ("La Tierra Quema", 1964), la revolución mexicana ("México, La Revolución Congelada", 1971) y los errores de la burocracia sindical peronista ("Los Traidores", 1973). Asimismo, se proyectará “Nobleza gaucha”, el primer gran éxito de taquilla del cine nacional, que conforma parte del material de la colección recientemente creada "Mosaico criollo", la primera antología del cine mudo argentino. Un trabajo que no ha sido sólo de recopilación del material, sino de restauración, reconstrucción digital y adición de música original creada para la ocasión por Fernando Kabusacki y Matías Mango. Se trata de un material que ha sido muy poco difundido históricamente, entre el que figuran clásicos del cine silente local como "El último malón" y "Amalia", "La vuelta al bulín" y "Perdón, viejita".

Actividades paralelas
En ese contexto, la directora del Museo del Cine ”Pablo Ducrós Hicken” y responsable de la antología, Paula Félix-Didier, una de las palabras más autorizadas de nuestro país en lo que refiere a la historiografía del cine, realizará el sábado 19 una charla en la que realizará un recorrido por lo más destacado del centenario de la ficción.

Al mismo tiempo se prevé para el domingo 20 la realización de un Seminario Introducción al Análisis de Films a cargo de Cynthia Sabat, cuyo objetivo es realizar un recorrido por los conceptos básicos del cine, para que el espectador pueda analizar de forma consciente y precisa la obra cinematográfica. Ambas charlas están dirigidas a todo público y son de carácter gratuito.

Programación
Si bien aún no está cerrada la grilla de programación, se pueden adelantar entre los films que podrán verse durante una semana abocada íntegramente a lo mejor del cine nacional, se destacan “EL vestido” de Paula de Luque, quien estará presente en la proyección. Este film abrirá la muestra, en lo que significa un importante antecedente ya que se estrenará en simultáneo con Buenos Aires. También habrá películas infantiles, como “Básicamente un pozo” del Grupo Humus, y el estreno en Argentina de “El tesoro del portugués”, de Néstor Paternostro. Entre las ficciones se podrán ver éxitos de taquilla como “Música en espera” de Hernán Goldfried y el documental “Mundo Alas”, filmado por León Gieco, que retrata la gira de un grupo de artistas con capacidades diferentes con sensibilidad, buen gusto y hasta ciertos toques de humor negro.
También habrá títulos recientemente estrenados como “El niño pez”, de Lucía Puenzo; “La sangre brota” galardonada en Cannes, de Pablo Fendrik; la comedia “Los Paranoicos”, de Gabriel Medina; la multipremiada “Las mantenidas sin sueños” de Vera Fogwill y la revelación “El artista”, del dúo Duprat- Cohn, responsables de los recordados ciclo de TV “Televisión abierta” y “Cupido” y el filme “Yo, presidente”; entre otros. Cine en los bordesLa Muestra no descuidará tampoco a los amantes del cine bizarro y de género, manteniendo por segundo año la sección “Cine en los bordes”, que presenta producciones más arriesgadas que las convencionales. El ciclo se realizará en la trasnoche en el bar La Gaviota, con títulos como “Habitaciones para turistas”, “Masacre Marcial”, “Hard Cop”, “Grité una noche”, “Dos locos en Mar del Plata”.

Web: muestralucasdemare.blogspot.com

12ª Muestra de Cine Nacional "Lucas Demare"
Subsecretaría de Cultura, Educación y Turismo
Municipalidad de Olavarría
Cnel. Suárez 2924 - CP (7400)
muestralucasdemare.blogspot.com
54-2284-421186

Trailer Antichrist de Lars Von Trier (2009)

2009-09-02T16:12:00.000-07:00

Desafíos del cine y de la crítica en la era de las redes sociales

2009-09-29T07:27:00.001-07:00

Por Cynthia Sabat*

Nuestra relación con la época que nos toca vivir podría definirse por la inclusión o exclusión que medie entre nosotros y la tecnología de uso doméstico. Quienes no somos nativos digitales tenemos el desafío de poner a prueba nuestra capacidad de acercarnos, adaptarnos y servirnos de un universo que nos es, por naturaleza, ajeno: el mundo digital. Leer el diario en la notebook cada mañana; compartir con miles de usuarios nuestros comentarios sobre una noticia; subir a Facebook una foto de lo que acabamos de hacer; o calificar en un blog de cine una película que nos gustó con 5 estrellas, son para muchos (cada vez más) prácticas diarias (y naturalizadas) de nuestra vida digital. Pensemos en el acceso a pantallas y productos audiovisuales que tenemos diariamente, comenzando por el televisor, siguiendo por el iPhone y terminando en Youtube o en un videochat con algún amigo a través de Skype. La web 2.0, plataforma digital en la que los sitios actúan como lugares de encuentro; donde los consumidores se convierten también en productores (prosumers) y donde se puede compartir imágenes, audio, video y texto en forma instantánea con miles de usuarios alrededor del planeta, nos impone desafíos a cada instante. ¿Cómo saber quien se esconde detrás de un nombre de usuario? ¿Cómo saber que un dato levantado de Wikipedia es verdadero? ¿Cómo comprobar que un video subido por un usuario no es trucado? ¿Cómo conocer la fuente de una información que fue replicada miles de veces como un virus? La masificación exponencial de Internet y su relativa democratización (no olvidemos a los más de mil millones de pobres en el mundo que difícilmente tengan alguna vez acceso a ella), dio como resultado un verdadero caos de contenido que tiende a mezclar y unificar todo lo escrito a un mismo nivel. Comentarios de usuarios, cables de agencias de noticias, opiniones de bloggers, todo tiende a ser (y parecer) la misma cosa en la web. Esto plantea un doble reto: para quienes buscan información, el desafío es saber “leer” una búsqueda (más allá de los links que nos devuelva Google); para quienes la producen, es llegar a los lectores con la máxima precisión y fidelidad.

La revolución social: la crítica en jaque
El periodismo en general, y en particular la crítica cinematográfica, no escapa a los peligros que imponen las redes sociales. Los beneficios que ofrecen Facebook, Myspace, Twitter o Sonico a la hora de diseminar información de forma casi instantánea están claros, pero no así sus riesgos.Aclaremos antes un concepto. La crítica cinematográfica se divide en dos tipos con características distintas. Por un lado, la crítica académica, que apunta a un lector experto, y realiza un análisis metódico a partir de saberes como la teoría y la estética cinematográfica. Este tipo de crítica se encuentra en publicaciones académicas y especializadas, y no apunta a crear en el lector la expectativa de ver el film ni se rige por la actualidad. Por otro, la crítica periodística, que se publica en diarios, revistas y blogs, y suele apuntar a un lector que pretende enterarse de los estrenos. El lector busca información y opinión, que muchas veces se ve graficada (y reducida) en las cuestionadas estrellas que acompañan el texto, o acompañadas de las carteleras de cine, para saber dónde ir a ver determinado film. De estos dos tipos de crítica, la crítica periodística es la que fue puesta en crisis por la web 2.0. La incansable actividad de los prosumers puso en jaque a los periodistas especializados y a los críticos, al presentar batalla con una bandera tan estimulante como perturbadora: todos somos críticos de cine. Esta afirmación parece verdadera, pero ¿lo es realmente? La libertad que cada usuario tiene de dar su opinión sobre determinado film, pone en juego la responsabilidad que le cabe al crítico a la hora de defender su tarea: los críticos cinematográficos tienen el gran desafío de formarse y de producir textos de alta calidad, alejados del maniqueísmo del “me gustó-no me gustó”, donde el lector encuentre una visión, una argumentación y un análisis a la vez rico y profundo. La firma es de vital importancia en una crítica cinematográfica; el lector-usuario de la web debe saber “leer” quién es la persona que firma un texto crítico. Por otra parte, el periodista de cine tiene en la web 2.0 un lugar privilegiado para hacer circular sus textos. No es raro encontrar que la mayoría de los críticos de cine de los medios masivos de comunicación tengan sus propios blogs, donde no suelen reproducir lo que publican en sus respectivos medios, sino que experimentan una saludable libertad al escribir textos originales, sin la presión de tener que responder a una línea editorial o entrar en conflicto con determinados intereses como, por ejemplo, los del departamento de marketing.

La crisis de las pantallas
Con su capacidad de reproducción instantánea e infinita, la web 2.0 y sus nuevos dispositivos, los smartphones, no sólo pusieron en crisis a la crítica cinematográfica sino a su propio objeto: el cine. La pregunta acerca de qué es el cine hoy parece más pertinente que nunca, mientras es cada vez más intensa la certeza de que circula entre nosotros una cantidad inédita e inabarcable de producción audiovisual. El mismo nivel de democratización de la información que trajo Internet, llegó en los 90s a la producción audiovisual de la mano del video digital. Lo que vino después ya es historia. Hoy son cada vez más las salas que proyectan en Alta Definición; películas enteras pueden verse gratis en Youtube o en sitios especializados como The Auteurs, y nanopelículas realizadas con celulares son objetos de festivales y muestras que compiten en popularidad con los festivales de cine tradicionales. Mientras algunas ideas que creíamos eternas pasan a ser relativas o directamente obsoletas (como la “propiedad intelectual”, o el concepto de “original”), el negocio del cine se redefine para no morir en el intento. Las salas 3D son ahora la clave de la supervivencia de los multicines. Y mientras el cine de autor y el cine arte continúa su lento camino de difusión a través del DVD o de las descargas, los “tanques” de Hollywood apuestan a megaestrenos globales, y apuran el lanzamiento de sus ventanas (la televisación y la salida en Blu-ray), para darle batalla, aunque sea un poco, a la piratería y los downloads.Hace pocos días apareció una nota en un diario que da cuenta de esta crisis. La nota se titulaba Twitter,el enemigo número uno del cine, y alertaba acerca de la velocidad que da el microblogging (140 caracteres que responden a la pregunta de qué estás haciendo ahora, y que puede enviarse desde un celular) a grandes audiencias para emitir sus opiniones y socializarlas con millones de usuarios alrededor del mundo de forma instantánea. Más allá del tono escatológico de la nota, la preocupación de las majors (las grandes distribuidoras que manejan el negocio cinematográfico mundial) se sustenta en que sus principales estrenos están destinados a los jóvenes (se sabe: el segmento de consumidores más rentable del mercado), y que su acceso a las redes sociales es tan alto que, ante una mala recepción, temen que colapsen sus expectativas de ganancias. Si alguna vez fue cierto aquello de que todo lo sólido se desvanece en el aire, hoy lo es mucho más. A una realidad social de compleja lectura, se le suma la pregunta acerca de qué hablamos hoy cuando hablamos de analfabetismo, de educación, de lectura y de inclusión. Una última noticia del futuro digital que ya se vislumbra. La segunda generación de la web ya tiene sucesora: la web 3.0 o web semántica será más intuitiva, los buscadores brindarán información personalizada para cada usuario, y tendrán acceso de una base de datos global. Los futuristas piensan en una web más inteligente respecto de los deseos, intereses y necesidades de los usuarios. Pero para comprobarlo habrá que esperar.

+ Blogs y sitios de crítica de Cine

micropsia.blogspot.com
ojosabiertos.wordpress.com
http://www.lalectoraprovisoria.com.ar/
http://www.grupokane.com.ar/
http://www.otroscines.com/

Julio 2009

*Cynthia Sabat es docente, periodista de cine y especialista en social media. Esta nota fue publicada originalmente en la revista La Rotonda del Espacio Cultural El Sábato de la Facultad de Ciencias Económicas de la UBA, septiembre 2009.

Fesaalp 2009 : Reportaje para el blog del fest sobre mi seminario

2009-09-01T10:15:00.000-07:00

Seminario Taller de Crítica y Periodismo de Cine (18 y 19 de septiembre, La Plata)

- ¿Es necesario ser periodista o experto en cine para concurrir al taller?
- No, no es necesario, pero es vital querer serlo, sentir la necesidad de capacitarse para encarar la tarea. La curiosidad y el interés por perfeccionarse me parecen dos de las características que no pueden faltar en un periodista.

- ¿Qué novedades trae en este 2009 el taller de critica cinematográfica?
- Las novedades que trae la versión este año el taller, son una mayor profundización en las herramientas conceptuales con las que debe contar un crítico a la hora de abordar un texto de esta naturaleza y, además (y aunque ya en mi seminario del año pasado lo abordé de manera breve), el lugar que ha tomado la web 2.0 y las redes sociales en relación al trabajo periodístico es clave, por lo tanto requiere que se reconsideren ciertas nociones unidas a las nuevas tecnologías y a los nuevos hábitos de lectura y escritura. Apoyaré mi exposición con una presentación que hará más fácil seguir el desarrollo del seminario, y entregaré a cada participante un dossier de textos que para mí son importantes para reflexionar sobre el periodismo cultural y la época en la que vivimos.

- ¿Qué resultados arrojó la experiencia del 2008? ¿Cómo respondieron los y las participantes del taller?
- El año pasado la recepción del seminario fue muy positivo. Los y las asistentes pudieron hacer preguntas sobre cuestiones claves a la hora de, por ejemplo, presentar un sumario de ideas a una publicación, o acerca de cómo encarar una entrevista a un realizador. El seminario es fundamentalmente participativo e intensivo. Quedé en contacto durante todo el año con varios de los asistentes, y aún hoy seguimos intercambiando información que nos interesa vía email o Facebook.

- ¿Por qué crees que es necesaria la critica cinematográfica?
- La crítica es necesaria, sencillamente porque es parte del campo cinematográfico y tiene una función legitimadora.

- ¿Cómo ves el nivel de la critica en Argentina? ¿Y de los espacios para publicar sobre cine?
- La crítica está pasando por una crisis de credibilidad y de hiperdemocratización, ya que gracias a la web 2.0 y los blogs de cine pareciera que todo el mundo puede escribir sobre cine y decir lo que piensa. Pero la crítica es otra cosa. De esos desafíos hablaremos en el seminario.

El Taller de Crítica se desarrollará el jueves 17 y viernes 18 en el Centro Cultural Islas Malvinas. Los y las interesadas en participar tienen que mandar un mail a info@fesaalp.com.ar con el asunto "Inscripción Taller de Crítica" y dentro del cuerpo del mensaje aclarar Apellido y Nombre. La matrícula (80 pesos) se abona el primer día del Taller, y finalizadas las dos jornadas se le entregará un certificado que acredita la participación.

www.fesaalp.com.ar

La invención de la carne, Almodóvar y Iosseliani

2009-09-29T11:23:00.000-07:00

A FLOR DE PIEL

La invención de la carne
de Santiago Loza
Argentina (2009)

Santiago Loza es un artesano de la imagen, la palabra y el silencio. Su nueva película es la demostración de que, de todos los caminos posibles, eligió el más arriesgado, el que se interna más profundo en el misterio. La invención de la carne es un film de sensaciones corporales: de la soledad como ese frío que anida en los cuerpos; de la ansiedad como un peso insoportable en la espalda. La historia que cuenta propone al espectador sumergirse en el relato para descubrir sentidos múltiples, ambiguos, escurridizos. María (Umbra Colombo) abre sus piernas ante un grupo de estudiantes de medicina que la estudian como a un cadáver. Es una mujer que ya no tiene nada que perder. Se deja llevar por la ciudad; se entrega a los hombres en el camino. De pronto, ocurre lo inesperado: uno de los estudiantes la reconoce en la calle y la sigue. Mateo (Diego Benedetto) se le acerca y le pide que lo acompañe en un largo viaje en auto al interior del país, a cambio de dinero. Juntos parten hacia un encuentro de dos soledades en el que sus vidas apenas se rozan.
Después de Extraño, su opera prima protagonizada por Julio Chavez y Valeria Bertuccelli; su segundo film Cuatro mujeres descalzas, y la fallida Artico, Santiago Loza vuelve a plantear sus preguntas sobre la condición humana y el problema del cuerpo, a través de imágenes a veces dolorosas, a veces temblorosas, intentando hacer visible lo invisible por la gracia del cine: el deseo, la orfandad, la piedad y la compasión. Loza pone al servicio de la historia su sensibilidad exquisita, y logra una película oscura y viva.

LOS ABRAZOS ROTOS de Pedro Almodóvar (España, 2009)
Nadie puede acusar a Almodóvar de autoplagio, de repetirse hasta el cansancio. Porque eso, precisamente (y ostensiblemente) es Los abrazos rotos. Este thriller de tono melodramático, colores chillones, encuadres perfectos y sobreactuaciones varias, utiliza como excusa un triángulo pasional para abordar el tema que siempre le ha interesado al director: el cine. Las falsas identidades, los secretos filiales y las historias dentro de la historia del film son marcas recurrentes en el cine almodovariano, que por momentos (en esta película) se extraña, pero en otros irrumpe con violenta belleza. La escena en la que Lena le revela su engaño a su marido, y la escena en la que Harry, un director ciego, descubre en un video que ha quedado inmortalizado su último beso con la mujer amada, justifican toda la película. Para llorar, siempre tendremos Almodóvar.

JARDINES EN OTOÑO de Otar Iosseliani (Italia, Francia, Rusia, 2006) DVD
Para aquellos que sufran de ansiedad cinematográfica, este es el mejor remedio para desintoxicarse de Hollywood. El veterano director georgiano hace gala de su refinadísimo humor con aires de Tati en esta pequeña gran obra donde nada grandilocuente sucede, pero donde se reflexiona sobre el poder, el placer y las relaciones humanas. Las escenas son absurdas y encantadoras, y no faltan el buen vino, la amistad, la bohemia, las mujeres y el gran Michel Piccoli interpretando a la madre del protagonista, al mejor estilo mamá Cora. El cine de Iosseliani, a sus 75 años, goza de la frescura y la vitalidad que muchos veinteañeros no tienen.

Comentarios escritos para la revista Babia, oct-nov 2009.

Sobre la moda vintage en Buenos Aires

2009-08-24T09:31:00.000-07:00

Hecho para durar

Cada vez son más los que se dejan seducir por la nobleza del vintage. El avance constante y afiebrado de la tecnología durante el siglo XX nos dejó una serie de objetos que formaron parte de la vida cotidiana y que hoy, treinta o cuarenta años después, convertidos en reliquias, siguen funcionando y fascinan por su diseño innovador y por su historia. Pasen y vean la última moda: el estilo retro. X Cynthia Sabat

Muchos y muchas hoy gritan a los cuatro vientos que no pueden vivir sin su iPhone, que aman a su iPod nano, o que les daría un ataque de nervios si perdieran su Blackberry. Sin embargo, allí está la famosa frase resonando para quienes quieran prestarle atención: “todo tiempo pasado fue mejor”. ¿Todo tiempo pasado fue mejor? Desde el nacimiento de la humanidad, el hombre buscó perfeccionar su forma de vida tratando de desenvolverse más fácilmente en el entorno en el que le tocó vivir. Esto lo llevó a crear objetos por pura necesidad; herramientas que le solucionaron problemas específicos. Así nacieron la rueda, la imprenta, el teléfono, los aviones y muchos inventos más que marcaron un antes y un después en la evolución de eso que llamamos tecnología.

A partir de la Revolución Industrial, ese “poderoso motor de cambio” (así la definió el futurista norteamericano Alvin Toffler en su famoso libro “El shock del futuro”) se aceleró de una forma fabulosa, tal es así que la evolución que se producía en el lapso de vida de una persona, hubiera demandado generaciones cientos de años atrás. El afiebrado siglo XX nos dejó una serie de objetos que sobrevivieron a esa máquina de producir y destruir que es la modernidad, como restos que devuelve la marea del tiempo. Llevan impresas las huellas del uso, pero sus corazones siguen latiendo, obstinados. Sus nombres arrancan recuerdos que parecían perdidos: el Viewmaster, la cámara Polaroid, el Walkman, el Winco, el Simon.

La nostalgia por lo retro nació en la segunda mitad de los 90s: El fenómeno del vintage apareció a fines del siglo pasado y se extendió a principios del nuevo milenio. Hoy existe en Buenos Aires una oferta interesante y variada de objetos que invitan a hacer un viaje en el tiempo.

Volver al futuro
Cualquier verdura es un tesoro para quienes sepan descubrirlo. Ubicado a metros de la Plaza Dorrego de San Telmo, la casona que Violeta Brenman y su hermano convirtieron en local de objetos vintage depara bellas sorpresas y una atmósfera pop ochentosa donde conviven recuerdos de varias décadas. Desde vinilos, viejos visores de diapositivas, máquinas de escribir y cámaras Lomo, hasta las primeras batidoras y heladoras, televisores portátiles, los primeros aparatos de 3D, y una heladera como las que tenían las abuelas. La casona invita a un recorrido ambiente por ambiente, donde se descubren todo tipo de objetos viejos y nuevos, cuidadosamente identificados con etiquetas. Violeta cuenta que es diseñadora industrial, y que le llevó más de un año dotar al local de las miles de cosas que lo habitan. La mayoría llegó allí a partir de viajes de exploración al interior y al exterior del país. El eclecticismo domina la oferta de Cualquier verdura, que ofrece un ambiente siempre cambiante. “Es interesante que los objetos sean reemplazados por otros”, opina. “La oferta está en constante cambio, así que si alguien se enamora de algo mejor que se lo lleve”, advierte mientras pone a Los Beatles en el tocadiscos. La mayoría de los objetos tecnológicos que vende, funcionan. “Hay cosas que llegan funcionando y otras que hay que arreglar. En general tienen mecanismos que son arreglables; por ahí es difícil encontrar alguna pieza, pero muchas veces se pueden reemplazar”, explica. Como toda fan del vintage, Violeta tiene predilección por ciertos objetos que prefiere que queden en casa. “A las cosas muy raras y que nos gustan mucho, les ponemos precios ridículos para que no se las lleven”, confiesa. “Son cosas que le dan carácter al local, y que aparecen muy de vez en cuando”.

En la otra punta de la ciudad se encuentra el tradicional Mercado de Pulgas, que ofrece una experiencia distinta al comprador. En sus pasillos se acumulan de todo, , como en cambalache. Es la Biblia y el calefón, especial para fanáticos del olor a viejo y el regateo. Karina Escalante atiende uno de los puestos, que le quedó como herencia de familia. “Esto es como entrar en el túnel de tiempo. Hay cosas que tuve en la infancia, y me las encuentro acá”, dice, “aquí podés encontrar lo roto, lo insólito, lo lindo y lo feo”. Así es: el Mercado de Pulgas tiene una mística que no tiene otro lugar, y no es para cualquiera. Karina describe muy bien a cada tipo de cliente: está quien compra por nostalgia (y llega buscando algo que tuvo en su infancia); está el coleccionista (que generalmente viene a buscar algo específico), y el historiador. Se acercan también diseñadores de arte y alquilan objetos para rodajes de cine o publicidad, y hasta diseñadores gráficos en busca de inspiración. Uno de los dilemas del negocio es saber dónde y cómo comprar. Karina cuenta que visita casas de familias que tienen que achicarse y necesitan deshacerse de cosas, y termina escuchando el relato de la historia afectiva de cada objeto. Además hay remates donde los que saben compran para llenar las estanterías de sus negocios. A la hora de ponerle precio a un reloj antiguo, una batidora de los años 40 o un proyector de Super 8, quienes se dedican a esto coinciden en que la intuición y el oficio los ayuda a poner un valor, a sopesar el estado del objeto y cuán difícil es de conseguir.

Confort antiguo
En La mersa domina un tipo de decoración que entremezcla los estilos de las décadas de los 50s, 60s y 70s, fundiéndolos en uno nuevo. Sus muebles antiguos, sus escritorios y sus sillones parecen no haber sufrido el paso del tiempo. Para ello, un equipo de restauradores trabaja devolviéndole a las piezas el look de su primer día, o dándoles un toque actual. Una de sus paredes luce una variada y simpática colección de relojes de cocina antiguos. La tecnología vintage de teléfonos y relojes despertadores brilla sobre muebles con mucho carácter: además de decorar, funciona. “Nuestros clientes nos piden que los relojes y teléfonos funcionen. Nosotros los reciclamos, parecen nuevos pero son antiguos y, en muchos casos, vienen con el estuche original” –cuenta Diego Villarejo, el encargado de satisfacer la demanda de los clientes. “A la gente joven le parece muy divertido llevarse a casa objetos vintage. Además los precios son accesibles comparados con los de los nuevos” comenta, y cuenta que el proyecto de La mersa nació tras el éxito de su participación en Casa Foa 2006, y que revistas chilenas, italianas y españolas especializadas se interesaron en sus ambientaciones y objetos retro.

Mientras los clientes ocasionales entran, miran, preguntan precios, regatean y se vuelven a casa felices con algún hallazgo, hay un grupo de personas que se dedica a buscar esos tesoros ocultos en desvanes o negocios de barrio de ciudades del interior. En algunos casos, ese oficio, esa pasión, es una parte fundamental de sus vidas. Entre ellos está Gerardo Caruso, que hace más de catorce años se dedica a comprar y vender objetos antiguos. Los objetos que hay en Gropius, su local de Palermo, demuestran que lejos de ser un simple aficionado, sabe muy bien lo que vende. “Cuando aparece una radio antigua o un combinado, me apasiona investigar en revistas y libros de la época la historia y el contexto en el que se crearon, confiesa entusiasmado. Hace poco tiempo tuvo seis televisores blanco y negro y, misteriosamente, se vendieron en seguida. Gerardo hace cuentas: “Si yo hubiera guardado todo lo que encontré durante los casi quince años de búsqueda, tendría un museo”.

Contra la corriente
En la era del lifting, de la glorificación de lo nuevo, de lo descartable, de la búsqueda de la juventud eterna, la tecnología vintage reivindica otros valores. En contra de la tendencia consumista, los objetos retro son únicos, traen consigo una historia de uso y una historia del mundo y del país. Los modelos futuristas, por ejemplo, son pruebas y a la vez testigos del pensamiento de toda una época. Las cámaras de fotos, los tocadiscos o las radios que aun conservan su sello de Industria Argentina, representan un modelo de país, el sueño de una industria. Los tiempos cambian, eso es sabido. Pero con los tiempos cambian también los paradigmas. “Lo que se hace ahora no va a durar tanto, porque no se hace para durar”, reflexiona Violeta. “Hay otra forma de ver el mundo: una heladera está hecha para durar diez años, y eso ya es mucho tiempo”. Sí, maravilla que puedan tener 40 años y puedan seguir siendo usamos, desde un televisor y un despertador hasta una cámara de fotos. “Lo que me interesa de ellos es que compiten con lo nuevo, aunque se hicieron con tecnologías mucho menos desarrolladas. Hoy podrían hacerse objetos que duraran más, pero hay otro paradigma: la gente quiere cambiarlos en un lapso corto de tiempo.” ¿Habrá allá por el 2050 en las tiendas vintage de Buenos Aires IPhones, consolas de PlayStation y reproductores de Blu-Ray que funcionen?

Direccionario
La mersa - Honduras 3950 http://www.lamersa.com/
Cualquier verdura - Humberto Primo 517 http://www.cualquierverdura.com.ar/
Gropius - Honduras 5851
Mercado de Pulgas - Dorrego y Conde

Fotos: Alina Schwarcz y Cynthia Sabat

Nota publicada en la revista Entrecasa del mes de junio 2009.